Многие музеи Европы, среди которых одно из первых мест занимает петербургский Эрмитаж, а также средоточие шедевров русского живописного искусства - Русский музей хранят в своих коллекциях огромное количество картин, написанных в стиле "академизм" признанными мастерами своего времени. Академическое направление в искусстве - та база, без которой далее живопись и скульптура вряд ли смогли бы развиваться настолько плодотворно. В чем же основные черты академизма в живописи? Разобраться в этом и есть наша задача.

Что такое академизм?

В живописи и скульптуре академизмом или академическим направлением считается зародившийся стиль, главной составляющей которого является интеллектуальная. Несомненно, в рамках этого стилевого направления должны соблюдаться и определенные канонами эстетические принципы.

Академическое направление во Франции, представленное работами таких представителей академизма, как Николя Пуссен, Жак Луи Давид, Антуан Гро, Жан Энгр, Александр Кабанель, Уильям Бугро и др., зародилось в 16 в. Просуществовало оно в государстве-законодателе недолго, и уже в 17 в. было сильно потеснено импрессионистами.

Однако академизм достаточно прочно закрепил свои позиции в странах Европы, а затем и в России и, несмотря на вновь приходящие стили, стал прочной классической базой изобразительного искусства при обучении юных мастеров живописи и скульптуры.

Предпосылки формирования академизма в Европе и России

Возникшие еще в эпоху Возрождения изменения в жизни европейского общества, главными принципами искусства которого стали гуманизм, антропоцентризм, а также возможность широко распространять посредством разных видов передовые мысли и идеи, повлекли за собою и изменения в самом искусстве, в том числе и в европейской живописи.

1. Изменение отношения к художникам: не ремесленники, а творцы.
2. Открытие Французской академии искусств.
3. Открытие меценатами европейских стран художественных академий для повышения социального статуса художников и обучения их на принципах живописи эпохи Возрождения.
4. Продвижение и поддержка юных дарований меценатами.

Характерные черты академического стиля в искусстве

Академическое искусство предполагало тщательное планирование, продумывание и проработку деталей будущего произведения. В качестве содержательной основы чаще всего брались мифологические, библейские и исторические сюжеты. Перед написанием полотна художником предварительно выполнялось огромное количество подготовительных рисунков - эскизов. Все персонажи идеализировались, но при этом обязательно сохранялась соответствующая эпохе исторически достоверная обстановка, предметы, одежда и др.

Особое внимание отводилось использованию цвета: вся гамма должна была соответствовать реально существующей в жизни, особой аккуратности требовало использование ярких цветов, которые были не рекомендованы к использованию (только в виде исключения). К технике и особенностям картины также предъявлялись требования строжайшего следования правилам наложения светотени, изображения перспективы и ракурсов. Правила эти были определены еще в эпоху Возрождения. Кроме того, поверхность полотна не должна была состоять из мазков и шероховатостей.

Академия трех знатнейших художеств - колыбель академической живописи

Это учебное заведение стало первым заведением в России, выполнявшим функцию такую же, как в свое время Французская академия. Основателем Академии трех знатнейших художеств, как она тогда называлась, стал граф Иван Иванович Шувалов, человек, близкий к трону императрицы Елизаветы Петровны и попавший в опалу при Екатерине II.

Под тремя знатнейшими художествами имелись в виду живопись, скульптура и архитектура. Этот факт нашел отражение в облике здания, возведенного для академии на Университетской набережной Невы по проекту Ж. Б. Валлен-Деламота и А. Кокоринова: на куполе восседает покровительница искусств и ремесел богиня Афина, а у ее ног расположились три путти, как раз и символизирующие знатнейшие искусства. Первым из них, разумеется, была живопись.

В академии преподавали и работали совместно с учениками известнейшие мастера Европы. Кроме базовых теоретических знаний, студенты академии имели возможность наблюдать за работой знаменитых европейских мастеров и учиться у них на практике.

В процессе обучения юные художники учились писать и рисовать с натуры, изучали пластическую анатомию, архитектурную графику и др. По окончании обучения все выпускники выполняли конкурсную работу на указанную тему, как правило, мифологического сюжета, в академической манере. В результате конкурса определялись наиболее талантливые работы, их авторы награждались медалями разного достоинства, высшие из которых давали право на бесплатное продолжение обучения в Европе.

Российские академисты

Принято выделять два этапа в академическом направлении западноевропейской живописи: академизм конца XVI II - начала XIX вв. и второй половины XIX в. Среди художников первого периода выделяют Ф. Бруни, А. Иванова и К. П. Брюллов. Среди мастеров второго периода - художники-передвижники, в особенности Константин Маковский.

Основными особенностями академизма конца XVIII - начала XIX вв. считаются:

• возвышенность тематики (мифологическая, парадный портрет, салонный пейзаж);
• высокая роль метафоричности;
• многоплановость и многофигурность;
• высокое техническое мастерство;
• масштабность и помпезность.

Во второй половине 19 века в академизме живописи перечень этих характеристик расширился за счет:

• включения элементов романтизма и реализма;
• использования исторической тематики и местных традиций.

Карл Павлович Брюллов - мастер академической живописи

Особо в перечне художников-академистов выделяется Карл Брюллов - мастер, создавший полотно, прославившее имя автора в веках - "Последний день Помпеи".

Судьба петербуржца Карла Павловича Брюлло(ва) связана с особенностями воспитания и жизни в семье. Тот факт, что отец Карла и его братья и связали свою жизнь с Академией художеств, определил дальнейший творческий путь талантливого юноши. Он окончил академию с золотой медалью. Стал членом Общества поощрения художников и благодаря этому смог продолжить свое образование в Европе - в Италии. Там он жил и творил целых двенадцать лет. После исполнения частного заказа Демидова на масштабное полотно о гибели города Помпеи смог расторгнуть свои отношения с обществом и стать самостоятельным художником.

Прожил Карл Брюллов всего 51 год. По настоянию Николая I он вернулся в Россию, несчастливо женился и развелся через несколько месяцев после женитьбы. Первоначально принятый всем обществом Петербурга как гений и национальный герой после скандального брака был отвергнут также всем обществом, тяжело болел и вынужден был уехать. Скончался в Риме, так и оставшись, по сути, гением одной картины. И это даже несмотря на то, что создал достаточно полотен, имеющих и по сей день огромное значение для академической живописи 19-го века.

(фр. academisme) - направление в европейской живописи XVII-XIX веков. Академическая живопись возникла в период развития в Европе академий художеств. Стилистической основой академической живописи в начале XIX века являлся классицизм, во второй половине XIX века — эклектизм.

История развития Академизма связана с «Академией вступивших на правильный путь» в Болонье (ок. 1585), французской Королевской академией живописи и скульптуры (1648) и российской «Академии трех знатнейших художеств» (1757).

В основе деятельности всех академий лежала строго регламентированная система обучения, ориентированная на великие достижения предшествующих эпох – античности и итальянского Возрождения, откуда сознательно отбирались отдельные качества классического искусства, принимавшиеся идеальными и непревзойденными. А само слово «академия» подчеркивало преемственность с античной классикой (греч. Academia – школа, основанная Платоном в 4 в. До н.э. и получившая свое название от священной рощи близ Афин, где был похоронен древнегреческий герой Академ).

Для русского академизма первой половины XIX века характерны возвышенная тематика, высокий метафорический стиль, многоплановость, многофигурность и помпезность. Были популярны библейские сюжеты, салонные пейзажи и парадные портреты. При сюжетной ограниченности тематики картин работы академистов отличались высоким техническим мастерством.

Карл Брюллов, соблюдая академические каноны в композиции и технике живописи, расширил сюжетные вариации своего творчества за пределы канонического академизма. В ходе своего развития во второй половине XIX века российская академическая живопись включила в себя элементы романтической и реалистической традиций. Академизм как метод присутствует в творчестве большинства членов товарищества «передвижников». В дальнейшем для российской академической живописи стали характерны историзм, традиционализм и элементы реализма.

Понятие академизма в настоящее время получило дополнительное значение и стало использоваться для описания работ художников, имеющих систематическое образование в области визуальных искусств и классические навыки создания произведений высокого технического уровня. Термин «академизм» сейчас часто относится к описанию построения композиции и техники исполнения, а не к сюжету художественного произведения.

В последние годы в западной Европе и США возрос интерес к академической живописи XIX века и к её развитию в XX веке. Современные интерпретации академизма присутствуют в творчестве таких российских художников, как Илья Глазунов, Александр Шилов, Николай Анохин, Сергей Смирнов, Илья Каверзнев и Николай Третьяков.

В живописи Италии на рубеже XVI-XVII вв. возникают два главных художественных направления: одно связано с творчеством братьев Карраччи и получило наименование «болонского академиз­ма», другое - с искусством одного из самых крупнейших худож­ников Италии XVII в. Караваджо.

Болонский академизм - направление, возникшее в конце XVI в. и занявшее в XVII в. значительное место в итальянской живописи. Отношение к его представителям менялось с течением времени. Современники считали академистов выдающимися мастерами, однако спустя столетие их совсем забыли, а в XIX в. обвинили в подражании слабым сторонам живописи Возрождения.

«Академия вступивших на правильный путь» - так называлась небольшая частная мастерская, созданная в Болонье в 1585 г. художниками двоюродными братьями Лодовико (1555-1619), Агостино (1557-1602) и Аннибале (1560-1609) Карраччи. Отсюда и название - «болонский академизм». Они хотели воспитать мастеров, кт имели бы истинное представление о красоте и были способны возродить искусство живописи, по их мнению пришедшее в упадок.

Такая точка зрения имела под собой серьёзные основания. Во второй половине XVI в. большое влияние на живописцев оказывали теоретики маньеризма - направления, возникшего в искусстве Италии ещё в 20-30-е гг. Они утверждали, что нет художественных идеалов, общих для всех. Художник создаёт свои произведения на основе Божественного вдохновения, по природе своей стихийного, непредсказуемого и не ограниченного ремесленными правилами. Краски не могут передать всей полноты и тонкости замысла, вложенного Богом в душу художника, и поэтому нельзя судить о ценности картины по её техническому исполнению. Обучение мастерству не считалось столь уж важным делом.

Академия противостояла этим взглядам. Есть вечный идеал красоты, заявляли братья Карраччи, он воплощён в искусстве античности, Возрождения, и прежде всего в творчестве Рафаэля. В академии основное внимание уделялось постоянным упражнениям в техническом мастерстве. Его уровень зависел, по мнению братьев Карраччи, не только от ловкости кисти, но и от образования и остроты интеллекта, поэтому в их программе появились теоретические курсы: история, мифология и анатомия.

Принципы болонской Академии, кт явилась прообразом всех европейских академий будущего, прослеживаются на творче­стве самого талантливого из братьев - Аннибале Карраччи (1560- 1609). Карраччи тщательно изучал и штудировал натуру. Он считал, что натура несовершенна и ее нужно преобразить, облагородить для того, чтобы она стала достойным предметом изображения в соот­ветствии с классическими нормами. Отсюда неизбежные отвлечен­ность, риторичность образов Карраччи, пафос вместо подлинной героики и красоты. Искусство Карраччи оказалось очень своевре­менным, соответствующим духу официальной идеологии и получи­ло быстрое признание и распространение.

Братья Карраччи - мас­тера монументально-декоративной живописи. Одна из первых работ болонских академистов и самое знаменитое их произведение - выполненные Аннибале и Агостино Карраччи и несколькими учениками в 1597- 1604 гг. - роспись галереи палаццо Фарнезе в Риме на сюжеты «Метаморфоз» Овидия в палаццо Фарнезе в Риме. В их оформлении чувствуется сильное влияние монументальной живописи Микеланджело. Однако в отличие от него у братьев Карраччи на первом месте стоит абстрактная красота живописи - правильность рисунка, уравновешенность цветовых пятен, ясная композиция. Совершенство формы занимало их гораздо больше, чем содержание. Аннибале Карраччи явился также создателем так называемого героического пейзажа, т. е. пейзажа идеализированно­го, выдуманного, ибо природа, как и человек (по мнению болонцев), несовершенна, груба и требует облагороженности, чтобы быть представленной в искусстве. Это пейзаж, развернутый при помощи кулис в глубину, с уравновешенными массами куп деревьев и почти обязательной руиной, с маленькими фигурками людей, служащими только стаффажем, чтобы подчеркнуть величие природы. Столь же условен и колорит болонцев: темные тени, локальные, четко по схеме расположенные цвета, скользящий по объемам свет.

На рубеже XVI-XVII веков болонский живописец Аннибале Карраччи (1560 - 1609), подобно Караваджо, стал реформатором итальянской живописи. В отличие от бунтаря-ломбардца, он был ревностным хранителем старых культурных традиций античности и Возрождения, являлся придворным художником кардинала Одоардо Фарнезе, был блестящим декоратором, создававшим наряду со станковыми произведениями фресковые росписи. Идя разными путями, оба они оказали большое влияние на живопись не только итальянской, но и других формирующихся в XVII столетии художественных школ.

Произведения Аннибале Карраччи передают новое отношение к национальной традиции, ставшее необходимым для художника, когда на исходе стиля Возрождения рождалось иное чувство природы и истории. Задача нового воплощения реальности остро стояла перед Карраччи, как и перед Караваджо. Но его возвышенное, а не свободное и духовно раскованное, как у ломбардца, отношение к прошлому, к традиции, обретает характер идеала, кт стремится подражать художник. В искусстве Аннибале переплелись натурность и идеализация, реальность и миф. И этот принцип соотнесения натуры с идеалом, интеллектуальная корректировка реального образа ляжет в основу деятельности мастеров стиля классицизм, у истоков кт находилось искусство Аннибале Карраччи.

Аннибале был наиболее одаренным живописцем среди трех братьев Карраччи. Живописи он учился у двоюродного брата Лодовико (1555 - 1619), гравюре - у брата Агостино (1557 - 1602). Он путешествовал по городам Италии, посетив Венецию, Парму, возможно, Флоренцию и с 1582 года работал в Болонье. В том же году братья Карраччи основали здесь «Академию вступивших на истинный путь» - одну из живописных академий, существовавших в Италии с конца XVI века. Из ее стен вышли такие известные мастера болонской школы, как Гверчино, Доменикино, Г. Рени, Дж. Ланфранко. Принципы обучения, как и во всех академиях, основывались на копировании старых итальянских мастеров, штудировании натуры, на подчинении последней идее отбора, то есть соотнесения с некими идеальными образцами, воплощавшими высшие достижения мастеров XVI века. Однако этот метод воплощения натуры не означал эклектичного соединения отдельных элементов, заимствованных у разных художников, не умалял поэтических достоинств живописи каждого из братьев и, особенно, Аннибале. Трагическую роль в последующей оценке деятельности братьев Карраччи сыграла фальшивка их биографа Мальвазиа, приписавшего сочиненный им самим сонет - Агостино и письма - Аннибале, в которых метод братьев был представлен как эклектичный, основанный на теории отбора. Это надолго затруднило выяснение подлинной ценности достижение синтеза реальности и идеала Аннибале.

В болонский период (1582-1594) были созданы алтарные образы, картины мифологического содержания, пейзажи, портреты, несколько изображений сцен реальной действительности. Красота идиллического мира с мифологическими персонажами, погруженными в окутанную нежной световоздушной дымкой среду, передана в полотнах 1590-х годов «Адонис находит Венеру» (1595, Вена, Музей истории искусства) и «Вакханка с амуром и два сатира» (Флоренция, Галерея Уффици). Образы божеств, соотнесенные с античной пластикой и ренессансной живописью как некой культурной традицией прошлого, воплощают стихийную чувственную полноту жизни. Этому способствует и цветовая энергия полотен, яркие холодноватые светящиеся краски болонской палитры Аннибале.

Иной, не облагороженный и гедонистический, а грубоватый мир реальности изображен Аннибале в картине «Лавка мясника» (начало 1580-х, Оксфорд, Крайст-Черч). Написанные интенсивным красным цветом мясные туши, простонародный типаж работающих в мясной лавке не вызывает, однако, чувства пугающего брутального натурализма. Написание подобных «сцен рынков» было распространено среди мастеров Северной Италии.

Гротескная сторона дарования Аннибале раскрылась в его портретах-типах «Едок бобов» (начало 1580-х, Рим, Галерея Колонна), «Молодой человек с обезьянкой» (Конец 1580-х, Флоренция, Галерея Уффици). Аннибале отмечает все, что не соответствует идеалу, оттеняя грубоватость, ущербность, характерность натуры, передавая ее правдиво, без соотнесения с художественными идеалами. Богатство неожиданных связей с конкретными жизненными ситуациями проявилось в автопортретах Аннибале: "Автопортрет с племянником Антонио" (Милан, Пинакотека Брера), "Автопортрет на палитре" (1590-е, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж; повторение - 1595 ?, Флоренция, Галерея Уффици), раскрывающих его острый интерес к натуре.

Идеал и натура предстают в примиренной высокой гармонии в работах «Пейзаж с бегством в Египет» (ок. 1603, Рим, Галерея Дориа-Памфили) и «Отдых Святого Семейства на пути в Египет» (ок. 1600, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж). В воспроизводящие огромную вселенскую картину мира панорамы с идеальной природой - холмами, ущельями, замками, виднеющимися вдали рекой и морем - включены отдельные, камерно звучащие фигурки святых, пастуха, лодочника, стадо животных. Этот идеальный космический мир и мир конкретный объединены пластически и эмоционально, рождая чувство тихого идиллического течения жизни. Аннибале Карраччи стал создателем классицистического, так называемого героического, образа природы.

И в то же время чувство академической холодности в восприятии классического наследия ощутимо в полотнах («Камо грядеши?», ок. 1600, Лондон, Национальная галерея) и «Геракл на распутье» (Неаполь, Галерея Каподимонте) с большими, напоминающими скульптуры фигурами библейских и мифологических персонажей.

Росписи галереи кардинала Фарнезе явились самой значительной работой римского периода (1595-1609). Программа росписей коробового свода, торцовых стен и люнетов была составлена кардиналом Агукки и навеяна Метаморфозами Овидия. Перед зрителями открывается пространство, в котором смещены границы между иллюзией и реальностью. Переходы от картин в раме к иллюзорной архитектурной декорации стены происходят непрерывно, изменяя соотношение «реального» и «иллюзорного», меняя ролями реальность и декорацию. Динамическое движение пронизывает декоративный ритм росписей. И последовательно проведенный Аннибале принцип стихийного, словно неуправляемого перетекания этого движения, предвосхищает принципы монументальной живописи барокко. Гедонистической чувственностью дышит мир красоты и любви, воссозданный фантазией художника, - из изображенных прорывов в открытое небо в углах зала он словно овевается воздухом и освещается солнцем, придающими светящуюся матовость ярким насыщенным цветам. «Идеальное» и «реальное» в их неразрывном синтезе вновь обретают вдохновенное звучание в этой росписи.

Трагические темы погребения и оплакивания Христа, Всемирного потопа, казни святых волнуют художника в позднем творчестве. Для семейства кардинала была написана «Пьета Фарнезе» (1599-1600, Неаполь, Галерея Каподимонте). Обращение к традиционной иконографической схеме не помешало Аннибале наполнить сцену глубоко правдивыми чувствами; придав сцене патетику, искренне передать горе Марии, поддерживающей тело Христа.

Среди первого поколения выпускников академии особой популярностью пользовались Гвидо Рени (1575-1642), Доменикино (настоящее имя Доменико Цампьери, 1581 - 1641) и Гверчино (настоящее имя Франческо Барбьери, 1591 - 1666). Работы этих живописцев отличает высокий уровень техники, но в то же время эмоциональная холодность, поверхностное прочтение сюжетов. И тем не менее у каждого из них есть интересные черты.

Так, в картине Доменикино «Последнее причащение Святого Иеронима» (1614 г.) очень выразительный пейзаж притягивает зрителя гораздо больше, чем основное действие, напыщенное и перегруженное деталями.

«Аврора» (1621 - 1623 гг.), плафон Гверчино в римской вилле Людовизи, поражает зрителя захватывающей энергией, с которой движутся богиня утренней зари на колеснице и другие персонажи. Интересны рисунки Гверчино, выполненные, как правило, пером с лёгкой размывкой кистью. В этих композициях виртуозность техники стала уже не ремеслом, а высоким искусством.

Особое место среди академистов занимает Сальватор Роза (1615- 1673). Его пейзажи не имеют ничего общего с прекрасной античностью. Обычно это изображения глухих лесных чащ, одиноких скал, пустынных равнин с заброшенными руинами. Здесь непременно присутствуют люди: солдаты, бродяги, особенно часто разбойники (в Италии XVII в. банды разбойников порой держали в страхе города и целые провинции). Разбойник в произведениях Розы символизирует присутствие в природе некоей мрачной, стихийной силы. Влияние академических традиций сказывается в ясной, упорядоченной композиции, в стремлении «облагородить» и «подправить» натуру.

При всей своей противоречивости болонские академисты сыграли в развитии живописи очень важную роль. Принципы обучения художника, разработанные братьями Карраччи, легли в основу академической системы образования, существующей до сих пор.

Человек веками восхищался совершенством и гармонией окружающего его мира. Стремился увидеть и запечатлеть на полотне всю красоту и неповторимость жизненных мгновений. Многие художники, пробуя передать на холсте гармоничные цветовые сочетания видимого мира, приходили к выводам о существовании неких живописных принципов и законов в изображении цветом на плоскости полотна формы, пространства, материала освещения, колористической гармонии наблюдаемых на натуре.

Исследуя живописный опыт великих мастеров прошлого и настоящего, русский художник и педагог Николай Петрович Крымов наиболее просто и доступно изложил в своей теории основные законы и принципы реалистической живописи. К примеру: «Трава в серый день такая же зеленая, как трава в тенистом месте в солнечный день. Тень на крыше от трубы в солнечный день это та же крыша, только не освещенная солнцем,- такая, как она бывает в пасмурный день. И этот закон, конечно, знали все большие мастера».

Реалистической живописью Крымов называет искусство «передавать на полотне подлинную жизнь». О своеобразии художественного языка в живописи Крымов говорит, что: «Настоящая оригинальность есть результат искреннего стремления сказать правду».

«В искусстве живописи нужно передавать в правдивых отношениях по свету и цвету природу или выразительность природы. Для этого нужно изучать натуру, приглядываться к выразительности всего, что нас окружает. ..Врубель – реалист. Он брал все цвета и тона для своих фантастических сюжетов из жизни, верно наблюдая природу. Но тона с неодушевленных предметов (пня, камня) он переносил на предметы одушевленные – Демона, Пана. Так можно работать только тогда, когда хорошо овладеешь живописным мастерством».

Основными живописными принципами в реалистическом искусстве являются законы цвета и тона. На их неразрывном взаимодействии и строит всю свою живописную теорию Крымов. «В реалистической живописи есть два основных понятия: цвет и тон. Не надо их путать В понятие цвета входит понятие теплого и холодного. В понятие тона – понятие светлого и темного. … В пространственной материальной станковой живописи цвет и тон неразрывны. Изолированного цвета нет. Цвет, неверно взятый в тоне, уже не цвет, а просто краска, и ею нельзя передать материального объема в пространстве. Цвет появляется в сочетаниях, в живописных отношениях. Цвет это душа живописи, ее красота и выразительность… Тоном передается объем и пространство. В живописи, как в музыке: все должно быть слажено и гармонично, как в хорошем оркестре.

Главенствующим и основополагающим законом в живописи является теория тона. Крымов, изучив многовековой опыт лучших мастеров реалистического изображения действительности, делает вывод, что «в реалистической живописи тон играет главную, определяющую роль. Все великие реалисты прошлого писали тоном. Из лучших русских художников я назову Репина, Левитана, Серова, Врубеля, Коровина, Архипова.» Здесь можно давить еще великое множества имен – титаны Возрождения, Рубенс, Рембрандт, Веласкез, барбизонцы и лучшие представители импрессионистического направления Моне, Дега, Сислей, Ренуар.

«Верно взятый тон освобождает художника от выработки деталей, дает глубину картине, размещает предметы в пространстве. Живописным можно назвать только такое произведение, в котором уловлен, найден общий тон и верные отношения между тонами отдельных предметов и частей картины.

Мы говорим о разнице в тоне, когда оттенки одной и той же краски отличаются друг от друга своей интенсивностью или своей светосилой, если краски разные, но светосила их одинаковая, то значит и тона их одинаковые. Если картина написана разными красками,

Но в одной светосиле. То можно сказать, что картина написана одним тоном… Ошибка в тоне дает неверный цвет. Без верно взятого тона невозможно правдиво передать общее состояние природы, пространство, материал. Некоторые же изменения цвета не могут повлиять на эти три основные элемента реалистической картины… Цвет увидеть легче. Только глаз одаренного в живописи человека умеет тонко видеть разницу тонов, значит, такой человек имеет больше данных стать художником. Так, музыкант, одаренный тонким слухом, слышит разницу меньше полутона.

Законы неповторимости колорита, цветовой гармонии в живописном произведении, базируются на общей тональности картины. «В картине, так же, как и в музыке всегда присутствует определенная тональность. Это закон». «Один художник пишет голубее все, что видит, другой – рыжее, третий – серее, но при верности общего тона – все они живописцы».

«Общим тоном называется та степень темноты, та светосила цветов, которой подчинена вся картина в целом. Общий тон серого дня – один, а общий тон солнечного дня – другой. В комнате общий тон опять-таки другой, и он тоже меняется в зависимости от освещения на улице. Отсюда и получается многообразие тонов, многообразие гаммы в картинах больших художников. Возьмите картину Репина «Крестный Ход». Какое в ней солнце, как она сильна и звучна. Возьмите небольшую картину «Арест пропагандиста». Какая она темная. Там разорванные листы бумаги. Которые белеют на полу, написаны не белилами, а «чернилами», а получилось белое.

Как же написать картину, чтобы она получилась живописной? Надо писать, беря отношения, одного предмета к другому.

Как то мне дали одного голландца реставрировать. Небо было голубое-голубое. Когда-то принято было говорить, что Рафаэль писал какими-то особыми красками, более яркими, что вообще итальянцы писали голубое небо такими замечательными голубыми красками, каких теперь и не делают. И ват я пробую заделать дырку голубой краской – совсем не то, не получается. Получается очень светло и голубо. Тогда я начал темнить и дошел до умбры, смешанной с зеленой краской. Все остальное у голландца было красноватое, рыжеватое, и облака красноватые, и вот на этом фоне умбристое небо казалось страшно голубым. Так что никаких особых красок у старых мастеров не было.»

В передаче материальности видимого мира, реалистическая живопись опять же базируется на цвето–тональных отношениях. В отличии от натуралистической живописи.

«Живопись есть передача тоном (плюс цвет) видимого материала.

Настоящий живописец вовсе не старается сделать в картине железо, но благодаря гармонии тонов, и найденности общего тона, благодаря тому, что каждый тон попадает точно на свое место, в результате получается правильное изображение материала.

Художник берет тон, мажет лицо, платье, а получается, что платье шелковое, а лицо телесное. Потому, что он верно попал в общий тон, и в цвет, и в общую гармонию цветов. Тогда и выходит по словам Делакруа: «Дайте мне грязь, и я напишу солнце»

«Натуралисты не видят тона, не занимаются тональными задачами. Идеал натурализма заключается в следующем: взять натюрморт, вставить в раму и повесить, как картину»

«Все художники замечали, что чем ближе они берут оттенки предметов к природе, тем лучше передается материал, из которого предмет сделан. И наоборот, при несоблюдении этих оттенков, материал, передаваемых предметов исчезает. Снег делается, если вы пишите зиму, известкой, шелк – шерстью, тело – резиновым, сапоги – железными и т.д.

Не отделка мелких деталей, а верный тон решает материал предметов.

Верность общего тона и верность отношений между отдельными предметами в картине позволяет художнику без излишней детализации точно передавать общее состояние природы, правильно расставлять предметы в пространства, убедительно передавать их материал, то есть передавать на полотне подлинную жизнь»

Литература:

Николай Петрович Крымов – художник и педагог. Статьи, воспоминания. М.: Изобраз. Искусство, 1989

Похожая информация.

Занятия по направлению «Академическая живопись» - это комплекс уроков по изучению классических приемов живописи и рисунка. По сути, это уроки рисования для взрослых «с нуля». В программе курса детально изучаются ключевые моменты в рисунке и живописи – светотень, линейная и воздушная перспектива, основные принципы рисования портрета, основы пластической анатомии, основы создания картины (как самостоятельного произведения). Также на занятиях по направлению «Академическая живопись » Вы узнаете, как работать с карандашом, углем, сангиной, пройкти уроки рисования акварелью уроки рисования акварелью, научиться рисовать акриловыми и масляными красками.

рисунки учеников студии

Система уроков выстроена по принципу общеобразовательной системы в классических художественных вузах с поправкой на современные реалии и сжатое время обучения – 6-8 месяцев (минимальный курс в художественном училище – 4 года, в вузе – 5 лет).

рисунки учеников студии

Такой курс подходит для человека, желающего всерьез посвятить себя изобразительному искусству или для подготовки к экзаменам в художественные вузы (КИСИ, КНУТД, НАОМА, ЛНАМ, КДИДПМД им. Бойчука). При этих вузах есть курсы для поступающих, которые обещают Вам гарантированное поступление. Предполагается, что учителя преподают соответствующие дисциплины в данных вузах и могут лучше всего подготовить абитуриента по требованиям своего Вуза. Однако недостатком этих курсов является большое количество абитуриентов с разной степенью подготовки, что сильно затрудняет преподавательскую деятельность. Также на курсах при художественных институтах отсутствует определенная система преподавания, направленная на то, чтобы научить человека «с нуля».

Единственная реальная возможность научится на таких курсах – на примере своего сверстника. Но, фактически, это невозможно, если упущены ключевые моменты в базовых знаниях художественной грамоты. Обычно на подобных курсах преподаватель не затрудняет себя повторным объяснением школьных истин, предполагая, что абитуриент уже имеет среднее художественное образование и на курсах необходимо только «освежить» навыки.

На курсах рисования в Киеве от «Артстатус» работа ведется в небольшой группе 3-4 человека. Это дает возможность индивидуального подхода к каждому ученику. Наши преподаватели, в отличие от учителей большинства художественных курсов, являются практикующими художниками и могут помочь в решении возникших трудностей, объясняя, что называется, «на пальцах».

Подобные программы по « Академической живописи » , изучению приемов и техник в рисунке есть у многих частных студий. Но перед началом занятий рекомендуем ознакомиться с рисунками преподавателей - как правило, они или слишком «творческие» и «современные», или преподаватель рисовал последний раз в художественном институте (это видно по сюжетам картин – работы являются учебными заданиями). Кстати, не забудьте также ознакомиться с дипломом и педагогическим опытом преподавателя.

студенческие работы

Если Вы сделаете выбор в пользу «Артстатус», мы поможем Вам досконально изучить основы живописи и поможем реализовать Ваш талант. Давайте учиться и работать вместе!