«Мария Аннуциата» — одна из самых известных картин великого итальянского живописца Антонелло да Мессины (1429/31 — 1479). Известный живописец Раннего Восстановления написал картину в 1475 году. Дерево, масло.

Размеры: 45 x 34,5 см. На данный момент находится в Национальном музее Палермо.

«Мария Аннуциата» имеет характерные черты живописи Да Мессины. Живописцы эры Раннего Восстановления, возможно сообщить, только-только постигали мастерство живописи.

Это было время, в то время, когда великие живописцы обнаружили новые формы, изобретали новые стилевые решения и техники, стали известны собственными опытами с живописью. Творчество живописцев Восстановления напрямую отразилось на мастерстве всех последующих поклонений живописцев и до сих пор есть примером для начинающих художников.

Антонелло да Мессина не есть исключением из правил.

Для кисти данного художника особенно свойственны потрясающие по реалистичности и глубине портреты людей, и картины на религиозные темы. В картине «Мария Аннуциата», и картине «Благовещение», живописец изобразил погрудный портрет дамы.

Тут мы можем заметить, что Антонелло да Мессина пробует выразить невыразимое через символические вещи. Большая часть живописцев изображали Благовещение как раз как жанровые сцены, но Антонелло отходит от данной практики и высказывает чувство духовной связи с высшим, как внутреннее состояние Марии Аннуциаты.

Её взор, поза рук и головы, выражение лица - всё показывает, что сейчас Мария находится на большом растоянии от временного мира.

Мария Аннуциата находится на тёмном фоне, как бы подчёркивая этим и свою отрешённость и свою внешность от мира. Но в собственной картине Антонелло да Мессина смог выделить глубину картины, отодвинув фигуру дамы на второй план при книги и помощи пюпитра, которая находится перед Марией.

Картина «Мария Аннуциата» Антонелло да Мессина

Желаете неизменно и при любых событиях смотреться превосходно? Этого добиться вам окажет помощь качественная бижутерия от http://www.formygirl.ru.

Бусы, серьги, браслеты, кольца и другое.

Антонелло да Мессина (1429/30-1479) (Antonello da Messina) картины великих живописцев

В последнее время в мировом искусствознании появились работы, в которых авторы пытаются определить личность изображенного здесь мужчины. Некоторые предполагают, что это не воображаемый образ святого переводчика Библии на латынь, а портрет кого-то из гуманистов или, возможно, неаполитанского короля Альфонса. Трудно сказать, пока что дискуссия только началась и, видимо, еще нескоро кончится. Но не это главное. Главное здесь в ощущении обжитости, некой органичной связи человека и его окружения как сопоставимой, соразмерной и созвучной человеку среды, в которой он пребывает и которой он в то же время как бы духовно повелевает.
Видимо, в скорости после приезда в Венецию, Антонелло написал «Распятие» - один из двух вариантов «Распятия» его работы, которые сохранились. И здесь мы имеем дело, скорей, с нидерландской, чем с итальянской композицией и иконографической схемой. Очень высокий крест, на котором распят Христос, - это, скорей, нидерландский мотив, - Рогир ван дер Вейден так писал «Распятие», и другие художники середины XV века. Вместо традиционно предстоящих распятию Марии и Иоанна, как это было принято в итальянском искусстве, здесь изображены те же фигуры, буквально опустившиеся на землю, сидящие, с одной стороны, в совершенном изнеможении, а с другой, в состоянии некой скорбной медитации.

Проблема медитации, благочестивого размышления о Страстях Господних, станет чисто венецианской темой. Мы увидим ее у Карпаччо, в несколько модифицированном виде у Джованни Беллини и у других художников. Приметы окрестностей Венеции видят иногда в ландшафте, который представлен на втором плане. Во всяком случае, есть такая точка зрения, что художник не грешит здесь против правды, изобразив какую-то конкретную, реальную архитектуру.

"Распятие". 1475. Дерево, масло. Королевский музей Изящных искусство, Антверпен.

Интересны и с иконографической, и собственно с художественной точки зрения две небольшие доски: одна написана в 1473 г., другая - в 1475-1476 гг. в Венеции. Они представляют собой один и тот же иконографический тип «Марии Аннунциаты» («Марии Благовещения»). Сравнительно редкий случай, когда само Благовещение не изображается как сцена, а само изображение Марии у Антонелло погрудное. (Он часто прибегает к такой камерной форме погрудного изображения не только в портрете, как мы увидим, но и обращаясь к религиозному образу. Несколько раз он пишет Христа в терновом венце, тоже изображая его погрудно). В этих работах присутствие архангела лишь подразумевается, Мария как бы видит его внутренним зрением и слышит его внутренним слухом. Психологический эффект внутреннего голоса, голоса божества, раздавшегося в сознании девушки, явно интересует художника. Замечательно, как это сверхъестественное явление архангельской речи преображает почти крестьянскую, внешне, казалось бы, даже простоватую наружность Марии.

"Мария Аннунциата". Дерево, масло. Старая Пинакотека, Мюнхен.

Те же черты внутреннего склада, притом что характер несколько более строго определен, дают возможность говорить о более сильной личности в другой композиции на эту же тему. Традиционный парапет, который у Кривелли и у многих других художников всегда идет параллельно переднему плану и неглубок, Антонелло разворачивает здесь в целую композицию – парапет или стол, трудно сказать, изображен по диагонали, и на нем стоит пюпитр с книгой, что сразу отодвигает фигуру в глубину, усиливая ощущение пространственности.

"Мария Аннунциата". Ок.1476. Дерево, масло. Национальный Музей, Палермо.

В этих полуфигурных, или погрудных композициях, как и в портретах, о которых речь впереди, мастер прибегает к черному фону. Для Антонелло это принципиально важно, это одно из слагаемых его формоощущения. По-разному моделируется форма, скажем, форма головы, в случае, когда она изображена на светлом фоне, например на фоне неба и на темном, в предельном случае черном, непроницаемом фоне. Есть свои сложности в обоих случаях. Голова на светлом или чуть затемненном фоне, если она написана против света, требует тончайшего внимания к подробностям валеров, подробностям, которые мы можем назвать леонардовским термином «сфумато»*. А черный фон как бы выталкивает из себя ярко освещенный объем. Сравнительно светлый объем на темном фоне всегда кажется особенно стереоскопическим, до предела натурально объемным. Эти эффекты, которые изначально заложены в контрасте света и тени и которые этому контрасту свойственны, часто, активно и очень умело использует Антонелло да Мессина в целях достижения большего жизнеподобия.
К 1475-1476 гг. относятся такие знаменитые вещи мастера, как «Св.Себастьян» и несколько портретов.

"Св.Себастьян". ок.1475. Дерево, масло. Дрезденская галерея.

«Св.Себастьян» (1475 г.) написан Антонелло да Мессиной практически одновременно с Боттичелли (1473 г.). Конечно, говорить о какой-то связи этих двух работ не приходится. Антонелло да Мессина приехал в Венецию с Юга Италии. Скорей всего, «Св.Себастьяна» кисти Боттичелли он не видел. Тем интересней оказывается определенное сходство между этими образами. Изображение идеальной наготы, и некая почти лирическая отстраненность. Сцена казни, сцена мученичества превращается в нечто иное. Впрочем, нужно напомнить тот момент, который исчезает для современного зрителя, но прекрасно был знаком тогдашнему верующему католику, - св.Себастьян ведь не погиб от стрел, согласно его житию. Его действительно расстреляли лучники, он был ранен, но уцелел, благочестивая вдова св.Ирина выходила его, вылечила, а уже потом, если верить Мартирологу*, св. Себастьяна забили камнями насмерть и бросили его тело в римскую клоаку. Отчасти поэтому не всегда подчеркивалось гибельное мученичество святого. Но Антонелло совершенно снимает трагический мотив, не в пример Мантенье, который пытался иногда несколько внешне театрально сгущать драматические краски. Совершенно очевидно, что Антонелло да Мессина получает художественное удовольствие от воплощения самого мотива – идеально прекрасного человеческого тела. Лежащая рядом со св. Себастьяном поверженная колонна должна была быть знаком мученичества. Разбитая, опрокинутая колонна – символ ранней, безвременной, чаще всего - трагической смерти. Есть доля почти необъяснимой фантастики в изображении среды, окружающей героя. Дерево, которое несколько непонятным образом растет прямо из каменных плит. Но, кажется, художника не смущают такие вольности обращения с натурой, все искупается другим – впервые, может быть, у Антонелло да Мессины, во многом благодаря его новой, прогрессивной технике масляной живописи, так заиграло солнце на формах, в изображении появился воздух. Нужно еще иметь в виду, что эта дрезденская картина очень повреждена, она дошла до нас с большими утратами авторского слоя, в частности небо в нижних проемах, кое-где большие утраты есть и на теле святого, они просто затонированы серым. Вообще Антонелло да Мессина, в смысле физической сохранности его вещей, сплошь и рядом не везло. Большинство его произведений дошло до нас в поврежденном, иногда полуразрушенном виде. И тем не менее, среди итальянских мастеров он едва ли не первый сумел передать ощущение солнечного света, ощущение воздуха, который окутывает предметы. Он слегка смягчает контуры, пытаясь моделировать объемы цветом. Линия присутствует, но не торжествует, как во флорентийской живописи. Именно у Антонелло да Мессины, а затем и у Джованни Беллини, начинается тот чисто венецианский рисунок с помощью красок, о котором я говорил, как об отличительной черте школы в целом.
В образе св.Себастьяна, созданном Антонелло, нет того психологизма, о котором иногда говорят исследователи и историки искусства. Дело в том, что разработка страдательной психологии художника принципиально не интересует.
В архитектуре мы узнаем черты венецианских построек - аркады, балконы, галереи, нечто подобное мы можем увидеть в «Благовещении» кисти Карло Кривелли. Впрочем, «Св.Себастьян» Антонелло да Мессины все равно оставляет поле для некоторых иконографических загадок и разнообразных гипотез. Некоторые детали не имеют однозначного толкования. Что значит, например, изображение человека, который лежит прямо на плитах с копьем или, точнее, с багром. Кто-то из историков искусства писал, что художник дает здесь такую маргинальную фигурку горожанина, который разлегся прямо на площади, нежась под солнышком. Такое может быть, но для XV в. это явно не предмет изображения, даже маргинальный. И некоторые другие детали – что значит изображение городских стражников; один из них тоже с копьем-багром. По-видимому, в образе св.Себастьяна воплощена еще одна его функция - защитника от чумы, одного из святых целителей. Таких целителей было много, были универсальные целители, - во всех случаях прибегали к помощи и защите Мадонны; молились о здравии и исцелении от болезней Козьме и Дамиану; от гангрены, от рожистых воспалений, от сифилиса, который в XV в. был завезен в Европу из Америки, молились св.Антонию, само выражение «Антонов огонь», которое сохранилось чуть ли не до наших дней, значит «гангрена», «рожа». А св.Себастьян, св.Рох, св.Текла – это спасители от чумы. Очень возможно, что художник намекает здесь на какие-то реальные события. В Европе очень боялись чумы, и хотя после 1348 г. - страшного года черной смерти, о котором мы вспоминаем в связи с некоторыми произведениями периода Кватроченто, а в литературе в связи с Бокаччо, - таких мощных вспышек этого заболевания в Европе не было, локальные очаги все-таки сохранялись. Тем более, что иногда чумой назывались эпидемии других болезней. Искусство врачебной диагностики было тогда далеко не на высоком уровне. Дюрер, например, вспоминая о своей матери, пишет где-то, что она много раз болела чумой, холерой и другими страшными болезнями. И если присмотреться повнимательней, то над входом в одно из зданий можно различить рельеф с изображением святого воина, кажется, Архангела Михаила, который тоже был одним из спасителей от чумы. Подобные рельефы устанавливались над входом в госпитали, городские больницы. Лежащий человек с багром в этом контексте может быть заразившимся городским стражником. Страже выдавались такие металлические шесты с крюками, которыми они оттаскивали трупы, чтобы не касаться их руками. Такое же снаряжение и у солдат в глубине. Не следует удивляться тому, что художник, изображая мотивы чумы, не сгущает атмосферу, не делает небо грозным, а воздух мрачным. Эти знаки могут носить предохранительный характер. Во всяком случае, это одно из толкований тех мотивов, которые здесь представлены. На мой взгляд, оно более убедительное, чем послеполуденный отдых, фиеста горожан, разлегшихся под солнцем. А в целом - свидетельство того, что каждая деталь, которая может даже не затронуть внимания современного зрителя, в старом искусстве безусловно была значимой, наполненной смыслом, что-то говорящей тогдашнему зрителю.

______________________________________
* «Martyrologium» (лат.) (от греч. «martys» - мученик и «logos» - слово) - сборник повествований о святых мучениках христианской церкви.

С 1 января по 14 мая в креативном пространстве «Люмьер-холл» проходит мультимедийная выставка Айвазовского, посещенная 200-летию со дня рождения художника.

Выставка полностью отличается от всех проходивших до этого проектов благодаря плотному сотрудничеству с музеем Айвазовского в Феодосии, а также совершенно новому уровню анимации картин.

На выставке представлено более 200 работ из музеев России и Армении, на подготовку проекта ушло более года. Практически все картины сделаны в формате ps-3D, что позволяет посетителям почувствовать себя внутри них.

Динамичный видеоряд, большое количество работ и красивая анимация, а также более чем 30 проекторов высокого разрешения дополненных 20 кВт объемного звука перенесут посетителей за тысячи километров от столицы в акваторию Черного моря на место известных корабельных баталий.

Помимо выставки, посвященной Айвазовскому, в «Люмьер-Холл» представлена выставка «Рерих — Живые полотна» с непередаваемой энергетикой горных походов и приключений. В экспозиции представлено более 300 работ Николая Константиновича Рериха из музеев по всей России.

Посетить обе выставки можно по одному билету.

Стоимость билетов:

• Взрослый — 450 рублей по будням, 650 рублей по выходным;
• Студент — 350 рублей по будням, 400 рублей по выходным;
• Льготный — 300 рублей по будням, 350 рублей по выходным;
• Семейный 2+1 (2 взрослых + 1 ребенок от 7 до 17 лет) — 1100 рублей по будням, 1400 рублей по выходным;
• Семейный 2+2 (2 взрослых + 2 ребенка от 7 до 17 лет) — 1200 рублей по будням, 1500 рублей по выходным;
• Ветераны ВОВ, дети-инвалиды, инвалиды 1-й группы с одним сопровождающим, дети до 3-х лет — бесплатно.

Купить билеты на мероприятие можно

По 31 декабря в проекционном музее «Люмьер-холл» проходит мультимедийная выставка Айвазовского, посвященная 200-летию со дня рождения художника. Выставка полностью отличается от всех проходивших до этого проектов благодаря плотному сотрудничеству с музеем Айвазовского в Феодосии, а также совершенно новому уровню анимации картин.

На выставке представлено более 200 работ из музеев России и Армении, на подготовку проекта ушло более года. Практически все картины сделаны в формате ps-3D, что позволяет посетителям почувствовать себя внутри них.

Динамичный видеоряд, большое количество работ и красивая анимация, а также более чем 30 проекторов высокого разрешения дополненных 20 кВт объемного звука перенесут посетителей за тысячи километров от культурной столицы в акваторию Черного моря на место известных корабельных баталий.

Режим работы:

• воскресенье — четверг с 11:00 до 23:00;
• пятница —суббота с 11:00 до 23:00.

Стоимость билетов:

Будни/ выходные:

• студенты, школьники, пенсионеры, дети старше 3-х лет — 350 руб.(будни) / 400 руб.(выходные);
• взрослые — 450 руб.(будни) / 500 руб.(выходные);
• семейный (2 взрослых + 1 ребенок) — 1100 руб.(будни) / 1200 руб.(выходные);
• семейный (2 взрослых + 2 ребёнка) — 1300 руб.(будни) / 1500 руб.(выходные);
• групповой билет школьный (6 –17 лет от 15 чел.) + 1 бесплатно (Пн.-Пт. до 17:00) — 300 руб./чел.
• групповой билет взрослый от 15 человек (Пн. - Пт. до 17:00) — 400 руб./чел.
• ветераны ВОВ, дети-инвалиды, инвалиды 1-й группы с одним сопровождающим, дети до 3-х лет — бесплатно.

Купить билеты на мероприятие можно