Европейская живопись

Испокон веков живопись считалась показателем культурного развития человечества, а талантливые художники ценились настоящими поклонниками прекрасного на вес золота. Данный вид изобразительного искусства наибольшего расцвета достиг в 19 столетии, вобрав в себя основные каноны классицизма и неоклассицизма. Эксперты не сомневаются в том, что европейская живопись в значительной мере повлияла на развитие отечественной живописи, однако и российские художники не отставали от зарубежных коллег, создавая и развивая новые направления в искусстве, находя соратников, учеников и последователей.

Во второй половине XIX века в области живописи произошел переворот, в результате которого художники массово ушли в реализм, который еще носит название натурализм. Мастера, ставшие работать над пейзажами, не могли получить одобрения у представителей академических кругов. Игра света, воздуха, теней, возможность воплощать на холсте тончайшие цветовые переходы – всё это пленило мастеров кисти и красок, и они забывали о критике.

Интересным является тот факт, что живопись 19 века (первой его половины) во многом является плодом Французской революции. Военные события поспособствовали развитию новых направлений в искусстве и в целом вдохнули в него жизнь. Но батальные сцены со временем сменились на романтические, как в XVIII веке. Романтизм, реализм и декаданс были популярными до последней трети XIX столетия, а затем, на стыке трех направлений, возникло новое – импрессионизм (от франц. «импресион» – впечатление). Импрессионизм стал востребованным и сохранял лидерские позиции около 12 лет. За это время работающие в духе нового течения художники сумели организовать 8 выставок, посвященных своим произведениям искусства. По словам французского писателя Стендаля, живопись века девятнадцатого неповторима, потому как умеет изображать человеческое сердце пламенно и точно. Со словами великого мастера нельзя не согласиться – он наиболее точно описал посылы картин художников-баталистов.

Романтизм со своим живым колоритом, идеализацией и поэтичностью сцен, реализм, изображающий в простых композициях повседневную, не приукрашенную действительность, а также мрачный и депрессивный декаданс до сих пор не смогли найти подобного отклика. Но все перечисленные линии искусства вместе с расплывчатым и эмоциональным импрессионизмом – это и есть величайшее европейское наследие. В антикварном магазине «Лавка старины» есть всё, о чем только может мечтать коллекционер редких полотен: размеренные городские и динамичные морские пейзажи, красочные изображения животных и монохромные портретные картины, созданные в технике шелкография. На наших витринах размещена эксклюзивная европейская живопись, купить которую вы можете в два клика.

В первой половине XIX в. живопись первенствовала в искусстве Западной Европы. Представителем неоклассицизма был Жак Луи Давид (1748-1825). Известность ему принесла картина «Клятва Горациев» (1784), выполненная по государственному зака­зу. После революции Давид был избран депутатом Конвента, а затем занимался революционной политикой в области искусства. Кисти Давида принадлежит самая знаменитая картина революционной эпохи - «Смерть Марата» (1793). Жан Поль Марат был одним из руководителей якобинского переворота. Он был убит Шарлоттой Корде. На картине Давид изобразил убитого Марата. Давид был так впечатлен трагической гибелью Марата, что закончил картину за три месяца и она была вывешена сначала в Лувре, где мимо нее прошли тысячи людей, а затем в зале заседаний Конвента.

В эпоху правления Наполеона Давид выполняет заказы двора. Наполеон выбрал Давида как первого живописца, замечательно угадав пропагандистскую составляющую его таланта. Портреты Наполеона кисти Давида прославляли императора как нового на­ционального героя («Переход Бонапарта через перевал Сен-Бер-нар», «Портрет Наполеона»). Совершенством отличается замеча­тельный портрет Мадам Рекамье, свидетельствующий о привержен­ности автора к классицизму.

Учеником Давида был Антуан Гро (1771-1835). На картине «Наполеон на Аркольском мосту» художник запечатлел один из самых героических моментов жизни будущего императора. Молодой генерал Бонапарт лично возглавил атаку, подхватив упавшее знамя, и битва была выиграна. Гро создал целую серию картин об импе­раторе, прославляющих его бесстрашие, благородство и милосердие (например «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе»).

Приверженцем классических идеалов был и Жан Опост Доминик Энгр (1780-1867). Как художник он много работал для частных лиц, но выполнял и государственные заказы. Энгр учился у Давида и всю жизнь оставался поборником классицизма. В своих произведениях Энгр достиг высокого мастерства и художественной убедитель­ности, воплотил глубоко индивидуальное представление о красоте.

Художник Теодор Жерико (1791-1824) был мастером, с именем которого связаны первые блестящие успехи романтизма во Фран­ции. Уже в ранних его полотнах (портретах военных, изображении лошадей) античные идеалы отступили, сложился глубоко индиви­дуальный стиль. Картина Жерико «Плот Медузы» стала символом современной художнику Франции. Люди, спасающиеся от кораб­лекрушения испытывают и надежду, и отчаяние. Картина не просто повествует о последнем усилии людей, терпящих бедствие, но становится символом Франции тех лет, также переходившей от отчаяния к надежде.

Главой французского романтизма в живописи стал Эжен Делак­руа (1798-1863 гг.). Художник создал целый ряд образов: сцена из дантовского ада, герои произведений Байрона, Шекспира и Гете, борьба греков против турецкого владычества, волновавшая тогда всю Европу. В 1830 г. основным политическим событием стала Июльская революция, закончившаяся поражением и восстановле­нием во Франции монархии. Делакруа в 1830 г. пишет картину «Свобода, ведущая народ (28 июля 1830 г.)». Женщина, поднявшая трехцветное знамя Французской республики, олицетворяет свободу. Свобода возглавляет повстанцев, поднимающихся на баррикаду. Эпизод уличных боев становится эпической картиной, а образ Свободы на баррикадах - олицетворением борьбы. Для многих поколений французов картина Делакруа стала памятником мужест­ву народа, символом республики.

В Германии представителем романтизма стал Каспар Давид Фридрих (1774-1840). Его картины природы впервые представили романтическое направление немецкой публике. Основной в его творчестве становится тема трагической затерянности человека в мире. Частым мотивом его пейзажей были горные вершины, необъ­ятность морских далей, причудливые деревья. Постоянный персо­наж его произведений - это романтический образ скитальца, мечтательного созерцателя природы. По-настоящему творчество Каспара Давида Фридриха было оценено лишь в XX в.

В Европе в XIX в. художественная жизнь во многом определяется появлением групп художников, чьи взгляды на искусство были весьма близки. В Германии в конфликт с неоклассицистами всту­пили назарейцы, подражавшие немецким и итальянским живопис­цам XVIII в. и обратившиеся к религиозному искусству и христианскому благочестию. Центральной темой живописи бидер-мейера (особого стиля в искусстве Германии и Австрии) стала повседневная жизнь человека, протекающая в неразрывной связи с его домом и семьей. Интерес бидермейера не к прошлому, а к настоящему, не к великому, а к малому способствовал формирова­нию реалистической тенденции в живописи.

Во второй половине XIX в. ведущим принципом в искусстве становится реализм. Французский художник Камиль Коро (1796- 1875) выбрал жанр пейзажа, не признанного в академических кругах. Коро особенно привлекали переходные состояния природы, давав­шие возможность растворять фигуры и деревья в воздушной дымке.

Группа художников, поселившаяся в деревушке Барбизон, уве­ковечила это название в истории живописи. Живописцы барбизон-ской школы искали простые сюжеты, часто обращались к пейзажу и разработали особую живописную манеру, свободную и лиричную. Они просто писали природу, но делали это, передавая тонкие цветовые переходы, изображая игру света и воздуха. В барбизонской живописи искусствоведы видят один из источников будущего им­прессионизма, ведь барбизонцы пытались передавать живые впе­чатления от природы.

К натурализму можно отнести и живопись Жана Франсуа Милле (1814-1875) и Гюстава Курбе (1819-1877). На творчество Милле оказали влияние барбизонцы (не случайно в конце жизни он так увлекся пейзажами). Главными темами его творчества стали кресть­янская жизнь и природа. На картинах художника перед нами предстают персонажи, ранее считавшиеся малодостойными кисти живописцев: уставшие, утомленные тяжелым трудом крестьяне, нищие и смиренные. Милле совершенно по-новому разрабатывает социальную тему, нашедшую свое продолжение и у Гюстава Курбе. Свое понимание роли искусства Курбе выразил в следующих словах:

«Быть в состоянии выразить нравы, облик эпохи в соответствии с собственной оценкой, быть не только художником, но и человеком, одним словом, творить живое искусство - такова моя задача». Позиция Курбе как борца за новое искусство сделала его участником событий Парижской коммуны.

Натурализм как живописный стиль нашел свое отражение в творчестве живописцев Германии, таких как Адольф фон Менцель (1815-1905) и Вильгельм Лейбль (1844-1900). Художников интере­совали образы повседневности, в их творчестве впервые прозвучала индустриальная тема и тема труда крестьян, их быта.

В первой половине XIX в. в искусстве Англии нашли отражение тенденции как неоклассицизма, так и романтизма.

Уильям Блеик (1757-1827) был не только художником, но и поэтом. Он работал в технике темперы и акварели, писал сюжеты из Библии, из литературных произведений, например, Шекспира, создал иллюстрации к Данте. В истории английского искусства творчество Блейка стоит особняком. Умер художник в нищете, признание пришло к нему лишь в XX в.

Английские художники пейзажисты открыли новую страницу в истории живописи. Джон Констебл (1776-1837) писал маслом этюды, изображая при этом знакомые ему с детства места. В своем стремлении передать свежесть натурных впечатлений он отказался от тщательно выписанных деталей. Работы Констебла пользовались известностью во Франции, оказав влияние на развитие французской хивописи; увлечение им пережил Теодор Жерико.

Пейзажи Уильяма Тернера (1775-1851) были романтически приподнятыми. Художник любил изображать бури на море, ливни и грозы. Он работал как акварелью, так и маслом.

Господствующее положение в живописи Англии сохраняла ака­демическая школа. У публики пользовались популярностью работы членов Королевской академии искусств, выполненные в традици­онной манере. Однако в Англии было создано объединение худож­ников, получившее название «Братства прерафаэлитов». Их привлекала религиозная духовность мастеров Проторенессанса (ху­дожников, работавших до Рафаэля). В своем творчестве прерафаэ­литы выражали романтическую ориентацию на иные эпохи (отсюда их увлечение Средневековьем). Творчество прерафаэлитов поддер­жал Джон Рёскин (1819-1900), писатель и критик искусства, став­ший автором книги «Современные живописцы». Прерафаэлиты обращались к новозаветным сюжетам, много писали с натуры, изменили и традиционную технику живописи: их полотна отлича­лись яркими и свежими тонами.

Среди живописцев второй половины XIX в. выделялся своим ярким талантом Эдуард Мане (1832-1883). Историческая тема была ему знакома, но не увлекала художника, он стал изображать мно­голикую парижскую жизнь. Официальная критика не принимала художника, его новаторская живопись осуждалась, вызывала про­тест. Именно так и произошло с самыми знаменитыми картинами Мане «Завтрак на траве» и «Олимпия». Публике казалось вызовом изображение обнаженного женского тела, а самое главное, манера автора, пытавшегося передать богатство солнечного освещения. Постоянным мотивом творчества Мане становится Париж: город­ская толпа, кафе и театры, улицы столицы. Творчество Мане предваряло новое направление в живописи - импрессионизм, но сам художник не примкнул к этому движению, хотя несколько изменил под воздействием импрессионистов свою творческую манеру. В конце жизни Мане к нему пришло широкое признание, он был награжден орденом Почетного легиона.

Мастерская Эдуарда Мане, ставшая на время центром художе­ственной жизни, объединила целую группу художников, находив­шихся под впечатлением живописных открытий ее хозяина. Жюри Салона отвергало их картины подобно картинам Мане. Они выставлялись частным образом в так называемом «Салоне отверженных» (то есть живописцев, которым было отказано в выставке жюри официального Салона). На выставке, устроенной в помещении фотоателье в 1874 г., была представлена, в частности, картина Клода Моне «Впечатление. Восход солнца». Отталкиваясь от этого назва­ния один из критиков обозвал участников импрессионистами (впе­чатление по-французски «impression»). Так из ироничного прозвища родилось название художественного направления последней трети XIX века. Такие художники как Клод Моне (1840-1926), Камиль Писсаро (1830-1903), Пьер Опост Ренуар (1841-1919), Альфред Смелей (1839-1899), Эдгар Дега (1834-1917) традиционно относят­ся к импрессионистам.

Как и барбизонцы импрессионисты писали природу, кроме того, они стали первыми изображать динамичную городскую жизнь. Барбизонцы писали свои картины в мастерской, импрессионисты же вышли на открытый воздух, «на пленэр». Они заметили, что один и тот же пейзаж меняется при разном освещении в солнечную и пасмурную погоду, при восходе и закате солнца. Они попытались сохранить в картине свежесть непосредственного впечатления. Свои картины они писали быстро, отказывались от смешанных цветов и использовали чистые яркие краски, нанося их отдельными мазками.

Так родилось новое художественное направление. На его воз­никновение оказали влияние не только достижения предшествовав­ших европейских художников, но и изобретение фотографии (отпала необходимость в примитивном подражании жизни), зна­комство с восточным искусством (японская ксилография со своей серийностью, необычной перспективой, гармоничным колоритом стала источником новых художественных приемов).

Импрессионизм был не просто очередным направлением в живописи, он нашел свое развитие в скульптуре, музыке и литера­туре. Импрессионизм стал переворотом в восприятии мира: была обнаружена и открыто продемонстрирована субъективность восп­риятия человека. В конце XIX в. и в XX в. именно направления искусства, представляющие разнообразные, часто неожиданные варианты восприятия художником мира будут составлять подлинно современное искусство. Импрессионисты открывают относитель­ность человеческого восприятия, его субъективность. Чуть позже, на рубеже веков та же «относительность» будет открыта и теорети­ческой физикой. Уникальнейшим образом искусство обнаруживает свою способность предугадывать и выражать веяния времени и изменения сознания общества.

За 12 лет импрессионисты организовали восемь выставок. Сель­ский и городской пейзаж, портрет, бытовые сцены - во всех живописных жанрах они совершили подлинные художественные от­крытия. Произведения импрессионистов составили новаторское художественное направление, художники впитывали лучшие дости­жения друг друга.

Открытия импрессионистов были основой для следующих по­колений художников. Представителями неоимпрессионизма стали Жорж Сера (1859-1891) и Поль Синьяк (1863-1935). Неоимпрес­сионисты изменили живописную манеру, в их искусстве была более выражена интеллектуальность.

В конце XIX столетия четыре французских художника: Поль Сезанн (1839-1906), Винсент Ван Гог (1853-1890), Поль Гоген (1848-1903) и Анри де Тулуз-Лотрек (1864-1901), формально не объединяясь в группу, составили однако новое направление - постимпрессионизм (от лат. «post» - «после»). Постимпрессионисты близки к импрессионистам. Разочаровавшись в современном им обществе художники обратились к изображению природы, но стре­мились уже не запечатлеть мгновенные состояния, как это делали импрессионисты, а познать истинную сущность вещей, скрытую под их внешностью. В натюрмортах и портретах Сезанн искал устойчивые геометрические формы. Полотна Ван Гога своей экп-рессивностью, необычностью цветового решения передают эмоци­ональное состояние художника. Гоген изображал идеализирован­ную его воображением жизнь туземцев Таити, жизнь, не тронутую цивилизацией, передавая экзотическую природу в фантастических цветосочетаниях. В афишах и литографиях Тулуз-Лотрека перед нами предстает жизнь парижской богемы. Творчество постимпрес­сионистов послужило отправной точкой для поисков искусства XX в. Фовизм, кубизм, экспрессионизм берут свое начало в твор­честве импрессионистов.

В живописи и графике символизм и модернизм проявились в творчестве целой группы европейских художников.

Обри Бердсли (1872-1898) прожил всего лишь двадцать пять лет, но его творчество оказало огромное влияние на формирование стиля модерн. Он известен в первую очередь как иллюстратор книг. Его графика стильна и изысканна, обладает уточнение гибкими причудливыми движениями. Главным источником вдохновения для художника была литература. Творчество Бердсли воплощала многие идеи и принципы модерна. В целом для модерна характерны импровизация на темы различных эпох и стилей, причудливое сочетание порока и духовности.

Французский художник Пьер Пюви де Шаванн (1824-1898) был способен превратить простой, непритязательный сюжет в символи­ческую композицию. Он вдохновлялся античными образами, используя их в панно. Его произведения представляли собой стили­зацию под античность, интерпретацию античности человеком конца XIX в.

С символизмом был связан французский живописец Гюстав Моро (1826-1898). Он стремился поразить зрителя и фантастично­стью сюжетов, и яркой красотой красок, и выразительной цветовой гаммой, и сильными эмоциями.

Немецкий живописец Франц Ксавер Винтерхальтер известен, в большей мере, своими портретами прекрасных дам 19 столетия. Родился он в 1805 году в Германии, но после получения профессионального образования перебрался в Париж, где и был назначен придворным художником при королевском дворе. Целая серия портретов великосветского семейства сделала художника невероятно популярным. И особенно популярным он стал у светских дам, поскольку умело сочетал портретное сходство с умением «подать» объект своего творчества. Однако, критики относились к нему очень и очень прохладно, что, однако, не мешало ему становится всё более популярным у дам высшего света не только Франции, но и всего мира. Это про него сказал Александр Дюма Дамы в течении месяцев ждут своей очереди, чтобы попасть в ателье Винтерхальтера… они записываются, они имеют свои порядковые номера и ждут - одна год, другая восемнадцать месяцев, третья - два года. Наиболее титулованные имеют преимущества. Все дамы мечтают иметь в своем будуаре портрет написанный Винтерхальтером… Не избежали такой участи и дамы из России.

Среди наиболее известных его работ - портреты императрицы Евгении (это его любимая модель).

и императрицы Елизаветы Баварской (1865).
Вот тут надо остановиться и сделать паузу...
Как все связано в этом мире! Габсбурги и жизнь Елизаветы, ее отношения со свекровью, судьба сына Рудольфа и фильм "Майерлинг", история Австро-Венгрии и роль Авы Гарднер, и я, маленькая провинциальная женщина, собирающая портреты кисти Франца и напряженно всматривающаяся в монитор компьютера...
Читала в энциклопедии о жизни Сисси, о ее детях, вспоминала фильм и рассматривала портреты и фотографии...
Действительно, живопись - это окно в мир земной и в мир знаний...

Франц Ксавер Винтерхальтер родился 20 апреля 1805 года в маленькой деревне Менценшванд (Mensenschwad) в Шварцвальде, земля Баден. Он был шестым по счёту ребёнком в семье Фиделя Винтерхальтера, фермера и производителя смолы, и его жены Евы Мейер, происходившей из старинного рода Менценшванд. Из восьми братьев и сестёр Франца только четверо выжили.

Его отец, хоть и был крестьянского происхождения, оказал значительное влияние на жизнь художника.

На протяжении всей жизни Винтерхальтер тесно общался со своей семьёй, в особенности со своим братом Германом (1808—1891), который также был художником.

После посещения школы при бенедиктинском монастыре в Блазине в 1818 году тринадцатилетний Винтерхальтер покидает Менценшванд, чтобы изучать рисование и гравюру.
Литографии и рисованию он обучался во Фрайбурге в студии Карла Людвига Шулера (1785—1852). В 1823 году, когда ему было восемнадцать лет, при поддержке промышленника барона von Eichtal он уезжает в Мюнхен.
В 1825 году удостаивается стипендии от великого герцога Баденского и начинает курс обучения в Мюнхенской академии художеств под руководством Петера Корнелиуса, но методы его преподавания молодому художнику не понравились, и Винтерхальтеру удётся найти другого преподавателя, кто бы мог научить его светской портретной живописи, и это был Йозеф Штилер.
В это же время Винтерхальтер зарабатывает на жизнь трудом литографа.

Вступление Винтерхальтера в придворные круги состоялось в 1828 году в Карлсруэ, когда он становится учителем рисования графини Софии Баденской. Благоприятный случай заявить о себе вдали от южной Германии пришёл к художнику в 1832 году, когда у него при поддержке великого герцога Леопольда Баденского появилась возможность совершить путешествие в Италию (1833—1834).

В Риме он пишет картины романтического жанра в стиле Луи-Леопольда Робера и сближается с директором Французской академии Орасом Верне.

По возвращении в Карлсруэ Винтерхальтер пишет портреты великого герцога Леопольда Баденского и его жены и становится придворным герцогским художником.

Тем не менее он покинул Баден и переехал во Францию,

где на выставке 1836 года внимание привлекла его жанровая картина "Il dolce Farniente",

а годом позднее похвалы была удостоена и "Il Decameron". Обе работы представляют собой академические живописные произведения в стилистике Рафаэля.
На Салоне 1838 года им был представлен портрет принца Ваграмского с юной дочерью.
Картины имели успех, карьера художника-портретиста Францу была обеспечена.

В один год он пишет Луизу-Марию Орлеанскую, королеву Бельгийскую с сыном.

Возможно, благодаря этой картине Винтерхальтер стал известен Марии-Амалии Неаполитанской, королеве Франции, матери бельгийской королевы.

Итак, в Париже Винтерхальтер быстро сделался модным. Он был назначен придворным художником Луи-Филиппа, короля Франции, который доверил ему создание индивидуальных портретов своей многочисленной семьи. Винтерхальтеру предстояло выполнить для него более тридцати заказов.

Этот успех принёс художнику репутацию знатока династической и аристократической портретной живописи: мастерски сочетая точность портретного сходства с едва уловимой льстивостью, изображал он государственную помпезность в живой современной манере. Заказы следовали один за другим...

Однако в художественных кругах к Винтерхальтеру относились иначе.
Критики, восхвалявшие его дебют на выставке в Салоне 1936 года, отвернулись от него как от художника, которого нельзя воспринимать серьезно. Это отношение сохранялось на всём протяжении карьеры Винтерхальтера и ставило его работы особняком в иерархии живописи.

Сам Винтерхальтер рассматривал свои первые государственные заказы как временный этап перед возвращением к предметной живописи и восстановлением академического авторитета; он оказался жертвой собственного успеха, и для своего же спокойствия ему приходилось работать почти исключительно в портретном жанре. Это была область, в которой он не только был знатоком и имел успех, но и сумел разбогатеть.
Зато Винтерхальтер получил международную славу и покровительство царственных особ.

Среди множества его царственных натурщиц была и королева Виктория. Впервые Винтерхальтер посетил Англию в 1842 году и несколько раз возвращался туда, чтобы написать портреты Виктории, принца Альберта и их растущей семьи, создав для них в общей сложности около120 работ. Большинство полотен находится в Королевском собрании, открыто для демонстрации в Букингемском дворце и других музеях.

Также Винтерхальтер написал несколько портретов представителей английской аристократии, в большинстве входивших в придворный круг.

Падение Луи-Филиппа в 1848 году не оказало влияния на репутацию художника. Винтерхальтер переехал в Швейцарию и работал по заказам в Бельгии и Англии.
Париж остаётся родным городом для художника: перерыв в поступлении заказов на портреты во Франции позволил ему вернуться к тематической живописи и обратиться к испанским легендам.

Так появилось полотно «Флоринда» (1852, музей «Метрополитен», Нью-Йорк), являющее собою радостный праздник женской красоты.
В этом том же самом году он сделал предложение руки и сердца, но был отвергнут; Винтерхальтер остался холостяком, преданным своей работе.

После вступления на престол Наполеона III популярность художника заметно выросла. С этого времени Винтерхальтер становится главным портретистом императорской фамилии и французского двора.

Прекрасная француженка императрица Евгения стала его любимой моделью и относилась к художнику благосклонно.

В 1855 году Винтерхальтер пишет свой шедевр «Императрица Евгения в окружении фрейлин», где изображает её в сельской обстановке, собирающей цветы вместе со своими фрейлинами. Картина была хорошо принята, выставлена для всеобщего обозрения и по сей день остаётся, пожалуй, наиболее известной работой мастера.

В 1852 году он едет в Испанию, чтобы написать королеву Изабеллу II, работает для португальской королевской фамилии. Приезжавшие в Париж представители русской аристократии также были рады получить свой портрет от известного мастера.
Как королевский художник Винтерхальтер пользовался постоянным спросом при дворах Британии (с 1841 г.), Испании, Бельгии, России, Мексики, Германии и Франции.

Множественность художественных направлений в XIX веке была следствием процесса модернизации. Художественная жизнь общества теперь определялась не только церковным диктатом и модой придворных кругов. Изменение социальной структуры повлекло за собой изменение восприятия искусства в обществе: возникают новые социальные слои состоятельных и образованных людей, способных самостоятельно оценивать произведения искусства, ориентируясь только на требование вкуса. Именно к XIX веку начинает формироваться массовая культура; газеты и журналы из номера в номер печатавшие длинные романы с занимательным сюжетом, стали прообразом телевизионных сериалов в искусстве XX века.

В первой половине XIX столетия в Европе развернулось невиданное по размаху градостроительство. Большинство европейских столиц - Париж, Санкт-Петербург, Берлин - обрели свой характерный облик; в их архитектурных ансамблях усилилась роль общественных зданий. Символом Парижа стала знаменитая Эйфелева башня, построенная в 1889 г. к открытию Всемирной выставки. Эйфелева башня продемонстрировала технические возможности нового материала – металла. Однако оригинальное художественное решение было признано не сразу, башню призывали снести, называли чудовищной.

Неоклассицизм в первой половине XIX в. пережил поздний расцвет, теперь он получает название ампир (от франц. «империя»), этот стиль выражал величие империи созданной Наполеоном. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитектуры прошлого - так возникли неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым.

В художественной жизни первой половины XIX века преобладал романтизм, отразивший разочарование в идеологии Просвещения. Романтизм стал особым мировоззрением и образом жизни. Романтический идеал личности, не понятой обществом, формирует манеру поведения его высших слоев. Для романтизма характерно противопоставление двух миров: реального и воображаемого. Реальная действительность рассматривается как бездуховная, негуманная, недостойная человека и противостоящая ему. «Прозе жизни» реального мира противопоставляется мир «поэтической реальности», мир идеала, мечты и надежды. Видя в современной ему действительности мир пороков, романтизм пытается найти выход для человека. Этот выход – одновременно и уход от общества в разных вариантах: герой уходит в свой собственный внутренний мир, за пределы реального пространства и уход в другое время. Романтизм начинает идеализировать прошлое, в особенности Средневековье, видя в нем инею реальность, культуру, ценности.

Главой французского романтизма в живописи суждено было стать Эжену Делакруа (1798-1863). Неистощимое воображение этого художника создало целый мир образов, до сих пор, живущих на полотне своей напряженной, полной борьбы и страстей жизнью. Делакруа нередко черпал мотивы в произведениях Уильяма Шекспира, Иоганна Вольфганга Гёте, Джорджа Байрона, Вальтера Скотта, обращался к событиям Великой французской революции, другим эпизодам национальной истории («Битва при Пуатье»). Делакруа запечатлел многочисленные образы людей Востока, главным образом алжирцев и марокканцев, которых он видел во время своего путешествия в Африку. В произведении «Резня на острове Хиос» (1824) Делакруа отразил борьбу греков против турецкого владычества, волновавшую тогда всю Европу. Группе страдающих пленных греков на переднем плане картины, среди которых и обезумевшая от горя женщина, и ребенок, ползущий к груди мертвой матери, художник противопоставил надменные и жестокие фигуры карателей; вдали виден горящий разрушенный город. Картина поразила современников и захватывающей силой человеческих страданий, и своим необычайно смелым и звучным колоритом.

События Июльской революции 1830 г., закончившиеся поражением революции и восстановлением монархии, вдохновили Делакруа на создание широко известной картины «Свобода на баррикадах» (1830). Женщина, поднявшая трехцветное знамя Французской республики, олицетворяет свободу. Образ свободы на баррикадах 0 олицетворение борьбы.

Представителем романтизма с мировым именем был испанский художник Франциско Гойя (1746–1828) Гойя сложился в крупного художника сравнительно поздно. Первый значительный успех ему принесли две серии (1776-1791) многочисленных гобеленов, созданных для Королевской мануфактуры Санта Барбара в Мадриде («Зонтик», «Слепой гитарист», «Продавец посуды», «Игра в жмурки», «Свадьба»). В 90-х гг. XVIII века в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании «старого порядка». Уродство ее моральных, духовных и политических основ Гойя раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов «Капричос» (80 листов с комментариями художника); смелая новизна художественного языка, острая выразительность линий и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, социальной сатиры и трезвого анализа реальности открывали новые пути развития европейской гравюры. В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в котором звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес), мужественное противостояние и вызов окружающему (портрет Ф.Гиймарде), аромат тайны и скрытой чувственности («Маха одетая» и «Маха обнаженная»). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете «Семья Карла IV». Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции («Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде», «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов «Бедствия войны» (82 листа, 1810–1820).

Франциско Гойя “Капричос”

Если в литературе субъективность восприятия художника открывает символизм, то в живописи подобное открытие совершается импрессионизмом. Импрессионизм (от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Художественная концепция импрессионизма строилась на стремлении естественно и непринужденно запечатлеть окружающий мир в его изменчивости, передавая свои мимолетные впечатления. Благодатную почву для развития импрессионизма подготовили художники Барбизонской школы: они первыми стали писать этюды с натуры. Принцип «писать то, что видишь среди света и воздуха» лег в основу пленэрной живописи импрессионистов.

В 1860-х гг., года молодые художники-жанристы Э.Мане, О.Ренуар, Э.Дега попытались вдохнуть во французскую живопись свежесть и непосредственность наблюдения жизни, изображение мгновенных ситуаций, зыбкость и неуравновешенность форм и композиций, необычные ракурсы и точки зрения. Работа на открытом воздухе помогала создавать на полотнах ощущение сверкающего снега, богатства природных красок, растворения объектов в среде, вибрации света и воздуха. Особое внимание художниками- импрессионистами уделялось взаимоотношениям предмета с окружением, исследованиям изменения цвета и тона объекта в изменяющейся среде. В отличие от романтиков и реалистов, они уже не были склонны изображать историческое прошлое. Сферой их интересов была современность. Жизнь маленьких парижских кафе, шумные улицы, живописные берега Сены, железнодорожные вокзалы, мосты, неприметная красота сельских пейзажей. Художники больше не желают затрагивать острые социальные проблемы.

Творчество Эдуарда Мане (1832-1883) предваряло новое направление в живописи – импрессионизм, но сам художник не примкнул к этому движению, хотя несколько изменил под воздействием импрессионистов свою творческую манеру. Мане декларировал свою программу: «Жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой, открывая подлинную красоту и поэзию в повседневном течении жизни». При этом в большинстве работ Мане отсутствовало действие, даже минимальная сюжетная завязка. Постоянным мотивом творчества Мане становится Париж: городская толпа, кафе и театры, улицы столицы.

Эдуард Мане “Бар в Фоли-Бержер”

Эдурд Мане “Музыка в Тюильри”

Само название импрессионизма обязано своим происхождением пейзажу Клода Моне (1840-1926) «Впечатление. Восход солнца».

В творчестве Моне ведущее значение приобрела стихия света. К 70-м гг. XIX в. Относится изумительный «Бульвар Капуцинок», где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу. Он писал множество картин с одним и тем же, но по-разному освещённым предметом наблюдения. Например, стог сена утром, в полдень, вечером, при луне, в дождь и так далее.

Многие достижения импрессионизма связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1841-1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он действительно создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов. В течение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников под открытым небом. Все эти картины, написанные на пленэре, отличает звучность цвета. Картина «Мулен де ла Галетт» (народный бал в саду монмартского танцевального зала) – шедевр ренуаровского импрессионизма. В ней угадывается живой ритм танца, мелькание юных лиц. В композиции нет резких движений, и ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен. Интересна пространственная организация картины: первый план дан сверху, сидящие фигуры не заслоняют танцующих. На многочисленных портретах преобладают дети и молодые девушки, в этих портретах раскрылось его мастерство: «Мальчик с кошкой», «Девушка с веером».

Активный участник всех выставок Эдгар Дега (1834 – 1917), был далек от всех принципов импрессионистов: был противником пленэра, не писал картины с натуры, не стремился уловить характер различных состояний природы. Значительное место в творчестве Дега занимает серия картин с изображением обнаженного женского тела. Множество его картин последних лет посвящено «женщине за туалетом». Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту («Гладильщицы», «Прачки с бельем»). В утверждении эстетической значимости жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега. Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического: передавая во многих балетных сценах праздничный дух театра («Звезда балета», «Балетная школа», «Урок танцев»).

Постимпрессионизм охватывает период с 1886 г., когда состоялась последняя выставка импрессионистов, на которой были впервые представлены работы неоимпрессионистов, до 1910-х гг., возвестивших о рождении совершенно нового искусства в формах кубизма и фовизма. Термин «постимпрессионизм» ввел в обиход английских критик Роджер Фрай, выражая общее впечатление об устроенной им в Лондоне в 1910 г. выставке современного французского искусства, на которой были представлены работы Ван Гога, Тулуз-Лотрека, Сёра, Сезанна и других художников.

Постимпрессионисты, многие из которых ранее примыкали к импрессионизму, начали искать методы выражения не только сиюминутного и преходящего - каждого мгновения, они стали осмысливать длительные состояния окружающего мира. Для постимпрессионизма характерны разные творческие системы и техники, повлиявшие на последующее развитие изобразительного искусства. Работы Ван Гога предвосхитили появление экспрессионизма, Гоген проложил путь к модерну.

Винсент Ван Гог (1853-1890) создавал максимально яркие художественные образы путем синтеза (соединения) рисунка и цвета. Техника Ван Гога – это точки, запятые, вертикальные черточки, сплошные пятна. Его дороги, грядки и борозды действительно убегают вдаль, а кусты горят на земле, как костры. Он изображал не один схваченный миг, а непрерывность мигов. Он изображал не данный эффект согнутого ветром дерева, а самый рост дерева из земли.. Все случайное Ван Гог умел претворить в космическое. Душа Ван Гога требовала ярких красок, он постоянно жаловался брату на недостаточную силу даже его любимого ярко-желтого цвета.

«Звёздная ночь» была не первой попыткой Ван Гога изобразить ночное небо. В 1888 году в Арле он написал «Звёздную ночь над Роной». Ван Гог хотел изобразить звёздную ночь как пример силы воображения, которое может создать более удивительную природу, чем та, которую мы можем воспринять при взгляде на реальный мир.

Обостренное восприятие действительности и душевная неуравновешенность приводят Ван Гога к психическому заболеванию. Гоген приезжает погостить в Арль, но творческие разногласия вызывают ссору. Ван Гог кидает стакан в голову художника, затем, после заявления Гогена о намерении уехать, бросается на него с бритвой. В припадке сумасшествия вечером этого же дня художник отрезает себе ухо («Автопортрет с перевязанным ухом»).

Творчество Поля Гогена (1848-1903) неотделимо от его трагической судьбы. Самым важным в стилистической концепции Гогена было его понимание цвета. На о. Таити, куда художник уехал в 1891 г., под влиянием примитивных форм полинезийского искусства он писал картины, отличающиеся декоративностью, плоскими формами и исключительно чистыми цветами. «Экзотическая» живопись Гогена – «А ты ревнуешь?», «Ее зовут Вайраумати», «Женщина, держащая плод» – отражает не столько природные качества предметов, сколько эмоциональное состояние художника и символический смысл задуманных им образов. Особенность живописной манеры Гогена состоит в ярко выраженной декоративности, стремлении закрашивать одним цветом большие плоскости холста, в любви к орнаментике, которая присутствовала и на тканях одежда, и на коврах, и в пейзажном фоне.

Поль Гоген “Когда же замуж” “Женщина держащая плод”

Важнейшим достижением культуры XIX в. является появление искусства фотографии и дизайна. Первый в мире фотоаппарат был сделан в 1839 году Луи Жак Манде Дагером.

Ранние попытки Дагера сделать работоспособную камеру были неудачными. В 1827 году он встретился с Жозефом Ньепсом, который тоже пытался (и к тому времени добился немного большего успеха) изобрести фотокамеру. Через два года они стали партнерами. В 1833 году Ньепс умер, но Дагер упорно продолжал трудиться. К 1837 году он наконец смог разработать практическую систему фотографии, названную дагеротипией. Изображение (дагеротип) получали на серебряной пластинке, обработанной парами йода. После экспонирования в течение 3-4 часов пластинку проявляли в парах ртути и фиксировали горячим раствором поваренной соли или гипосульфита. Дагеротипы отличались очень высоким качеством изображения, но можно было получить только один снимок.

В 1839 году Дагер опубликовал свое изобретение, но не оформил патент. В ответ французское правительство назначило ему и сыну Ньепса пожизненные пенсии. Объявление об изобретении Дагера вызвало большую сенсацию. Дагер стал героем дня, на него обрушилась слава, а метод дагеротипии быстро нашел широкое применение.

Развитие фотографии привело к пересмотру художественных принципов графики, живописи, скульптуры, соединило художественность и документальность, что не достижимо в других видах искусства. Основу дизайну положила Международная промышленная выставка в Лондоне в 1850 г. Ее оформление знаменовало сближение искусства и техники и положило начало новому виду творчества.

Луи Дагер, Нисефор Ньепс и камера-обскура Ньепса

Джозеф Нисефор Ньепс. Первая в мире фотография, сделанная на сплаве олова со свинцом, 1826 год.

Снимок Дагера «Студия художника», 1837 г

В 1870-ых годах два изобретателя Илайша Грей и Александр Грехем Белл независимо друг от друга разработали устройства, которые могли передавать речь посредством электричества, которые в последствии назвали телефоном. Они оба направили соответствующие патенты в патентные бюро, разница в подаче заявок была всего лишь в несколько часов. Однако, Александр Грехем Белл) получил патент первым.

Телефон и телеграф являются электрическими системами, основой которых являются провода. Успех Александра Белла, точнее его изобретения, был вполне закономерным, так как, изобретая телефон, он пытался усовершенствовать телеграф. Когда Белл начал экспериментировать с электрическими сигналами, телеграфом уже пользовались как средством коммуникации в течение приблизительно 30 лет. Несмотря на то, что телеграф был достаточно успешной системой передачи информации, основанной на азбуке Морзе с её отображением букв с помощью точек и тире, тем не менее, большой минус телеграфа заключался в том, что информация была ограничена получением и отправкой одного сообщения одновременно.

Александр Белл говорит в первую модель телефона

Первый телефон, созданный Александром Грехемом Беллом представлял собой устройство, через которое звуки речи человека передавались при помощи электричества (1875 год). 2 июня 1875 года, Александр Грехем Белл, экспериментируя со своей техникой, которую он назвал “гармонический телеграф” обнаружил, что он может услышать звук по проводу. Это был звук часов.

Самый большой успех Белла был, достигнут 10 марта 1876 года. Разговаривая с помощью трубки со своим помощником, Томасом Уотсоном, который находился в соседней комнате, Белл произнес слова, которые сегодня известны всем “Mr. Watson — come here — I want to see you” (Мистер Уотсон – идите сюда – я хочу видеть Вас). В это время не только родился телефон, но и умер многократный телеграф. Потенциал коммуникаций, заключенный в демонстрации того, что можно было поговорить благодаря электричеству, сильно отличался оттого, что мог предложить телеграф с его системой передачи информации при помощи точек и тире.

Понятие кинематограф появилось впервые в его французском варианте — «синематограф», обозначавшем систему создания и показа фильма, разработанную братьями Луи Жаном и Огюстом Люмьер. Первый фильм был снят при помощи кинокамеры французом Луи Эме Огюстеном Ле Принеси (1842–1890гг) в ноябре 1888 года в Великобритании и состоял из двух фрагментов: в первом — 10-12 картинок в секунду, во втором — 20 картинок в секунду. Но официально считается, что кинематограф берёт своё начало 28 декабря 1895 года. В этот день в индийском салоне «Гран-кафе» на бульваре Капуцинов (Париж, Франция) состоялся публичный показ «Синематографа братьев Люмьер». В 1896 году братья совершили мировое турне со своим изобретением, посетив Лондон, Нью-Йорк, Бомбей.

Луи Жан Люмьер окончил промышленную школу, был фотографом и работал на фабрике фотоматериалов, принадлежавшей отцу. В 1895 Люмьер изобрёл киноаппарат для съёмки и проекции “движущихся фотографий”. В его работе по изобретению кинематографа принимал активное участие его брат Огюст Люмьер. Аппарат был запатентован и получил название кинематограф. Первые кинопрограммы Люмьера демонстрировали сценки, снятые на натуре: “Выход рабочих с фабрики Люмьера”, “Прибытие поезда”, “Завтрак ребёнка”, “Политый поливальщик” и другие. Интересно, то что слово lumiere по-французски означает “свет”. Может быть это случайность, а может судьба создателей кинематографа была решена заранее.

На искусство первой половины XIX в. оказали влияние Великая Французская революция (1789–1799 гг.), война с Наполеоном, война с Испанией. В этот период большой прогресс в науке. Основные стили: ампир, романтизм, французский реализм.

В архитектуре первой половины XIX столетия неоклассицизм пережил последний расцвет. К середине столетия основной проблемой европейского зодчества стали поиски стиля. Вследствие романтического увлечения стариной многие мастера попытались возродить традиции архитетуры прошлого - так возники неоготика, неоренессанс, необарокко. Усилия зодчих нередко приводили к эклектизму - механическому соединению элементов разных стилей, старого с новым. В архитектуре преобладает строительство фабрик, контор, жилых домов, универмагов, выставочных залов, библиотек, вокзалов, крытых рынков, банков и т. д. Банки украшаются древнегреческими портиками, универмаги - готическими стрельчатыми окнами и башнями. Фабрикам придаются облики замков.

19.1.1 Искусство Франции

Архитектура. В годы Великой Французской революции во Франции не построили ни одного долговечного сооружения. Это была эпоха временных построек, как правило, деревянных. В начале революции была разрушена Бастилия, снесены памятники королям. В 1793 г. закрыли королевские академии, в том числе академию архитектуры. Вместо них появились Национальное жюри искусств и Республиканский клуб искусств, главными задачами которых быи организация массовых праздников и оформление парижский улиц и площадей.

На площади Бастилии воздвигли павильон с надписью: «Здесь танцуют». Площадь Людовика XV была названа площадью Революции и дополнена триумфальными арками, статуями Свободы, фонтанами с эмблемами. Марсово поле стало местом народных собраний с алтарем Отечества в центре. Дом Инвалидов и его Собор превратились в храм человечности. Улицы Парижа были украшены новыми монументами.

Также в годы Французской революции была образована Комиссия художников, которая занималась благоустройством города, планировала изменения в его облике. Он сыграла существенную роль в истории архитектуры.

В искусстве наполеоновской Франции господствовал стиль ампир. Главным мероприятием Наполеона в области архитектуры стала реконструкция Парижа: предполагалось связать средневековые кварталы системой проспектов, пересекающих город по оси «восток-запад». Были построены: проспект Еисейские поля, улица Риволи, триумфальная колонна на Вандомской площади (1806–1810 гг., архитекторы Жан Батист Лепер, Жак Гондуэн), въездные ворота дворца Тюильри (1806–1807 гг., архитекторы Ш. Персье, П. Ф. Л. Фонтен), триумфальная арка Великой армии (1806–1837 гг., архитекторы Жан Франсуа Шальен и др.).

Живопись. В первой половины XIX в. французская школа живописи упрочила своё первенство в искусстве Западной Европы. Франция опередила другие европейские страны и в демократизации художественной жизни. С 1791 г. право участия в выставках луврского Салона получили любые авторы независимо от их членства в академиях. С 1793 г. открылись для широкой публики залы Лувра. Государственное академическое образование вытеснялось подготовкой в частных мастерских. Власти прибегали к более гибким методам художественной политики: распределение крупных заказов на украшение общественных зданий приобрело особенный размах.

Представители живописи французского романтизма- Давид, Энгр, Жерико, Делакруа, Гро.

Жак Луи Давид (1748–1825) - самый последовательный представитель неоклассицизма в живописи. Учился в Королевской академии живописи и скульптуры, в 1775–1779 гг. посетил Италию. В 1781 г. Давид был принят в число членов Королевской академии и получил право участвовать в её выставках - луврских Салонах. В 1792 г. Давид был избран депутатом в Конвент, высший законодательный и исполнительный орган Первой республики.

Ещё в 1776 г. была разработана правительственная программа, которая поощряла создание больших картин. Давид получил заказ на картину о подвиге трёх братьях из знатного рода Горациев - «Клятва Горациев» (1784 г.) . Действие картины разворачивается во внутреннем дворике древнеримского дома: сверху на героев картины льётся поток света, вокруг них оливково-серые сумерки. В основе всей композиции число три: три арки (в каждую из арок вписана одна или несколько фигур), три группы персонажей, три сына, тир меча, три женщины. Плавные очертания женской группы противопоставлены чеканным линиям фигур воинов.

В 1795–1799 гг. Давид вместе с учениками работал над картиной «Сабинянки, останавливающие битву между римлянами и сабинянами» . Художник вновь избрал сюжет, созвучный современности: сказание о женщинах, прекративших войну между римлянами (их мужьями) и сабинянами (их отцами и братьями), звучало в тогдашней Франции как призыв к гражданскому миру. Однако огромная, перегруженная фигурами картина вызвала у зрителей лишь насмешки.

В 1812 г. уехал в Брюссель, где жил до самой смерти. Писал портреты и произведения на античные сюжеты - «Смерть Марата» (1793 г.), «Портрет мадам Рекамье» (1800 г.) . Картина «Смерть Марата» была закончена художником меньше чем за три месяца и повешена в зале заседаний Конвента. Марат был заколот в своей квартире дворянкой по имени Шарлотта Корде. В момент гибели Марат сидел в ванне: из-за кожной болезни он был вынужден так работать и принимать посетителей. Не являются вымыслом художника и залатанные простыни, и простой деревянный ящик, заменявший стол. Однако сам Марат, тело которого было обезображено болезнью, под кистью Давида превратился в благородного атлета, подобного античному герою. Простота обстановки придаёт зрелищу особую трагическую торжественность.

В грандиозной картине «Коронование Наполеона I и императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 г.» (1807 г.) Давид создал очередной миф - блеск алтаря и великолепие одежд придворных действуют на зрителя не хуже, чем убогая мебель и старые простыни Марата.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) был приверженцем классических идеалов, художником самобытным, чуждым всякой фальши, скуки и рутины. В 1802 г. был награждён Римской премией и получил право поехать в Италию. В 1834 г. стал директором французской академии в Риме. Достиг наивысшего мастерства в жанре портрета - «Портрет Ривьера» .

Энгр пытался передать в живописи декоративные возможности различных видов старого искусства, например выразительность силуэтов древнегреческой вазописи, - «Эдип и Сфинкс» (1808 г.) и «Юпитер и Фетида» (1811 г.) .

В монументальном полотне «Обет Людовика XIII, просящего покровительства Богоматери для Французского королевства» (1824 г.) , он подражал живописному стилю Рафаэля. Картина принесла Энгру первый крупный успех. В картине «Одалиска и рабыня» (1839 г.) выбрал композицию, близкую к «Алжирским женщинам в своих покоях» Делакруа, и решил её по-своему. Пёстрый, многокрасочный колорит полотна возник вследствие увлечения художника восточной миниатюрой. В 1856 г. Энгр закончил картину «Источник» , задуманную им ещё в 20-е гг. в Италии. В грациозном цветущем девичьем теле воплощены чистота и щедрость мира природы.

Теодор Жерико (1791–1824) - основатель революционного романтизма во французской живописи. Первая работа, выставленная в Салоне, - «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку» («Портрет лейтенанта Р. Дьедонне», 1812 г.) . Лихой всадник на полотне не позирует, а сражается: стремительная диагональ композиции уносит его вглубь картины, в сизо-багровое пекло боя. В это время стало известно о разгроме армии Наполеона Бонапарта в России. Чувства французов, познавших горечь поражения, отразила новая картина молодого художника - «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814 г.) .

В 1816–1817 гг. Жерико жил в Италии. Художника особенно увлекли скачки неосёдланных лошадей в Риме. В живописной серии «Бег свободных лошадей» (1817 г.) доступна и выразительная точность репортажа, и сдержанная героика в неоклассическом духе. В этих произведениях окончательно сформировался его индивидуальный стиль: мощные, грубоватые формы переданы большими подвижными пятнами света.

Вернувшись в Париж, художник создал картину «Плот „Медузы"» (1818– 1819 гг.) . В июле 1816 г. близ островов Зелёного Мыса корабль «Медуза» под командованием неопытного капитана, получившего должность по протекции, сел на мель. Тогда капитан и его приближённые уплыли в шлюпках, бросив на произвол судьбы плот со ста пятьюдесятью матросами и пассажирами, из которых выжило только пятнадцать человек. В картине Жерико добивался максимального правдоподобия. Два года он разыскивал людей, переживших трагедию в океане, делал зарисовки в больницах и моргах, писал этюды моря в Гавре. Плот на его картине приподнят волной, зритель сразу видит всех ютящихся на нём людей. На первом плане - фигуры умерших и обезумевших; они написаны в натуральную величину. Взгляды тех, кто ещё не отчаялся, обращены на дальний край плота, где африканец, стоя на шатком бочонке, машет красным платком команде «Аргуса». То отчаяние, то надежда наполняют души пассажиров плота «Медузы».

В 1820–1821 гг. Жерико побывал в Англии. Под влиянием работ Констебла он написал «Скачки в Эпсоме» (1821 г.) . Картина пронизана движением: кони несутся, едва касаясь земли, их фигуры слились в одну стремительную линию; подвижны низкие облака, подвижны их тени, скользящие по влажному полю. Все контуры в пейзаже размыты, краски смазаны. Жерико показал мир таким, каким его видит жокей на мчащемся галопом коне.

Эжен Деакруа (1798–1863) - французский живописец. Основой живописи Делакруа служат красочные пятна, составляющие гармоничное единство; каждое пятно помимо своего цвета включает оттенки соседних.

Первую свою картину Делакруа написал на сюжет «Божественная комедия» Данте - «Данте и Вергилий» («Ладья Данте») (1822 г.) . Делакруа создал картину «Хиосская резня» (1824 г.) под впечатлением событий освободительной революции в Греции 1821–1829 гг. В сентябре 1821 г. турецкие каратели уничтожили мирное население Хиоса. На первом плане картины фигуры обречённых хиосцев в пёстрых лохмотьях; фоном им служат тёмные силуэты вооружённых турок. Большинство пленников безучастны к своей судьбе, лишь дети тщетно умоляют родителей защитить их. Турецкий всадник, который тащит за собой девушку-гречанку, выглядит своеобразным символом порабощения. Не менее символичны и другие фигуры: обнажённый раненый грек - его кровь уходит в сухую землю, а рядом валяются сломанный кинжал и опустошённая грабителями сумка.

После событий в июле 1830 г. в Париже Делакруа создал картину «Свобода, ведущая народ (28 июля 1830 г.)» . Простому эпизоду уличных боёв художник придал вневременное, эпическое звучание. Повстанцы поднимаются на отбитую у королевских войск баррикаду, а возглавляет их сама Свобода. Критики увидели в ней «помесь торговки с древнегреческой богиней». Здесь чувствуется романтический стиль: Свобода изображена в виде богини победы, она поднимает трёхцветное знамя Французской республики; следом движется вооружённая толпа. Сейчас все они солдаты Свободы.

В 1832 г. Делакруа сопровождал дипломатическую миссию в Алжир и Марокко. По возвращении в Париж художник создал картину «Алжирские женщины в своих покоях» (1833 г.) . Фигуры женщин удивительно пластичны. Мягко очерчены золотисто-смуглые лица, плавно изогнуты руки, пёстрые наряды ярко выделяются на фоне бархатистых теней.

Антуан Гро (1771–1835) - французский живописец, портретист. Гро отказался от классических сюжетов - его привлекала современная история. Создал серию картин, посвященных египетско–сирийской экспедиции наполеоновской армии (1798–1799 гг.) - «Бонапарт, посещающий зачумленных в Яффе» (1804 г.) . Другие картины, посвященные Наполеону - «Наполеон на Аркольском мосту» (1797 г.), «Наполеон на поле битвы при Эйау» (1808 г.) . Гро в 1825 г. закончил роспись купола Пантеона в Париже, заменив изображение Наполеона фигурой Людовика XVIII.