Сочинение
Фет — один из лучших русских поэтов-пейзажистов. Его стихи о природе являются ценнейшей частью литературного наследия. В поэзии Фета картины природы оживают и становятся неотъемлемой частью жизни человека. Они становятся более детальными, в большей степени конкретными, чем у предшественников поэта.
Поэзия Фета, посвященная природе, очень оригинальна. Так, например, поэт очень редко прибегает к образам традиционных птиц, обладающим привычным поэтическим ореолом. В его стихах редко встретишь таких птиц, как соловей, лебедь, орёл, жаворонок. Зато в лирике этого поэта появляются образы чибиса, кулика, черныша, стрижа. Каждая птица показана у Фета во всем своеобразии:
И слышу я, в изложине росистой
Фета без тени сомнения можно назвать великим певцом русской природы. В его пейзажной лирике она предстаёт перед читателем в самых ярких красках:
Я пришёл к тебе с приветом,
Рассказать, что солнце встало,
Что оно горячим светом
По листам затрепетало;
Рассказать, что лес проснулся,
Весь проснулся, веткой каждой,
Каждой птицей встрепенулся
И весенней полон жаждой…
Отличительной чертой Фета-пейзажиста является его способность вглядываться в каждую песчинку, в каждый листик, но при этом показывать детали такими, какими они предстали мгновенному восприятию художника. Можно сказать, что поэта интересует не предмет, а впечатление, произведённое предметом. Сам Фет так говорил об этом: «Для художника впечатление, вызвавшее произведение, дороже самой вещи, вызвавшей это впечатление»:
Куда не обращаю взор,
Кругом синеет мрачный бор
И день права свои утратил.
В глухой дали стучит топор,
Вблизи стучит вертлявый дятел.
Природа у Фета всегда спокойна, прозрачна, тиха, она словно бы замерла, но всё это не делает её мёртвой. Она богата звуками и красками:
Что за звук в полумраке вечернем?
Бог весть! — То кулик простонал или сыч.
Расставанье в нём есть, и страданье в нём есть,
И далёкий неведомый клич,
Точно грёзы больные бессонных ночей
В этом плачущем звуке слиты…
При всей правдивости и конкретности описания природы у Фета она как бы растворяется в лирическом чувстве, служа лишь средством его выражения. Кроме того, мне кажется, что пейзаж у данного поэта очеловечен, как ни у кого другого. У Фета роза странно улыбается, звёзды молятся, берёзы ждут, пруд грезит. Автор словно превращает мир в одно целое, объединённое настроением поэта:
Тёплый ветер тихо веет,
Жизнью свежей дышит степь
И курганов зеленеет
Убегающая цепь.
Со временем в стихах Фета появляется всё больше параллелей жизни природы и человека. Ощущение гармонии присутствует во всём:
Целый день спят ночные цветы,
Но лишь солнце за рощу зайдёт,
Раскрываются тихо листы,
И я слышу, как сердце цветёт.
Таким образом, стихи А. А. Фета о природе проникнуты светлым чувством. Лирический герой его поэзии сливается с природой, становится частью её. Его жизнь уже не мыслима вне этой удивительной красоты.
По моему мнению, лирика этого великого русского поэта никогда не будет забыта, ибо в своих стихотворениях он отражал те чувства и переживания, которые свойственны и близки каждому человеку.
Афанасий Афанасьевич Фет - замечательный поэт 19-го века. Его мелодичные стихи давно были положены на музыку и известны нам как романсы. Он писал ради красоты и не касался своим возвышенным слогом политики. в лирике Фета стала чуть ли не главным предметом изображения. Именно этой чудесной стороне творчества великого поэта посвящена данная статья.
Творчество Фета
Для Фета искусство было убежищем от повседневности жизни. Он считал, что творчество не должно касаться общественных и политических дел и вообще действительности. Его стихи всегда были посвящены только любви и природе.
Первые произведения Фета увидели свет, когда он учился на историко-филологическом факультете Московского университета. В студенческие годы он обретает известность и активно печатается в журналах.
Сначала поэт сотрудничал с журналом «Современник», но сильная общественная направленность издания претила ему. Поэтому Фет покидает сначала журнал, а потом и Петербург. Начинается помещичья жизнь. Писатель так и не вернулся к общественной жизни, но его стихи нисколько не изменили направленности. Любовь и русская природа в лирике Фета продолжали занимать ведущие позиции.
Чистое искусство
Искусство ради искусства, или чистое искусство, - именно этой эстетической концепции придерживался Фет. Заключалась она в том, что творчество должно быть независимым от общественной жизни. Искусство должно приносить только а не призывать к чему-либо или выступать против какого-либо политического строя. Именно этой концепции придерживался поэт, поэтому природа в творчестве А. А. Фета столь прекрасна и цельна. Она не зависит от сильных мира сего, ни на что не влияет, ее заслуга - лишь в красоте, и это самое главное.
Пейзажная лирика Фета
В лирике Фета изображена вдохновенно, очень эмоционально и удивительно. Она не связана с трудом крестьян, как некрасовская, и не отражает чувства лирического героя, как лермонтовская. Однако она всегда вызывает восторг и эстетическое наслаждение.
Удивительно при этом, что Фет изображает не какие-то особенные или эффектные картины, а самые обыденные явления. Однако они пропитаны радостью, и в них открывается тайна круговорота самой жизни.
Образы природы у поэта ощутимы, конкретны, полны деталей, звуков и даже запахов. Никто до него из писателей не уделял такого пристального внимания изображению природы, ее детализации. Природа и человек в лирике А.А. Фета связаны, их объединяют общие чувства: «Какая ночь! Все звезды... Тепло и кротко смотрят в душу вновь…»
Через близость с природой Фет выходит на близость с Вселенной, постепенно его стихи начинают приобретать космическую направленность. В некоторых стихотворениях лирическое «Я» поэта оказывается наедине с миром и космосом: «Земля… Безвестно уносилась прочь, и я... Один в лицо увидел ночь».
И далее оторванность от земли и одиночество только увеличиваются на фоне открывающихся космических просторов: «Над этой бездной я повис… Я взором мерил глубину, в которой… все невозможнее тону». В этом стихотворении пространство сначала природы, а потом и космоса постепенно увеличивается и в конце поглощает лирического героя. Его душа растворяется в мире.
В своей манере изображать природу Фет близок к импрессионистам. Поэт рисует увиденное, стараясь передать свое впечатление, сиюминутный душевный порыв. Окружающая действительность отражает лирического героя. Во многом это происходит из-за того, что Фет одушевляет природу, очеловечивает ее, при этом люди становятся лишь частью этого живого мира.
Изображение весенней природы
Русская природа в лирике Фета может быть изображена в разные времена года, но больше всего в стихотворениях встречается Приход весны воспринимается лирическим героем как воскресение, поэтом он с нетерпение ожидает его. Волнуется, прислушивается, пытается распознать признаки ее появления: «... сердце слышит... И все, что движется и дышит, задышит новою весной».
Весна придает поэту сил, в нем просыпается жажда жить, одновременно с этим он преклоняется перед ее вечной, постоянно возрождающейся красотой. Каждое время года у поэта ассоциируется с определенными эмоциями и ритмом жизни. Например, весна вызывает некую тоску, лень, эмоциональность и негу: «Пропаду от тоски я и лени/ Одинокая жизнь не мила,/ Ноет сердце…» (из стихотворения «Пчелы»). Изнеженного, мучающегося от непонятной тоски, но при этом чувствующего приближение чего-то нового лирического героя рисует Фет.
Тема природы в лирике поэта очень распространена. Нет ни одного стихотворения, в котором так или иначе она бы не звучала.
Изображение зимней природы
Образы зимней природы в стихотворениях Фета зачастую бывают связаны с образом смерти. Так, появляются следующие детали: склеп, дубовые кресты, деревья, одеты в «траурные» наряды и т.п. Погруженная в вечный сон природа сливается с мыслями о небытие, смерти, одиночестве. Как никогда печален и грустен в этих произведениях Фет. Тема природы в лирике, связанной с изображением зимы, всегда окрашена в мрачные тона: «Земля давно остыла и вымерла». Поэт никогда не изображает веселье на снежном фоне, радость уходит вместе с теплом, остаются только смерть и одиночество.
Заключение
Итак, тема природы в лирике А. Фета всегда связана с внутренним миром поэта. При этом вся сила его стихов заключена в эмоциональном, поэтическом и невероятно детализированном изображении пейзажей.
И принесла небывалый успех художнику. «Клятва Горациев» стала образцом формировавшейся в то время школы французского неоклассицизма .
Картина является частью собрания Людовика XVI и в настоящее время находится в 75-м зале на 1-м этаже галереи Денон в Лувре. Код: INV. 3692.
Энциклопедичный YouTube
-
1 / 5
В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия , согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга - братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии , клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Справа изображена группа скорбящих женщин: вдали мать Горациев склонилась над двумя внуками, ближе сестра Камилла, невеста одного из Куриациев, и Сабина, сестра Куриациев и жена одного из Горациев. На заднем плане видны три арки , каждая из которых соответствует группе фигур: правая - группе женщин, левая - братьям, центральная отцу с мечами. Давид тщательно продумал композицию картины, «хореографию» персонажей и игру света, что концентрирует внимание зрителя в центре картины, раскрывая моральную атмосферу такой необычайной силы, что страдание отступает перед ней.
Таким образом, Давид в этой картине противопоставляет идеалы патриотизма, гражданственности и самопожертвования во имя родины мужчин страданиям и сентиментальной слабости женщин.
Предыстория
Рим был основан выходцами из государства Альба-Лонга - главного города Латинского союза и соперничал с ним. Однако за 100 лет, к концу VII века до н. э., Рим возвысился, в то время как Альба-Лонга начало постепенно терять своё значение. Это и явилось причиной того, что ни один из латинских городов не пришёл на помощь Альба-Лонга во время войны с Римом. Поводом к войне послужили обоюдные пограничные набеги и грабежи. Как раз к тому времени умер Гай Клюилий - царь Альба-Лонга, и его жители облекли диктаторской властью Мета Фуфетия. После некоторого выжидания армии Рима и Альба-Лонга сошлись в открытом поле. Однако Мет Фуфетий вызвал Тулла Гостилия на переговоры и предостерёг его о том, что междоусобица ослабит оба города, и распря между Римом и Альба-Лонга может привести к тому, что оба эти города поработят этруски . Поэтому решено было выявить победителя единоборством нескольких избранных солдат. Так состоялось легендарное сражение между тремя братьями Горациями и Куриациями со стороны Рима и Альба-Лонга соответственно. В начале схватки все альбанцы были ранены, а двое римлян погибли. Последний из Горациев преднамеренно обратился в бегство. Когда преследователи, в силу полученных ран разъединились, Гораций сразился с каждым по отдельности и быстро победил их. Таким образом Горации победили, и Альба-Лонга был вынужден вступить в наступательный союз с Римом против этрусков. Гробницы Горациев и Куриациев по словам Ливия, можно было видеть ещё в его время; две римские вместе, а три альбанские порознь - в соответствии с тем в каком месте поля братья были убиты.
История картины
В 1784 году Давид вместе с женой и тремя учениками приезжает в Рим , так как, по его словам, только в Риме он мог писать римлян. С сентября 1784 по 1786 год римская Академия Святого Луки сдала Давиду мастерскую Плачидо Констанци (итал. Placido Constanzi ), где он смог работать в относительной изоляции, так как предпочитал не показывать никому свои картины до полного завершения.
Моделью внуков, над которыми склонилась мать Горациев, вероятно, послужили младшие сыновья Давида. Исследовательница творчества Давида Арлетт Серулла (фр. Arlette Serullaz ), которая изучила дневники Давида с изображениями голов в шлемах и фригийских колпаках , называла одну из ватиканских фресок с группой прелатов в качестве предполагаемой модели для голов братьев в шлемах.
Давид полностью закончил работу над картиной только в июле 1785 года. Один из его учеников,
Полотно было отправлено в Парижский салон , а Давид очень беспокоился, что его расположат в невыгодном месте из-за интриг его недоброжелателей. Однако опасения оказались напрасными. «Клятву Горациев» повесили над портретом Марии-Антуанетты с сыновьями работы Елизаветы Виже-Лебрун , что оказалось очень выгодным местом. Картина была специально доставлена в Салон уже после открытия, так как на открытии было множество новых работ, которые могли сгладить эффект. «Клятва Горациев» была принята публикой с восторгом, не уступавшим тому, что был в Риме.
«Клятва Горациев» стала поворотной точкой не только в творчестве Давида, но и во всей европейской живописи. Если в искусстве XVIII века доминировала «женская вселенная» с её изогнутыми линиями, то теперь она начала уступать место вертикалям «мужского мира», подчёркивающим главенствующую роль мужества, героизма, военного долга. Этим полотном Давид снискал славу во всей Европе.
Холст, масло. 330 x 425
Лувр, Париж.Картина была выставлена в Париже и принесла небывалый успех художнику. «Клятва Горациев» стала образцом формировавшейся в то время школы неоклассицизма.
Картина является частью собрания Людовика XVI и в настоящее время находится 75-м зале на 1-м этаже галереи Денон в Лувре. Код: INV. 3692.
В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия, согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга - братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Справа изображена группа скорбящих женщин: вдали мать Горациев склонилась над двумя внуками, ближе сестра Камилла, невеста одного из Куриациев, и Сабина, сестра Куриациев и невеста одного из Горациев. На заднем плане видны три арки, каждая из которых соответствует группе фигур: правая - группе женщин, левая - братьям, центральная отцу с мечами. Давид тщательно продумал композицию картины, «хореографию» персонажей и игру света, что концентрирует внимание зрителя в центре картины, раскрывая моральную атмосферу такой необычайной силы, что страдание отступает перед ней.
Таким образом, Давид в этой картине противопоставляет идеалы патриотизма, гражданственности и самопожертвования во имя родины мужчин страданиям и сентиментальной слабости женщин.
Изначально Рим являлся колонией Альба-Лонги - главного города Италийского союза. Однако за 100 лет Рим возвысился, в то время как Альба-Лонга начал постепенно терять своё значение. Это и явилось причиной того, что ни один из Италийских городов не пришёл на помощь Альба-Лонги во время войны с Римом. Поводом к войне послужили обоюдные пограничные набеги и грабежи. Как раз к тому времени умер Гай Клюилий - царь Альба-Лонги, и его жители облекли диктаторской властью Мета Фуфетия. После некоторого выжидания армии Рима и Альба-Лонги сошлись в открытом поле. Однако Мет Фуфетий вызвал Тулла Гостилия на переговоры и предостерёг его о том, что междоусобица ослабит оба города, и распря между Римом и Альба-Лонгой может привести к тому, что оба эти города поработят Этруски. Поэтому решено было выявить победителя единоборством нескольких избранных солдат. Так состоялось легендарное сражение между тремя братьями Горациями и Куриациями, со стороны Рима и Альба-Лонги соответственно. Горации победили, и Альба-Лонга была вынуждена вступить в наступательный союз с Римом против этрусков.
В 1784 году Давид вместе с женой и тремя учениками приезжает в Рим, так как, по его словам, только в Риме он мог писать римлян. С сентября 1784 по 1786 год римская Академия Святого Луки сдала Давиду мастерскую Плачидо Констанци (итал. Placido Constanzi), где он смог работать в относительной изоляции, так как предпочитал не показывать никому свои картины до полного завершения.
Моделью внуков, над которыми склонилась мать Горациев, вероятно, послужили младшие сыновья Давида. Исследовательница творчества Давида Арлетт Серулла (фр. Arlette Serullaz), которая изучила дневники Давида с изображениями голов в шлемах и фригийских колпаках, называла одну из ватиканских фресок с группой прелатов в качестве предполагаемой модели для голов братьев в шлемах.
Давид полностью закончил работу над картиной только в июле 1785 года. Один из его учеников, Друа (фр. Jean-Germain Drouais), писал: «Не возможно описать её красоту». Когда мастерская стала открыта для посещения публики, реакция превзошла все ожидания художника. «Весь Рим» собрался посмотреть «Клятву Горациев», которую посчитали величайшей данью уважения Вечному Городу. Мастерская превратилась в объект паломничества. Картине посвящались хвалебные речи, даже Папа Римский пришёл на неё посмотреть. Среди самых больших почитателей был и немецкий художник Иоганн Тишбейн, что нашло отражение в его картине «Гёте в Римской Кампанье» 1787 года.
Полотно было отправлено в Парижский Салон, а Давид очень беспокоился, что его расположат в невыгодном месте из-за интриг его недоброжелателей. Однако опасения оказались напрасными. «Клятву Горациев» повесили над портретом Марии-Антуанетты с сыновьями работы Елизаветы Виже-Лебрун, что оказалось очень выгодным местом. Картина была специально доставлена в Салон уже после открытия, так как на открытии было множество новых работ, которые могли сгладить эффект. «Клятва Горациев» была принята публикой с восторгом, не уступавшим тому, что был в Риме.
«Клятва Горациев» стала поворотной точкой не только в творчестве Давида, но и во всей европейской живописи. Если в искусстве XVIII века доминировала «женская вселенная» с её изогнутыми линиями, то теперь она начала уступать место вертикалям «мужского мира», подчёркивающим главенствующую роль мужества, героизма, военного долга. Этим полотном Давид снискал славу во всей Европе.
«Клятва Горациев» исполнена в стиле неоклассицизма, и Давид использовал в ней множество приёмов, характерных для этого стиля.
Фон картины оттенён, в то время как фигуры на переднем плане выделены, чтобы показать их значимость
Тусклые цвета используются, чтобы показать, что изображаемая история важнее самой картины
Ясная и чёткая композиция указывает на символизм числа «три» и треугольника
Предпочтение отдаётся чётким деталям взамен лёгких мазков, характерных для рококо
Яркие эмоции проявляют только женщины, тогда как мужчины выполняют свой долг
Героическая тематика всего сюжета картины
Материал из ВикипедииТема «Горациев», хорошо известная во Франции со времен Корнеля, сразу же привлекла Давида. Он только долго колебался, какой из моментов легенды ему выбрать для своей картины. Наконец, он остановился на моменте клятвы. Легендарный эпизод из древнеримской истории рассказывает, что в период борьбы Рима с Альбалонгою трем братьям-близнецам из рода Горациев предстояло пойти на смертельный поединок, чтобы решить исход распри между враждовавшими городами.
Клятва Горациев. Жак Луи Давид.
Основная коллизия сюжета состояла в том, что противниками римлян Горациев были друзья их детства из Альбалонги — три брата-близнеца Куриации, один из которых был помолвлен со старшей сестрой Горациев-Камиллой. Таким образом, Давид должен был дать ответ на то, как поступать, когда налицо непримиримое противоречие между гражданским долгом и личными чувствами людей. Он мог бы подчеркнуть их колебания, показать силу их семейных привязанностей. Но интуиция художника, та верность, с которой Давид всегда улавливал общественные настроения, безошибочно подсказали ему правильное решение. Никаких колебаний, все личное должно отступить на второй план.
Эскизы и рисунки свидетельствуют о том, что художник, остановившись на сюжете, не сразу нашел нужное композиционное построение: противопоставление погруженных в отчаяние женщин мужественным фигурам Горациев, приносящих клятву на мечах. Слова Давида, что «единое чувство может быть выражено лишь одним жестом», — объясняют нам основной эффект картины: ритмически повторяющееся движение рук Горациев, дружный поворот голов и решительный шаг к мечам, подчеркивающие общность их устремлений.
Словно в античных барельефах, все участники сцены расположены на первом плане, параллельно краю картины. Сужая таким образом пространство, в котором развертывается действие, Давид окончательно отказывался от старых живописных традиций XVII в. с их стремлением к максимальной глубинности построения.
Трехчастное деление архитектурного фона с дорической аркадой соответствует трем смысловым группам композиции: братья Горации слева, их отец, старый Гораций, держащий мечи,- в центре и группа женщин и детей (матери, младших Горациев и их сестер Сабины и Камиллы) — справа. В результате все построение картины получает необычайную четкость и продуманность. Точный рисунок, обращавший на себя внимание и в более ранних работах Давида, здесь достигает исключительной завершенности, точно так же, как и светотеневая объемная моделировка. Цвет, более локальный, чем в «Велизарий», полностью подчинен пластической лепке. Формы связаны между собой не столько соотношением красочных тонов, сколько ритмом объемов и линий. Трактовка лиц и фигур также получает еще большую обобщенность и строгость. Характер картины, суровый и риторический, соответствует гражданскому пафосу темы.
Успех «Клятвы Горациев» в Салоне 1785 г. превзошел все ожидания. Заключенный в картине призыв жертвовать личным во имя общественного в этот предреволюционный период был с воодушевлением встречен французами. Нравились и сюжет, и выразительная художественная форма. Живописное легкомыслие рококо давно уже считалось устаревшим. Не могли более удовлетворять зрителя и лишенные активного действия картины Шардена, и прославлявшие семейные добродетели произведения Грёза. С появлением «Клятвы Горациев» во французском искусстве окончательно сложилось направление, обычно именуемое в искусствоведении революционным классицизмом.
Аллегоричность и отказ от современной исторической конкретности, присущие этому направлению, давали в тот период широкую возможность для воплощения в зрительных образах отвлеченно, по буржуазному понимаемых идей «свободы» и «равенства». Неизменной опорой классицизма было обращение к античности. Этот стиль не был в сущности чем-то совершенно новым для Франции, а являлся своеобразным возрождением на другом историческом этапе традиций классицизма, возникших еще в первые десятилетия XVII в.
Во имя чего французская буржуазия при приближении революции драпировалась в античную тогу с большой глубиной вскрыл Карл Маркс в своей работе «Восемнадцатое брюмера Луи Бонапарта»: «В классически строгих традициях Римской республики гладиаторы буржуазного общества нашли идеалы и художественные формы, иллюзии, необходимые им для того, чтобы скрыть от самих себя буржуазно-ограниченное содержание своей борьбы, чтобы удержать свое воодушевление на высоте великой исторической трагедии».
Несомненно, однако, что для самих «гладиаторов» этих событий, одним из которых был и Давид, субъективно все происходящее представлялось не относительным и исторически ограниченным, а абсолютно значительным и поистине великим.
Термином классицизм принято называть искусство, основными чертами которого является подчеркнутая идейная целеустремленность, непременная ориентация на античные памятники, рационалистический метод в создании художественного образа, логически ясное построение композиции, тенденция к строгому отбору и обобщенности форм и к пластической лепке объемов, а отсюда преобладание четкого рисунка и светотеневой моделировки над колористическими задачами. Произведениям классицизма всегда свойственен продуманный ритм в движениях фигур и нередко — патетичность поз и жестов. Все это в целом создает ту строгую нормативность каждого элемента картины, которая и является основой классицистической системы.
Но, подобно тому, как не. существует абстрактно понимаемого, оторванного от конкретной действительности художественного стиля, так не существует и классицизма вне времени и пространства. Сохраняя ряд общих, обычно внешних признаков, классицизм каждой данной эпохи, не говоря уже о классицизме различных стран, есть явление глубоко своеобразное, имеющее свои исторические предпосылки и свои индивидуальные проявления.
Во Франции классицизм сформировался в период окончательного утверждения и расцвета абсолютизма, то есть во второй и третьей четверти XVII в. Ставшее единым и сильным французское государство стремилось тогда к созданию большого национального искусства.
Не останавливаясь здесь на всем богатстве явлений французской художественной жизни того времени, следует лишь отметить, что наиболее высокими ее достижениями явились классические полотна Никола Пуссена, героические образы трагедий Корнеля и Расина и грандиозный по охвату всех видов изобразительного искусства ансамбль Версаля, в котором черты классической строгости соединяются с требуемыми двором пышной декоративностью и помпезностью.
Пуссен, выступивший в период национального подъема, выразил в своем творчестве наиболее прогрессивные устремления эпохи, создав величественные, полные героики образы. Большие и глубокие чувства и мысли, касающиеся многих сторон человеческого бытия, — вот что составляет сущность пуссеновских картин. Его герои всегда наделены возвышенными моральными качествами. Внешне Пуссен представляет их близкими образам античного искусства. Отсюда и его обращение к античности, глубокое и органическое.
Естественно казалось бы, на первый взгляд, назвать Пуссена прямым предшественником Давида. Однако это вряд ли имеет глубокие основания, да и весь классицизм XVII в. нельзя считать чем-то непосредственно подготовившим классические доктрины конца XVIII столетия. Оба художника стоят во главе двух разделенных во времени этапов французского классицизма, развившихся в совершенно различных исторических условиях.
Продолжение следует…
