Краткая аннотация

Метод проекта является составной частью обучения МХК, т.к. позволяет активизировать деятельность учащихся как в урочное, так и во внеурочное время.

Тематика проекта «Слово» была выбрана с учетом учебной ситуации по предмету для учеников разного возраста (6-11 классов) для более глубокого ознакомления с духовно-нравственными ценностями отечественного искусства через изучение краеведческого материала. В ходе работы ученики совершают экскурсии в Троице-Сергиеву лавру, встречаются с выпускниками Свято-Тихоновского Богословского университета (художественный факультет), изучают материалы официального сайта Троице-Сергиевой лавры, связанные с памятниками архитектуры, используют библиотечный материал, знакомятся с дополнительной литературой по предмету.

В результате совместной деятельности учеников, учителя и родителей должны быть созданы творческие работы: газета «Слово», альманах «Родники», презентации, сценарии выступлений волонтёрского отряда «Слово» в форме «живой газеты» (руководитель волонтёрского отряда Истомина Е. Е.) перед учениками школы и родителями.

Проект по типу деятельности творческий, по характеру предметно-содержательной области - культурологический, по характеру координации - открытая, явная координация, средней продолжительности.

Работа с детьми основана на принципах добровольности.

Цели образовательные и воспитательные

1.Формировать умение анализировать произведения искусства, оценивать их художественные особенности, высказывать о них собственные суждения.

2.Формировать мотивацию к изучению жития светильника русской земли Сергия Радонежского.

3. Формирование национального самосознания учащихся в ходе изучения культурного наследия родного края, погружения в мир отечественной истории при изучении ее судьбоносных моментов (Куликовской битвы).

3. Обогатить лексикон участников проекта словами духовного и историко-культурного значения, повысить общую эрудицию детей, ввести в речь учеников церковнославянизмы, определяющие высокий стиль русской классической художественной литературы.

4. Формировать ценностные установки на нравственное, традиционное в культуре родного края.

Задачи учебно-педагогические

1. Приобщение к ценностям древнерусской культуры.

2. Изучение шедевров древнерусской литературы.

3. Постановка и формулировка темы своей творческой работы, личностная мотивация выбора.

4. Формирование и развитие навыков творческой работы.

5. Сбор и систематизация материала, умение на практике применять полученные знания.

Актуальность проекта

Современное образование переживает в настоящее время период подъёма, и это связано прежде всего с обращением к вечным ценностям. Данный проект направлен на изучение художественно-культурного наследия родного края и должен помочь учащимся обрести точные духовные ориентиры, усвоить нормы морали, ценности, которые воплотились в Троице-Сергиевой лавре и житии её основателя Сергия Радонежского. Работа над проектом предполагает интеграцию в различные изучаемые в школе дисциплины (историю, МХК, литературу, ИЗО). В.А. Сухомлинский писал, что «ребенок по своей природе - пытливый исследователь, открыватель мира. Так пусть перед ним открывается чудесный мир в живых красках, ярких и трепетных звуках, … в собственном творчестве, в красоте, воодушевляющей его сердце, в стремлении делать добро людям».

Ожидаемые результаты

Работа над проектом «Слово» способствует развитию у детей творческого осмысления отечественной культуры , развивает чувство прекрасного, формирует высокие эстетические вкусы, умение понимать и ценить произведения искусства.

СМИ - важнейшее средство самовыражения подростков, вызывающее повышенный интерес. Поэтому работа над проектом позволит через средства массовой информации (газету «Слово», альманах «Родники») наиболее продуктивно знакомить учащихся школы с результатами работы по освоению художественно-культурного наследия родного края. Кроме того, с помощью приёмов театрализации, через «живую газету», ученики могут донести свой материал до заинтересованных в теме учеников младших классов, родителей.

Выполненные в рамках проекта творческие работы (газеты, рисунки, фотографии, макеты и т. п.) найдут своё реальное практическое применение в оформлении помещений классов и школьных рекреаций, таким образом приобретая живой общественный смысл, становясь трудом на благо других.

Осуществление проекта.

Проектом руководит учитель МХК Истомина Е. Е., координируя действия учеников, снабжая необходимой информацией, контролируя отбор материала. Учитель разрабатывает дизайн изданий. Газета «Слово» оформлена заставкой с фотографией ученика, читающего книгу, название набрано прописными буквами (шрифт Georgia). Альманах «Родники» представляет собой 5-6 листов на цветной фотобумаге (А4), на обложке указаны вопросы, раскрывающие тематику издания.

В начале учебного года создаётся редакционная коллегия из учеников 6-10-х классов, которая под руководством учителя определяет направления работы, осуществляет выпуск газеты и альманаха. Редколлегия включает в себя корректоров, корреспондентов, фотокорреспондентов, участников волонтёрского отряда «Слово».

Достижение целей и выполнение задач школьных СМИ (газеты «Слово» и альманаха «Родники») осуществляется посредством публикации следующих видов информации: написанные в доступной форме отчеты и репортажи о мероприятиях школы по духовно-нравственной тематике. Аналитические статьи и материалы, направленные на изучение художественно-культурного наследия родного края. Материалы, отражающие участие учеников школы в духовно-нравственных мероприятиях школы, города, района, области.

1 этап работы включает в себя постановку проблемы, формулирование темы, выбор тем учащимися, посещение Троице-Сергиевой лавры. Общая тема: «Поклон преподобному Сергию».

2 этап работы - поисковый.

Круг вопросов: «Храмы Троице-Сергиевой лавры». «Как выглядела Троицкая обитель в глубокой древности». « Троице-Сергиева лавра: история и современность». «Какими делами прославлен в русской истории Сергий Радонежский»? «Расскажите о сюжете картины М. В. Нестерова «Видение отроку Варфоломею». «О каких духовных заветах Сергия Радонежского мы узнаём из «Жития…», созданного во славу святого Епифанием Премудрым». « Образ преподобного Сергия Радонежского в памятниках Куликовского цикла древнерусской литературы ". «Почему Андрея Рублёва считают учеником Сергия Радонежского». Круг вопросов может быть расширен по желанию учащихся.

3 этап - практическая работа. Оформление творческого отчёта в форме номеров газеты и альманаха, а также в выбранной учеником творческой форме (мультимедийная презентация, выступление с докладом или сообщением на конференции, родительском собрании, творческих занятиях, участие в работе волонтёрского отряда «Слово» и т. п.)

Номера газет, альманахов, творческие работы размещаются в рекреациях, хранятся в конференц-зале школы.

Электронная версия газеты размещается на сайте школы.

Проект разработан учителем МХК МБОУ «КСОШ №7» Истоминой Е. Е.

В данный раздел включены темы проектов по МХК (мировой художественной культуре), не вошедшие в списки тем для 7, 8, 9, 10 и 11 классов.
На странице предлагается выбрать интересные темы исследовательских работ по МХК , в которых рассматривается архитектура, живопись и скульптура Древнего Востока, Египта, Европы и России.

Мы распределили темы исследовательских работ по мировой художественной культуре по классам, ниже можно перейти и просмотреть темы по МХК для 7-11 классов .

Также предлагаются темы исследовательских работ по культуре на знакомство с музеями различных стран мира.

Среди тем проектных работ по МХК можно выбрать интересную тему проекта для учащихся любого класса школы. Темы охватывают культуру практически всех известных цивилизаций мира.

Темы исследовательских работ по МХК (общие)

Интересные темы проектов по МХК для учащихся школ:

Арканджело Корелли.
Архитектура Древнего Египта.
Архитектурные памятники города, в котором я живу.
Архитектурный модерн одного из городов России.
Библейские сюжеты и образы в творчестве Эль Греко (Рембрандта и др.)
Боевые воинские искусства
Бытовой жанр в западноевропейской и русской живописи.
В. А. Серов «Девочка с персиками»
Венецианская маска.
Влияние африканской скульптуры на творчество П. Пикассо.
Влияние венецианских масок на образы современной моды.
Влияние Византии на формирование культуры и искусства Киевской Руси
Волшебное искусство амигуруми.
Город-музей Санкт-Петербург и его пригороды.
Готическое искусство.
Греческий театр.
Декор положения человека в обществе. Греческая вазопись.
Древнерусская иконопись
Египетский стиль в современном интерьере.
Живопись С. Дали и театр абсурда.
Живопись эпохи "передвижников".
Жизнь Иисуса в произведениях искусства.
Идеал красоты в разные эпохи
Из истории французского костюма.
Импрессионизм. Огюст Ренуар
Импрессионистические приемы в творчестве К. Коровина (В. Серова).
Искусство Гжели. Истоки и современное развитие промысла.
Искусство Городца. Истоки и современное развитие промысла.
Искусство доколумбовой Америки.
Искусство Западной Европы XVII века. (Эпоха барокко).

Темы проектов по МХК (продолжение)

Интересные темы исследовательских работ по МХК для учащихся:

Йозеф Ланнер,основатель венского вальса.
Комната моей мечты.
Костюм русских крестьян Тверской губернии XIX – начала XX века
Культура античности
Культура восточного танца
Культура и быт народов Кубани XVII - XVIII в.
Культура и искусство Византии
Культура и искусство эпохи Просвещения.
Майолика эпохи Возрождения
Может ли искусство быть оружием
Музеи Европы
Музеи мира. История становления музея, принципы, по которым сложились национальные коллекции.
Музеи России.
Музеи Украины.
Музей в современной социокультурной ситуации города.
Образ Клеопатры в кинематографе.
Образ кошки в русской культуре.
Образ Петра I в скульптурах Б.К. Растрелли и Э. Фальконе.
Образ солнца в народном искусстве.
Образы Мадонн в творчестве Леонардо да Винчи (Рафаэля).
Особенности русского духовного идеала в творчестве М. Нестерова.
Отражение образов первобытного искусства в творчестве П. Гогена.
Пирамиды в современной архитектуре.
Поиски фовистов и особенности их образного языка.
Преломление иконописных принципов в живописи Эль Греко.
Природа и человек в изобразительном искусстве романтизма (на примере творчества К. Д. Фридриха).
Проблема выбора жизненного пути в произведениях А. Иванова «Явление Христа народу» и И. Крамского «Христос в пустыне».
Прогулка по Версалю.
Противопоставление естественного и искусственного как основной мотив творчества К. Сомова.
Психологизм скульптурных портретов А.С. Голубкиной.
Роль Тулуз-Лотрека в развитии искусства плаката.
Романское искусство
Рыцарство
Своеобразие жанра картины-элегии в творчестве В. Борисова-Мусатова.
Своеобразие стилистической манеры Ф. Рокотова.
Символика натюрморта в голландской живописи XVII века.
Символика украшений Древнего Египта. Связь символики с мировоззрением египтян.
Символические образы в творчестве Врубеля.
Скульптура эпохи Возрождения: Донателло, Микеланджело.
Скульптурное изображение человека в искусстве Древнего Египта, в античном искусстве, в скульптуре Средневековья.
Скульптурное убранство готических соборов.
Славянская мифология "Русская нечисть"
Славянская мифология "Священные птицы"
Советская и американская культура 20-х годов XX века.
Тайна красоты в русских женских портретах XIX века.
Танец богини Гуань
Танцы эпохи барокко в музыке композитора начала XVII века Андреа Фальконьери.
Традиции древнерусского искусства в архитектуре петровского времени.
Художественные открытия «малых голландцев».
Черты романтизма в творчестве прерафаэлитов.
Экзотика Востока в произведениях Делакруа.
Экскурсия по Собору Святой Софии в Константинополе.

Проектная работа по МХК

«Семь чудес света»

Выполнили:

Акопян Лусине Николаевна,

Плисс Алина Николаевна,

Сотскова Юлия Владимировна

МАОУ СОШ № 28

10а класс

Руководитель:

Мыцова Людмила

Алексеевна

г. Балаково

Содержание

Введение: цель и задачи исследования____________________________3

Глава 1:

Национальные мифы числа «7». Происхождение списка «Семи чудес света» ____________________________________________________________ 5

Глава 2:

Первые Семь Чудес Света ______________________________________7

1.Великие пирамиды Гизы______________________________________8

2.Висячие сады Семирамиды___________________________________ 10

3.Статуя Зевса в Олимпии______________________________________11

4.Храм Артемиды в Эфесе_____________________________________ 12

5.Мавзолей в Галикарнасе_____________________________________ 13

6.Колосс Родосский___________________________________________14

7.Александрийский маяк_______________________________________15

Глава 3:

Новые Семь Чудес Света_______________________________________16

Глава 4:

Претенденты на звание новых семи чудес света_____________________18

Заключение: итоги исследования_________________________________20

Использованная литература и Интернет – источники ___________________22

Введение

В нашем мире много всего удивительного и неповторимого. Иногда, изумляясь какому – нибудь явлению природы или произведению искусства, мы называем это чудом. Это значит, что мы встретились с тем, с чем раньше никогда не встречались и, может быть, больше никогда не встретимся. Чудом мы называем только самое выдающееся, самое уникальное творение природы или человека.

Много веков назад в Греции был создан список самых великолепных, поразительных и грандиозных построек и памятников искусства. За неповторимость и уникальность этих творений человека их назвали Чудесами Света.

Семь Чудес Света – это древнейшие памятники архитектуры, которые по праву считаются самыми великими творениями рук человека. Многие сооружения разных времён и народов поражали воображение не только современников, но и потомков. И тогда говорили: «Это одно из семи чудес света», отдавая дань уважения прославленным чудесам древности, признавая за ними первенство и совершенство. Говорили также: «Это восьмое чудо света», как бы намекая на возможность примкнуть к великолепной семёрке.

Все в мире меняется, и самые выдающиеся сооружения, тысячелетиями вызывающие восхищение людей, к сожалению, не вечны, хотя их век в любом случае больше человеческого. Прежний список семи чудес света, который ещё в IV веке начал составлять греческий писатель Филон Византийский, по мнению многих, безнадёжно устарел. К тому же все 7 Чудес Света до наших дней не сохранились, и «в живых» чудом осталась лишь пирамида фараона Хеопса в Гизе. И поэтому недавно более ста миллионов людей по всему миру проголосовали за новые чудеса света. Никогда ранее в истории не принимало участие так много людей в глобальном решении, и были объявлены семь победителей проекта.

нашим современникам небезразлично культурное наследие прошлого. И поэтому актуальность нашей работы заключается в необходимости познания исторического и культурного наследия, знакомства с мировыми памятниками искусства для того, чтобы человек мог лучше понять своих предков и углубить знания, которые пригодятся ему в современном мире.

Таким образом, цель данного исследования заключалась в следующем: получить целостное представление о Чудесах Света как великих творениях культуры. Перед нами, работающими над данным проектом, стояли задачи: узнать историю возникновения списка семи Чудес Света, обобщить материал о старых и новых Чудесах Света, познакомиться с претендентами, которые не вошли в этот список.

Для решения тех задач, которые мы перед собой ставили, были использованы следующие методы работы: поиск информации, сравнение, анализ, обобщение.

Глава 1. Национальные мифы числа «7».

Происхождение списка «Семи Чудес Света».

Семь Чудес Света - это древнейшие памятники архитектуры, которые по праву считаются самыми великими творениями рук человека. Число 7 было выбрано далеко не просто так. Оно принадлежало Аполлону и являлось символом завершенности, полноты и совершенства. Индийская древняя философия учила, что Вселенная состоит из семи элементов. Древние египтяне считали, что Солнце и все небесные светила поднимаются по семи лестницах и проходят семь ворот. Знаменитый философ Древней Греции Аристотель утверждал, что небесная твердь состоит из семи кристальных сфер. Самая высшая, седьмая сфера, получила название "Седьмое небо". Кстати, именно отсюда идет современное шуточное выражение быть на седьмом небе (от счастья), т.е. "находиться на верху блаженства". Возможно, особое значение для греков имело то, что семь чудес небесной сферы можно наблюдать с Земли невооруженным глазом: Солнце, Луна, Меркурий, Марс, Венера, Юпитер и Сатурн. Эти небесные тела дали свои имена наиболее важным богам античности. В неделе также было 7 дней. Очевидно, такая выдающаяся в истории человечества античная цивилизация нуждалась в существовании именно семи созданных руками человека чудес света.

Первенство составления списка семи Чудес Света древнего мира приписывается Антипатру Сидонскому, который их на века воспел в своем стихотворении:

Видел я стены твои, Вавилон, на которых просторно

И колесницам; видал Зевса в Олимпии я,

Чудо висячих садов Вавилона, колосс Гелиоса
И пирамиды - дела многих и тяжких трудов;

Знаю Мавсола гробницу огромную. Но лишь увидел
Я Артемиды чертог, кровлю вознесший до туч,

Все остальное померкло пред ним; вне пределов Олимпа

5
Солнце не видит нигде равной ему красоты.

Еще одним первым, кто составил список Семи чудес света, стал Геродот, хотя мы знаем об этом только через косвенные доказательства. Геродот, возможно, посетил все семь чудес, которые стали главными туристическими достопримечательностями римской эпохи. Сами греки называли их " theamata ", что в переводе означает "место, которое необходимо обязательно увидеть". Примерно 200 лет спустя подобный список составил другой древнегреческий поэт Каллимах из Кирены.

Глава 2 . Первые Семь Чудес Света.

Древние греки и римляне, как и мы сегодня, находили удовольствие в составлении списков. Составление списков каких-то объектов в определенной последовательности делало их более легкими для запоминания. Никто не знает, сколько было составлено подобных списков на протяжении веков, но после гибели Римской империи, список Семи чудес света уже стал частью западной мифологии. Словосочетание “Семь чудес света” выдержало испытание временем и вошло в большинство языков мира. Оно хорошо известна даже тем, кому трудно назвать эти самые чудеса. Тайны 7 Чудес Света волнуют человечество не одну тысячу лет. Это знаменитый список самых прославленных достопримечательностей античной культуры. Но сейчас наверно и не каждый вспомнит наизусть этот небольшой список полностью. Каждое «чудо» по-своему интересно и имеет какой-то секрет, о котором знали только строители. Самыми первыми Чудесами Света являются такие архитектурные творения, как:

1.Великие пирамиды Гизы

2.Висячие сады Семирамиды

3.Статуя Зевса в Олимпии

4.Храм Артемиды в Эфесе

5.Мавзолей в Галикарнасе

6.Колосс Родосский

7.Александрийский маяк

1. ВЕЛИКИЕ ПИРАМИДЫ ГИЗЫ

Некоторые сюда относят все пирамиды Египта, некоторые великие пирамиды Гизы, но по большей части как чудо воспринимается только самая крупная из них - пирамида Хеопса. Пирамида же считается и самым старым чудом в списке - ее постройку оценивают примерно 2000 годом до нашей эры. Несмотря на свою старость, это единственное сооружение из семи старых чудес света, дошедшее до наших времен.

Египетские пирамиды Гизы на западном берегу Нила к северу от Каира являются единственным чудом света, сохранившимся до наших дней. Три пирамиды - Хуфу, Хефрена и Менкаура - были построены между 2700 до н.э. и 2500 до н.э. как царские гробницы. Наибольшей и впечатляющей является пирамида Хуфу. Занимая территорию больше 5 гектаров, она, как полагают, состоит из более 2 миллионов каменных блоков весом от двух до 30 тонн каждый. Более 4000 лет пирамида Хуфу была высочайшим сооружением в мире. Лишь в 19-м веке человек сумел построить более высокое здание. Удивительно, но почти симметричные пирамиды были построены без помощи современных инструментов и геодезического оборудования. Ученые считают, что египтяне насыпали огромные насыпи вокруг пирамид, на которые при помощи деревянных санок, канатов и валиков поднимали гигантские блоки и затем устанавливали их на место. Наклонные стены должны были имитировать лучи Ра, бога Солнца. Внутри пирамиды имели узкие коридоры и потайные камеры, чтобы исключить ограбления. Хотя современные археологи нашли кое-что среди руин, большинство из того, что находилось в пирамидах, было разграблено в течение 250 лет после завершения их строительства. Вся пирамида была облицована полированной плиткой из белого известняка, она сверкала под суровым солнцем Египта. К сожалению, в 1300 году землетрясение ослабило крепление большинства плиток, и их разобрали на строительство мечетей.

Это единственное сохранившееся до наших дней чудо света из тех семи,

что были изначально. И хотя можно на неё посмотреть и сейчас, всё равно не удастся узнать, каков её первоначальный вид.

2. ВИСЯЧИЕ САДЫ СЕМИРАМИДЫ

Созданные по приказу царя пустынного Вавилона Навуходоносора II для своей жены эти сады должны были утешать и напоминать ей о далекой родине. Имя Семирамиды, ассирийской царицы, появилось здесь по ошибке,
но, тем не менее, плотно закрепилось в истории.

Древнегреческие поэты утверждали, что Висячие сады Семирамиды были построены вблизи реки Евфрат на территории современного Ирака вавилонским царем Навуходоносором II около 600 г. до н.э. В архитектурном плане, Висячие сады Семирамиды представляли собой пирамиду из четырех террас, опиравшихся на колонны. Царь якобы построил Висячие сады, чтобы его любимая жена Амитис не скорбела по своей родной Мидии, покрытой красивыми горами и лесами. На строительство садов, приюта для царицы, были брошены все силы древнего царства, весь опыт его строителей и математиков. Позже авторы описывали, что люди могли ходить под красивыми садами, которые держались на высоких каменных столбах. Современные ученые сделали вывод, что для нормального функционирования садов необходима система орошения, состоящая из насоса, водяного колеса и цистерн для перекачки воды из Евфрата на высоту нескольких десятков метров. Хотя есть немало упоминаний о садах в античной литературе, ни одно из них не может считаться достоверным, тем более что никакого упоминания о садах не было найдено в вавилонских источниках. Археологи также не нашли доказательств их существования. Как результат, большинство современных ученых считают, что существование садов была широко распространенной, но все же выдуманной историей.

3. СТАТУЯ ЗЕВСА В ОЛИМПИИ

Статуя создавалась для храма в крупном религиозном центре Древней Греции Олимпии. Гигантский Зевс скульптора Фидия поразил местных жителей настолько, что они решили, будто сам Зевс лично позировал мастеру.

Авторство знаменитой статуи Зевса принадлежит известному афинскому скульптору Фидию. Когда скульптура была завершена, ее установили в храме Зевса в Олимпии, городе, где с 776 до н. е. по 394 н.э. каждые четыре года проходили Олимпийские игры.

Статуя изображает сидящего бога грома с обнаженным торсом на огромном позолоченном троне. Скульптор вырезал фигуру бога из дерева и обложил его плитами из розовой слоновой кости, поэтому тело, казалось, будто живое. В одной руке он держал символ власти - скипетр с орлом, на раскрытой ладони другой руки стояла статуэтка Ники, богини Победы. На подлокотниках трона были вырезаны две фигуры сфинксов, мифических существ с головой и грудью женщины, телом льва и крыльями птицы. Статуя Зевса украшала храм в Олимпии на протяжении более восьми веков. Христианские священники убедили римского императора в необходимости закрытия храма в четвертом веке нашей эры. В то время статуя была перенесена в храм в Константинополе, где, как считается, была уничтожена во время пожара 462 года. Статуя Зевса была настолько высокой, что его голова почти касалась верхней части храма. Легенда рассказывает, что после установки статуи в храме, Фидий обратился к самому Зевсу с вопросом, доволен ли он работой. Вскоре после этого храм был поражен молнией - таким образом, бог - громовержец выразил одобрение работой скульптора.

4. ХРАМ АРТЕМИДЫ В ЭФЕСЕ

В древнем крутом портовом городе Эфесе особо почитали богиню плодородия Артемиду. В честь нее здесь создали огромный и величественный храм, который попал в список 7 древних чудес света.

На самом деле, существовало несколько храмов Артемиды: серия из нескольких алтарей и храмов были разрушены, а затем возобновлены на том же месте в Эфесе, греческом портовом городе на западном побережье современной Турции. Наиболее известными из этих сооружений были два мраморных храма, построенных, соответственно, около 550 г. до н.э. и 350 г. до н.э. Первый был построен по проекту архитектора Херсифрона, а после его смерти работу завершил его сын Метаген. Украшали храм наиболее знаменитые мастера Древнего мира. Здание сгорело 21 июля 356 г. до н.э. в ночь, когда родился выдающийся полководец мира Александр Македонский.

Примерно через шесть лет, на месте старого началось строительство нового храма. Новое здание имело мраморные лестницы, которые вели по террасе длиной более 120 м. Посередине стояли мраморные колонны высотой 18 м. и статуя Артемиды. Археологи так и не пришли к единому выводу относительно того, имело ли здание потолок, было ли покрыто деревянной черепицей. Храм был разрушен остготами в 262 году н.э. и окончательно уничтожен христианской толпой под руководством святого Иоанна Златоуста в 401 году н.э.

В 1869 году британскому археологу Т. Вуду удалось обнаружить первые руины колонн храма в нижней части реки Кайстер. Храм перестраивался три раза, но, в конце концов, он был полностью разрушен рейдами готов, которые разграбили его и подожгли останки. К сожалению, все, что сохранилось до наших дней это одна колонна, собранная из руин.

5. МАВЗОЛЕЙ В ГАЛИКАРНАСЕ

Богатый царь Мавсол пожелал воздвигнуть мавзолей-храм в Галикарнасе, несравнимый ни с чем по красоте. Над постройкой трудились лучшие мастера того времени. Работы закончились лишь после смерти Мавсола, но это не помешало ему навсегда войти в историю.

Расположенный на территории современной юго-восточной части Турции, Мавзолей в Галикарнасе был построен по приказу царицы Артемизии II для своего мужа Мавсола, царя Карии, после его смерти в 353 г. до н.э. Согласно легенде, она была настолько убита горем, что пила воду, смешанную с его прахом. Массивный мавзолей высотой около 41 метра был построен исключительно из белого мрамора. Сложная конструкция здания состояла из трех уровней. Возможно, это была попытка согласовать ликийский, греческий и египетский архитектурные стили. Камера захоронения находилась на первом этаже. Вместе с саркофагом, усыпальница была изготовлена из белого алебастра и украшена золотом. Второй этаж с 36 ионическими колоннами напоминал по своему строению греческий храм, использовавшийся, скорее всего, для жертвоприношений. Сооружение было увенчано пирамидальной крышей с изображением мраморной колесницы, запряженной четверкой лошадей.

Мавзолей был разрушен серией землетрясений в 13 веке и его останки были использованы рыцарями- иоаннитами для сооружения замка св. Петра. В 1846 году, один фриз мавзолея был извлечен из замка и в настоящее время, вместе с некоторыми другими реликвиями мавзолея, находятся в Британском музее в Лондоне. Оригинальный мавзолей был построен для Мавсола - персидского губернатора. Он был настолько прекрасен, что от него пошло современное слово «мавзолей», обозначающее надземное захоронение. Землетрясения, в конечном итоге, разрушили его, а рыцари госпитальеры использовали оставшиеся камни, для укреплений своих замков.

6. КОЛОСС РОДОССКИИ

В честь великой победы жители Родоса решили построить огромную статую бога Гелиоса. Замысел удалось осуществить, но простояло это чудо недолго, и вскоре было разрушено землетрясением.

Колосс Родосский был огромной бронзовой скульптурой бога солнца Гелиоса, построенный жителями острова Родоса в третьем веке до нашей эры. В начале четвертого века до н.э. город больше года выдерживал осаду воинов Деметрия I Македонского и таки сумел отстоять независимость. Согласно легенде, жители острова Родос продали брошенные македонцами осадные орудия и за вырученные средства решили построить статую почитаемого ими бога Солнца Гелиоса, чтобы отблагодарить его за заступничество. Изготовлена скульптором Харесом, высота статуи составляла 36 м., наибольшая скульптура Древнего мира. Она была изготовлена около 280 года до н.э. и простояла всего шестьдесят лет, после чего была уничтожена землетрясением. Она так никогда и не была восстановлена. Сотни лет спустя, арабы захватили Родос и продали остатки статуи на металлолом. Поэтому, археологи не могут установить точное местонахождение статуи и как именно она выглядела. Большинство считают, что бог солнца был изображен голым, подняв факел в одной руке, и держа копье в другой. Прежде считали, что статуя стояла с широко расставленными ногами по обе стороны гавани, но большинство ученых в настоящее время пришли к выводу, что ноги монумента, скорее всего, находились близко друг к другу, чтобы удерживать его огромный вес.

7 . АЛЕКСАНДРИЙСКИЙ МАЯК

Для навигации кораблей вблизи крупного порта Александрии было решено соорудить крупнейший по тем временам маяк. Здание сразу же затмило стены Вавилона и заняло место в списке семи чудес света древности.

Александрийский маяк был расположен на небольшом острове Фарос, недалеко от города Александрия. Спроектированный греческим архитектором Состратосом и завершенный около 270 г. до н.э. во времена правления Птолемея II, маяк помогал судам благополучно миновать рифы при заходе и выходе из переполненной гавани города. Археологи обнаружили древние монеты с изображением маяка и пришли к выводу, что здание имело три уровня: квадратный в нижней части, восьмиугольный в средней и цилиндрический в верхней. Сверху была установлена статуя высотой 5 м, скорее всего, Птолемея II или Александра Македонского, в честь которого был назван город. По разным оценкам, высота маяка варьируется от 60 до 180 м., но большинство современных ученых определяют его высоту в пределах 120-140 м. Маяк был постепенно разрушен во время серии землетрясений с 956 по 1323 годы. Некоторые из его остатков были обнаружены на дне реки Нил. Александрийский маяк стоял на острове Фарос и был разработан специально, чтобы морякам было проще заехать александрийский порт.

Как и многие чудеса в этом списке, маяк был уничтожен землетрясением и, в конце концов, на его месте и из его руин была построена средневековая крепость.

Глава 3. Новые Семь Чудес Света

Новые семь чудес света - проект, целью которого стал поиск современных семи чудес света. Организован он был некоммерческой организацией New Open World Corporation ( NOWC ) по инициативе швейцарца Бернара Вербера. Итак, победителями конкурса от 7 июля 2007 года стали следующие сооружения:

а)Великая китайская стена -

это самое крупное архитектурное сооружение в мире, протяженность стены составляет 8851,8 километров. Великая китайская стена была построена для защиты северных границ Китайской империи от набегов кочевников. Сегодня
стена по праву считается одним из величайших сооружений, когда-либо построенных человеком;

б)Колизей –

самый крупный из древнеримских амфитеатров, полноправный символ Вечного города, едва ли не самый узнаваемый памятник архитектуры в мире. Его второе название - Амфитеатр Флавиев - получено в честь династии Флавиев, правившей тогда в Древнем Риме и организовавшей постройку амфитеатра. В Колизее долгое время проводились гладиаторские бои и другие
увеселительные зрелища для гостей и жителей Рима;

в) Мачу-Пикчу –

легендарный древний город инков, расположенный на территории современного Перу. Мачу-Пикчу получил прозвище «город среди облаков» благодаря своему местоположению - он находится на вершине одного из горных хребтов, на высоте 2450 метров над уровнем моря. Город был построен правителем инков Пачакутеком как императорская резиденция - «священный горный приют»;

г) Петра –

город, который разместился в долине Арава, в каньоне Сик, со всех сторон окруженном отвесными скалами. Войти в долину можно только через узкие ущелья, которые являются своеобразными воротами города. Большинство построек города выдолблено в скалах из красного песчаника - даже название города «Петра» переводится как «скала»;

д) Тадж-Махал –

мавзолей-мечеть из белого мрамора расположен в городе Агра в Индии, на берегу реки Джамна. Это настоящая жемчужина мусульманского мира, лучший пример архитектуры индийского, персидского и исламского стилей. Великолепный мавзолей построен императором Шах-Джаханом в честь жены, умершей при родах;

е) Статуя Христа-Искупителя –

великолепная статуя на вершине горы Корковаду в бразильском Рио-де-Жанейро. Статуя считается символом Рио и всей Бразилии, входит в число высочайших скульптур в мир; высота статуи составляет 38 метров, размах рук - 30 метров, вес статуи -1145 тонн;

ж) Чичен-Ица –

древний город - политический и культурный центр государства майя, расположенный на полуострове Юкатан в Мексике. По мнению археологов, Чичен-Ица был одним из религиозных центров, так называемых «мест силы» культуры майя.

Глава 4. Претенденты на звание новых семи чудес света

Айя-София

Всемирно известный памятник византийского зодчества, символ «золотого

века» Византии.

Афинский Акрополь

Акрополь в городе Афины, представляющий собой 156-метровый скалистый

холм с пологой вершиной.

Альгамбра

Архитектурно-парковый ансамбль, расположенный на холмистой террасе в
восточной части города Гранада в Южной Испании.

Ангкор

Гигантский индуистский храмовый комплекс в Камбодже, посвящённый богу

Вишну.

Моаи

Каменные монолитные статуи на тихоокеанском острове Пасхи, принадлежащем Чили.

Московский Кремль и Красная площадь

Крепость в центре Москвы и древнейшая её часть, главный общественно-
политический и историко-художественный комплекс города.

Нойшванштайн

Романтический замок баварского короля Людвига II около городка Фюссен и
замка Хоэншвангау в юго-западной Баварии, недалеко от австрийской границы.

Сиднейский оперный театр

Музыкальный театр в Сиднее, одно из наиболее известных и легко узнаваемых зданий мира, являющееся символом крупнейшего города Австралии и одной из главных достопримечательностей континента.

Статуя Свободы

Одна из самых знаменитых скульптур в США и в мире, часто называемая

«символом Нью-Йорка и США», «символом свободы и демократии», «Леди Свобода». Это подарок французских граждан к столетию американской революции.

Стоунхендж

Мегалитическое сооружение в графстве Уилтшир, Англия, представляющее
собой комплекс кольцевых и подковообразных земляных и каменных конструкций.

Тимбукту

Затерянный в песках Сахары город Тимбукту известен во всем мире как один
из крупнейших культурно-исторических центров Африки. Его называют «городом трехсот тридцати трех святых», «жемчужиной средневекового Мали», «королевой пустыни», «Багдадом Черного континента». Средневековый арабский географ Ибн-Халдун именовал Тимбукту «гаванью в пустыне», европейские купцы - «городом золота».

Храм Киёмидзу-дэра

Буддийский храмовый комплекс в районе Хигасияма города Киото.

Эйфелева башня

Металлическая башня в центре Парижа, самая узнаваемая его архитектурная
достопримечательность. Названа в честь главного конструктора Гюстава Эйфеля.

Заключение

Время беспощадно ко всему, что есть на Земле. Но более беспощаден и неразумен сам человек, хотя именно его руками созданы лучшие произведения искусства. Сейчас весь мир следит за тем, как идёт работа по разминированию Пальмиры, чтобы затем приступить к реставрации этого величественного памятника. А многое из разрушенного только в начале 21 века уже никогда невозможно будет восстановить. Поэтому в наших руках спасти то, что ещё можно, чтобы будущие поколения не только по книгам могли любоваться скульптурами, храмами, городами…

Итак, в ходе нашей работе мы познакомились с такими выдающимися культурными памятниками, которые принято относить к «чудесам света». Эти чудеса света помогают в полной мере понять культуру людей, живших до нас. Семь Чудес Света, созданные древними мастерами, продолжают вдохновлять художников, архитекторов и поэтов последующих поколений. Благодаря им, мы можем анализировать то, что было сделано, и использовать это для создания чего-то нового, для усовершенствования нашего культурного и материального мира.

В процессе работы мы узнали много нового и интересного, это позволило пополнить наш интеллектуальный багаж, приобщиться самим и приобщить своих одноклассников к мировому искусству. Очень жаль, что среди претендентов на звание новых семи чудес света от нашей великой России представлен только лишь два памятника: московский Кремль и Красная площадь, а поэтому одна из важнейших наших задач – пропагандировать российское искусство, сохранять культурные традиции, вести просветительскую работу.

Хочется надеяться, что те, кто познакомится с этой работой, углубит свои знания о том, что было создано руками человека и является культурным наследием. Возможно, кого-то вдохновит наш проект, и он продолжит свое

духовное развитие. Проделав эту работу, мы достигли поставленной цели и

существенно углубили свои знания, которые могут пригодиться нам в будущем.

Использованная литература и Интернет - источники.

Барбич В., Плетнёва Г. Зрелища древнего мира. М., 1991.

- Черняк В. 3. - Семь чудес и другие. М., 1990.

IX Уральская межрегиональная конференция
юных исследователей «Интеллектуалы XXI века»

«Поющие картины»

Культурологические науки (Искусствоведение)

МОУ Мирненская СОШ

п. Мирный, 2014

Основная часть 4

1. Взаимосвязь искусств 4

2. Классическое сочетание музыки и живописи 5

2.1. Картины как источник вдохновения 5

2.2. Полифония в музыке и живописи 7

2.3. Музыка, звучащая с русских полотен 8

2.4. Музыка рисует картины 10

3. Современные музыкальные ассоциации 11

3.1. Современные «поющие картины» Д. Долгова 11

3.2. Большое будущее у фото 12

4. Услышанная живопись 13

4.1.Вариант шифрования по узлам картины 13

4.2.Вариант с цветовым шифрованием 13

Список литературы 14

Приложения. 15

Введение

В чем актуальность этой темы? Современные технологии пытаются «озвучить» цифровую фотографию, используя яркость, насыщенность. Но алгоритма создания композиции у них еще нет. И мы попытались найти другой способ «звучания» картин, более доступный, простой. Музыкальное воспроизведение картин предложенными способами можно использовать на уроках МХК, ИЗО, музыки и информатики. В качестве задания: озвучить картину первым или вторым способом. Наука не стоит на месте, и, может быть, найдутся еще сферы применения этого «открытия».

Взаимосвязь искусств проявилась ещё в глубокой древности в странах Латинской Америки, в античной Греции, в Древнем Риме. В древнерусской художественной культуре примеры синтеза представляют собой многие монастырские ансамбли, кремли, церкви. Разнообразие архитектурных форм, их связь со скульптурным декором, фресковой живописью и природным ландшафтом способствовали созданию выразительных композиций, основанных на синтезе в готических ансамблях, где органически сочетались архитектура, скульптура, а также живопись, главным образом, в виде цветных витражей.

В эпоху Возрождения, барокко и классицизм синтез приобрел наиболее сложные и развитые формы. Живопись вдохновила многих композиторов на создание музыкальных произведений. Ференц Лист признавался, что Рафаэль и Микеланджело помогли ему понять Моцарта и Бетховена. А. Вивальди, П. Чайковский открыли миру «песенность» русской природы. Благотворная роль музыки сказалась и на работе художников. «Без музыки я не мыслю жизни», - говорил Репин. И все его картины – это «зримая музыка»

Я выбрала для своей работы именно эту тему, потому что считаю, что она очень интересна, как и само сочетание таких искусств, как музыка и живопись…

В информационном обществе, когда любую информацию можно получить за считанные секунды, актуальным стал вопрос синтеза музыкальных произведений с другими видами искусства. Целью данной работы стало исследование произведений живописи на предмет взаимосвязи с музыкой.

Объект: восприятие живописи через музыку.

Гипотеза: любую картину можно озвучить не ассоциативным методом

Перед нами были поставлены задачи:

Рассмотреть ассоциативное восприятие искусства

Провести параллель между классическими произведениями и современным искусством.

Найти не ассоциативный способ озвучивания картин.

Для достижения поставленной цели мы применяли следующие методы:

Наблюдение

Сравнение

Рассматривали и изучали картины различных эпох и изучали картины современных и классических художников. Изучали исторические особенности создания произведений искусства, анализировали их.

Основная часть

1. Взаимосвязь искусств

В народных обрядах, вокальной и программной музыке, сочинениях для театра и кино музыка выступает в неразрывном единстве с другими видами искусства. Но и "чисто музыкальные" произведения звучат ярче и убедительней в окружении поэзии, живописи, архитектуры. Они помогают создать особую художественную атмосферу, дают глубокие поводы для содержательных сравнений и аналогий. Именно они способны быть ярким стимулом и для самостоятельного творчества, вдохновляя на создание собственных вокальных и инструментальных импровизаций.

Эта связь ценна тем, что на стыке различных видов искусства возникают образные ассоциации. Чем они богаче, тем более творческий характер носит восприятие художественного произведения. Н.Э.Басин и О.А.Суслова в своем пособии «Введение в язык искусства» отмечают пять различных уровней поли художественных ассоциаций.

Самые простые – это ассоциации с видимыми предметами и явлениями мира природы и мира человека. Здесь работает принцип простого визуальноого сходства. Общехудожественные темы и понятия, например, такие как «дом» или «весна», изображенные средствами музыки, живописи, литературы - лежат в основе этого уровня ассоциаций.

Следующий тип ассоциаций связан с физическими ощущениями: тактильными, весовыми, громкостными, динамическими и т.д. Мы этого не видим, но чувствуем при помощи осязания, обоняния, слуха и вкуса. Поэтому «грузная» музыка оказывается эмоционально созвучна темным краскам, монументальной архитектуре и т.п., а звучание в высоком регистре ассоциируется с легкими прозрачными акварельными тонами и тонкой графикой.

Третий вид ассоциаций, это ассоциации, связанные с эмоциональными переживаниями, с оттенками различных настроений. Уныние и радость, гнев и доброжелательность - все эти эмоциональные сферы имеют свое преломление и в музыке, и в литературе, и в живописи. Подборка «эмоциональных оттисков» этих настроений из разных видов искусства, безусловно способствует и более глубокому проникновению в то или иное настроение, эмоцию; и более богатому восприятию конкретного его выражения в том или ином художественном произведении.

Четвертый тип ассоциаций отсылает воображение к образам, хранящимся в нашем подсознании, так называемым архетипам, например, к образам мировых стихий, света и тьмы, материнства, земного и небесного и т.д.

Пятый тип – это ассоциации, возникающие от общения со сложными социально-культурными явлениями, которые включают в себя и зрительные образы, и отвлеченные идеи. В этом случае ассоциации складываются на основе «информации» о каком-либо социальном или культурном явлении, о произведении искусства, стиле, направлении, художнике.

Еще одним важным аспектом является язык искусства. Выразительные средства подчас оказываются очень близкими в разных видах искусства. Это, в первую очередь, его жанровая основа: и в музыке, и в живописи, и в поэзии различаются камерные и монументальные жанры, лирика и эпос; жанры портрета, пейзажа, бытовой зарисовки, ряд других жанровых особенностей.

Существуют также общие закономерности построения произведений искусства: симметрия и контраст, ритм и форма, логика развития, противопоставления главного и фона... Эти и другие "составные элементы" художественного высказывания, опирающиеся на законы человеческого восприятия, будут также родственны в разных видах искусства. И воспринимая эти закономерности через, например, визуальные виды искусства, возможно более наглядно и убедительно раскрыть их и в музыке.

1. Классическое сочетание музыки и живописи
   1. Картины как источник вдохновения

Мелодии обычно вызывают у слушателя определённые мысли и чувства, рождают воспоминания, смутные или более или менее ясные картины когда-то увиденного пейзажа или сцены из жизни. И эту картину, возникшую в воображении, можно нарисовать. А у хорошего художника и сама картина приобретает музыкальность, с полотна, написанного им, как бы звучат мелодии.

«Хорошая живопись – это музыка, это мелодия», - говорил великий итальянский художник Микеланджело

Наивно было бы думать, что каждая картина, на которой изображены люди, играющие на каких-либо инструментах или поющие, «излучает» музыку. Многие художники вообще не думали об этом, хотя часто прибегали к «музыкальным» сюжетам. Первые изображения музицирующих людей пришли к нам из глубокой древности. В Египте на стенах храмов запечатлены целые музыкальные ансамбли – юноши и девушки, играющие на кифарах, лютнях, гобоях. В Древней Греции ни одно изображение певца Орфея не обходилось без лиры, которую он непременно держал в руках. В средние века и в эпоху Возрождения появилось немало полотен и скульптур с поющими ангелами. Святые играли на органе. Или же странствующие музыканты перед восхищённой толпой народа исполняли свои бесхитростные мелодии, извлечённые из волынок, дудочек, виол.

Если до середины XIX века художники занимались музицированием и изображением играющих и поющих людей, то с этого рубежа музыканты начали пытаться передавать в звуках произведения изобразительного искусства.

Начнём с Ференца Листа, который довольно часто в своих сочинениях опирался на вполне определенные картины. В его фортепианном цикле "Годы странствий. Год второй: Италия" есть пьеса под названием "Обручение" ("Sposalizio"). Именно так итальянцы называют алтарный образ Рафаэля Санти "Обручение Марии" - картину совершенно изумительной красоты, просветлённой грусти и мудрости.

Вдохновлённый фреской "Триумф смерти", по одним сведениям принадлежащей кисти Андрея Орканьи, по другим - Амброджио Лоренцетти, Лист создаёт "Пляску смерти" для фортепиано и оркестра, используя мотив григорианского хорала Dies Irae.

Симфоническая поэма "Битва гуннов" написана Листом по мотивам бесспорно лучшего творения Вильгельма фон Каульбаха: величественной фрески с одноимённым названием. Одно время Лист серьезно обдумывал создание целого цикла симфонических поэм, которые хотел назвать "Мировая история в картинах и звуках Вильгельма фон Каульбаха и Ференца Листа".

Вслед за Листом названия картин, на этот раз Арнольда Бёклина, использовал Макс Регер в оркестровой сюите из четырёх симфонических поэм. Это следующие картины: "Отшельник", "Игра в волнах", "Вакхналия" и "Остров мертвых".

Последнее полотно стало источником вдохновения и для Сергея Рахманинова, создавшего свой, довольно мрачный "Остров мёртвых". Музыка Рахманинова полна щемящей тоски, в ней одновременно слышатся и оцепенения безграничной печали, и бурные рыдания, и тревожное предчувствие смерти,

Резким контрастом к музыке Рахманинова звучит музыка фортепианной пьесы "Острова радости" Клода Дебюсси, написанной под впечатлением картины французского художника Антуана Ватто. В мелодических изгибах пьесы можно услышать смех, пение, журчание ручьёв и даже стремительные весёлые танцы.

Всматриваясь в кажущуюся неподвижность хорошей картины, можно увидеть, что она всё-таки полна движения, а это уже свойство музыки. С другой стороны, вслушиваясь в музыкальное произведение, человеческое воображение рисует живописные образы. Таким образом, музыка обретает видимость, а живопись слышимость

На знаменитой картине Сандро Ботичелли (1445 -1510) «Весна» изображена поляна в апельсиновом саду. Вся она усеяна цветами. Ботаники насчитали более 500 цветов («нет и числа их числу»), относящихся к более чем 170 видам. Причём воспроизведены они с фотографической точностью, как например, немецкий ирис в правом нижнем углу. Несмотря на название «Весна», среди них много тех, что цветут летом, и даже зимой.

«Весна» была написана Боттичелли по заказу молодого отпрыска семьи Медичи. В основе сюжета картины «Весна» лежит миф, рассказывающий о том, как весенний ветер Зефир силой своей любви превратил нимфу Хлорис в богиню весны и цветения. Композиция картины построена таким образом, что сюжетная линия развивается справа налево. В правом верхнем углу мы видим летящую фигуру с крыльями в развевающемся плаще. Это Зефир, щеки его раздуты, от его стремительного полета склонились деревья. Ветер весны догоняет убегающую Хлорис. Испуганная нимфа повернула к нему лицо, а руками, словно моля о защите, касается фигуры другой девушки в ярком нарядном платье, убранном цветами, и с венком из цветов на голове. Но та, не замечая ничего, продолжает идти дальше. Она вынимает из складок платья розы и разбрасывает их вокруг. Это богиня цветов и растений Флора – та же Хлорис, но уже в новом облике богини. Платье нимфы почти прозрачно, сквозь него просвечивают цветы на лугу, а в пышном наряде Флоры они создают яркий узор на платье. Эти три фигуры олицетворяют превращение нимфы в богиню цветения и символизируют первый месяц весны, потому что ее началом считалось первое дуновение Зефира. Левее этой группы помещена фигура Венеры, богини любви и красоты. Над ее головой парит Амур со стрелой и луком, вокруг нее расступились полукругом деревья, обозначая смысловой центр картины. Венера стоит, задумчиво склонив голову набок, и правой рукой благословляет трех Граций. Эта группа символизирует второй месяц весны – апрель. На левом краю полотна помещен Меркурий, бог разума и красноречия, покровитель искусств, достойный спутник Граций. Он является олицетворением последнего весеннего месяца, названного в честь его матери Майи. Сопоставим особенности композиции этого живописного полотна с музыкальным произведением с тем же названием. «Весна» - первый концерт в цикле «Времена года» Антонио Вивальди (1678-1741) –наиболее популярном сочинении итальянского композитора в стиле барокко. Каждому из концертов композитор предпослал сонет. Предполагается, что автором стихов является сам Вивальди. Музыка точно следует за образами стихов. Первая часть концерта – «Весна грядет» - открывается необычайно радостным мотивом, иллюстрирующим ликование, вызванное приходом весны, - играет весь оркестр. Вот и Весна, и Венера идет, и Венеры крылатый Вестник грядет впереди, и, Зефиру вослед, перед ними Шествует Флора-мать и, цветы на путь рассыпая, Красками все наполняет и запахом сладким… Ветры, богиня, бегут пред тобою; с твоим приближеньем Тучи уходят с небес, земля-искусница пышный Стелет цветочный ковер, улыбаются волны морские, И небосвода лазурь сияет разлившимся светом Вторая часть – «Сон крестьянина». Вивальди не без юмора нарисовал картину сладкого сна – солирующая скрипка поет мелодию, очень тихое звучание всех скрипок оркестра в мягком ритме изображает шелест листвы, а голоса альтов – лай собаки, охраняющей сон хозяина. Цветов дыханье, шелест трав, Полна природа грёз. Спит пастушок, за день устав И тявкает чуть слышно пес. Послушайте и посмотрите, как здесь слились музыка, живопись, стихи! И невольно задаешь себе вопрос: что написано вначале, картина или музыка? Полифония в музыке и живописи Новый континент, но не на Земле, а в искусстве открыл литовский композитор и художник М. Чюрлёнис. Он стремился сделать свою музыку живописной, а своими картинами вызвать у зрителей ощущение звучащей музыки. «Соната моря» - самая известная живописная сюита Чюрлёниса, литовского композитора и художника. Вселенная представляется мне большой симфонией. Его музыка мягка, лирична, красочна, сдержанно драматична. Она рождена литовскими народными напевами, родной природой – трепетная, как осенний воздух, медлительная и плавная, словно течение рек по равнинам Литвы, неброская, как холмы его родины, задумчивая, точно дымка литовских предутренних туманов. И главное – она живописна. Сочиняя музыку, Чюрлёнис сам видел эти картины «очами своей души». Они жили в его воображении настолько ярко, что композитору хотелось перенести их на полотно. И Чюрлёнис становится живописцем. Не обычным живописцем. А художником-музыкантом. Не оставляя музыки, он пишет одну картину за другой – около трёхсот живописных композиций. И каждая – это философская поэма в красках, симфония живописных ритмов, музыкальных видений. Музыканты называют сонатой сложную инструментальную пьесу, в которой сталкиваются, борясь друг с другом, различные, часто противоположные темы, чтобы в финале прийти к победе основной мелодии. Соната делится на четыре (реже – на три) части. Первая – аллегро – самая напряжённая, быстрая, наиболее активная. В ней конфликт разноречивых чувств с наибольшей полнотой раскрывает душевный мир человека. Эту борьбу трудно передать словами, только музыка способна сделать это. Чюрлёнис решил призвать на помощь живопись. Она тоже бессловесна и порою «звучит», как музыка. Художник задумал создать живописные сонаты, построив их по законам музыкальной формы. Музыка, звучащая с русских полотен

Русские художники и поэты, русские музыканты всегда обладали удивительной способностью глубоко проникать в психологию народа и передавать в своих сочинениях национальный колорит страны.

Невозможно себе представить искусство без природы. Природа и искусство просто неотделимы друг от друга. Пронизанные красотой природы, музыка и живопись смыкаются и взаимопроникают друг в друга. Крупнейший советский музыковед, академик Борис Асафьев высказал мнение, что с картины Алексея Саврасова "Грачи прилетели" русские художники ощутили песенность русской природы, а русские композиторы почувствовали пейзажность русской народной песни.

Так началась пора расцвета русской пейзажной живописи, проникнутой стихией русской песенности и русской музыки, напоённой ароматом поэтической русской природы. Пётр Ильич Чайковский и Исаак Ильич Левитан - наивысшие выражения этих устремлений русского искусства, теснейшим образом сблизивших музыку с живописью.

Поистине непостижимое влияние на Чайковского оказывала таинственная прелесть природы. В одном из писем он восклицает: "Отчего простой русский пейзаж, отчего прогулка летом в России, в деревне, по полям, по лесу, вечером в степи, бывало, приводили меня в такое состояние, что я ложился на землю в каком-то изнеможении от наплыва любви к природе, тех неизъяснимо сладких и опьяняющих впечатлений, которые навевали на меня лес, степь, речка, деревня вдали, скромная церквушка, словом, всё, что составляло убогий русский родимый пейзаж. Отчего всё это?"

Никому из русских композиторов не удавалось так чутко найти мелодию русского пейзажа, как это удалось сделать Чайковскому. И особенно это проявилось в цикле "Времена года", двенадцать пьес которого, посвященные двенадцати месяцам года. Пьесы цикла поражают своей невероятной простотой и столь же невероятной внутренней живописностью. Слушая эти пьесы, мы всегда видим их!

Уже в своей Первой симфонии "Зимние грёзы" композитор звуками рисует чудесные пейзажи зимней дороги и туманного края. Музыку этой симфонии сравнивают с элегическими полотнами Левитана, у которого русские просторы вызывали не менее сильный душевный отклик. Родственники художника вспоминали, что с ранних лет он любил бродить по полям и лесам, подолгу созерцать "какой-нибудь закат", а когда наступала весна, "совершенно преображался и суетился, волновался, его тянуло за город". Уезжая из России, он вскоре начинал тосковать по страстно любимой им русской природе. Так, весной 1894 года он писал А.М. Васнецову из Ниццы: "Воображаю, какая прелесть теперь у нас на Руси - реки разлились, оживает всё. Нет лучше страны, чем Россия... Только в России может быть настоящий пейзажист".

Удивительный дар был у Левитана: всё, что рождалось под его кистью, начинало петь. Вот как описывает картину "Весна - большая вода" один из лучших знатоков русской живописи академик М.В. Алпатов: "Тонкие, как свечки, по-девичьи стройные берёзки выглядят, как те самые, которые искони воспевались в русских песнях. Отражение берёзок в прозрачной воде как бы составляют их продолжение, их отголосок, мелодическое эхо, они растворяются в воде своими корнями, их розовые ветви сливаются с голубизной неба. Контуры этих гнутых берёзок звучат подобно нежной игрустно-жалобной свирели, из этого хора вырываются отдельные голоса более могучих стволов, всем им противопоставлен высокий ствол сосны и густая зелень ели". Обратите внимание на эпитеты. Описывается картина, а слышится музыка, ибо музыкальные сравнения наиболее точно передают душу левитановского пейзажа.

Центральную часть картины «Вечерний звон» занимает река. Ее серо-голубые оттенки мягко воздействуют на смотрящего, словно призывая насладиться спокойствием и магическим очарованием летнего пейзажа. Основной акцент приходится на утопающий в зелени монастырь и колокольню, созерцание которых возносит человека над мирской суетой. Так и хочется задержаться взглядом на залитом вечерними лучами солнца полуостровке: святая обитель, тающие в небе кресты куполов, широкая дорога к вратам монастыря. И.И.Левитан неслучайно изобразил прямо у реки двух одетых в черное иноков. Они настолько малы, что преодоление пути до сверкающей белой арки кажется чем-то невыполнимым. И все же дорога к Богу вдали от искушений света довольно просторна, а осилить ее сможет только идущий.

Верхняя часть картины – небо. Почти белое над лесом, чуть выше – с воздушными облаками и в левом верхнем углу – голубое, небо поражает своей пронзительной красотой. Мастерство живописца позволило Левитану наполнить картину вечерним звоном. В изображенной им небесной выси слышится музыка церковных колоколов, разлетающаяся над верхушками деревьев, рекой с проплывающей по течению лодкой с людьми, крохотным деревянным пирсом и сидящем в небольшой лодке у берега человеком, фигуру которого замечаешь не сразу.

Исаак Ильич Левитан умел находить в любом пейзаже необычайную глубину, гармонично сочетая при этом сложную философию человеческой жизни с девственной чистотой русской природы. (Иван Козлов и музыка А. Алябьева)

Другая картина Левитана "Золотая осень" производит, пожалуй, самое умиротворяющее и целительное впечатление. Согласно созвучно поют краски дивного холста. Всё в этой картине как будто спето на одном дыхании, написано в одно касание. Выгоревшее от летней жары васильковое небо, река, чуть синеющая и холодеющая от бездонных осенних ночей и золотые багряные бурые кущи деревьев и зеленеющий вдали изумрудный клин поля. Золото, багрянец, синь всё это радуга Родины и Левитан, всю жизнь шедший к пониманию этого симфонического строя, наконец постиг его до конца. Он нашел нужный лад, и каждый его мазок звучит чисто полно и верно. Именно с этой картиной созвучна пьеса Чайковского "Осенняя песня" из цикла "Времена года".

Описание Дмитрия Кабалевского музыки этой пьесы наполнено живописными эпитетами: "Печальная полная нежной меланхолии мелодия. Мы видим как сквозь серые, "минорные" осенние тучи все время пытается проникнуть "мажорный" солнечный луч. Вот-вот, кажется, выглянет, но тут же снова скрывается за облаком. Вдруг, проглянул в другом месте, в третьем, кажется, наконец, пробился, но опять всё покрылось грустными серыми тучами... и именно это неосуществимое стремление к солнцу, к светлой мажорной звучности придаёт особую живописную прелесть и особую человечность этой с виду скромной, но подлинной жемчужине русского искусства".

1. Музыка рисует картины

В творчестве другого русского художника, Михаила Александровича Врубеля, мы находим влияние музыкальных произведений. Под впечатлением от оперы Римского-Корсакова "Сказка о царе Салтане" художником была создана картина "Царевна-Лебедь". Известно, что партию Царевны-Лебедь Римский-Корсаков написал для жены Врубеля, известной певицы Надежды Ивановны Забелы, образ которой, несомненно, влиял на написание картины.

Истинная музыкальность - в самой живописи, в том, как мерцают и переливаются воздушные, невесомые краски на первом плане, в тончайших градациях серо-розового, в поистине нематериальной живописной материи полотна, "превращающейся", тающей. Вся томительная, печальная красота образа выражена в этой особенной живописной материи. Очарование родной природы, гордая и нежная душевность сказочной девушки-птицы. Тайные чары все же покоренного злого колдовства. Верность и твердость истинной любви. Могущество и вечная сила добра. Все эти черты соединены в чудесный образ, дивный своей немеркнущей свежестью и особенной величавой красотою.

Считается, что неоднократное прослушивание Врубелем оперы Антона Рубинштейна "Демон" послужила в дальнейшем одним из толчков к написанию серии картин, объединённых демоническим образом: Демон сидящий, Демон летящий, Демон поверженный.

Знаменитая картина Ильи Репина "Иван Грозный и сын его Иван" написана под непосредственным влиянием музыки Николая Римского-Корсакова. Сам Репин писал: "Я слышал новую вещь Римского-Корсакова "Месть". Она произвела на меня неотразимое впечатление. Эти звуки завладели мною, и я подумал, нельзя ли воплотить в живописи то настроение, которое создавалось у меня под влиянием этой музыки. Я вспомнил о царе Иване".

3. Современные музыкальные ассоциации 3.1. Современные «поющие картины» Д. Долгова

Творческие личности, как правило, не ограничивают себя одной областью искусства. Живопись и музыка связаны между собой особыми узами, и не столько сюжетными или творческими, сколько глубоко внутренними, имея под собой одну и ту же основу - многообразные проявления жизни.

21 век. Используя ассоциации, некоторые деятели искусства стали писать музыку на увиденные картины. И родилось понятие «Поющие картины». Что это такое?

Соединить искусство изобразительное и музыкальное – таков замысел организаторов. Идея, родившаяся в Курске, уже «заразила» другие города –Владивосток и Самару.

Оригинальная инсталляция включает сразу два вида искусства – живопись и песню. Идея конкурса – синтез музыки и живописи

Дмитрий Долгов, знакомый по выступлениям на фестивале «Балаклавские каникулы», лауреат Грушинского фестиваля и других международных конкурсов, представил гостям выставки свои новые картины, которые стали фоном для сольного концерта автора.

Инициатор подобного формата мероприятия - севастопольский поэт и бард Андрей Соболев. Как он рассказал, знает Дмитрия как поэта, автора-исполнителя достаточно давно. И увидев его картины, возникла идея совместить живопись и музыку и организовать выставку-концерт, показав творческую многогранность автора.

Дмитрий Долгов профессионально занимается музыкой и является довольно известной личностью в бардовских кругах. Много ездит с концертами по Украине и России. Сейчас автор передаёт свои переживания, ощущения, своё видение того, что происходит вокруг нас, не только через песни, но и через холст.

Живописью он начал заниматься около трёх лет назад. И к этой выставке подошёл с юмором. Помимо представленных портретов, натюрмортов и жанровых работ, выделились три работы, которые как нельзя лучше оправдывают название выставки.

Буквально за несколько недель до открытия выставки у Дмитрия возникла идея сделать несколько ироничных работ. Он купил в магазине недорогие принты, которые по своей сути представляют китч. И решил придать им новое содержание, дорисовав некоторые образы, которые, на его взгляд, соответствуют определённым песням. «Для меня было важно сохранить как можно больше самой картины, которая там была, и поселить в эту картину какого-то своего героя, которого я считаю важным. И тут же меняется смысл всей картины», - рассказал Дмитрий Долгов.

Увидев картину, каждый человек по-своему её интерпретирует. Объяснение того, как видит её автор, прозвучало в его песнях на концерте, благодаря которым также можно было услышать и то, что не удалось выразить с помощью кисти и холста. Среди прозвучавших песен: «Ковыли», «Ялтинская трагическая». К примеру, образ Маруси из русской народной песни отражён в одноимённой работе «Мыла Марусенька белые ноги». Автор изобразил её на принте с городом Чикаго, озером Мичиган. Были подобраны образы также в работах «Напрасно старушка ждёт...»

Кроме того, бард поделился со зрителем моментами вдохновения, которые сопровождали рождение того или иного произведения, полотна, мелодии или стиха. По уверению Дмитрия Долгова, все присутствующие имели возможность убедиться, что песни могут стать музыкальным продолжением визуальных образов, а звуки дополнением картин.

3.2. Большое будущее у фото

А могут ли современные технологии «озвучить» цифровую фотографию? На международной выставке потребительской электроники (CES 2013) было представлено приложение Mhoto. Используя запатентованную технологию анализа свойств изображения, таких как яркость, насыщенность и контрастность, создается оригинальный саундтрек, адаптированный к «ощущениям, которые передает фотография».
Пользователю достаточно загрузить изображение, и он услышит соответствующую композицию. Также у него есть возможность выбрать определенный музыкальный жанр саундтрека: хип-хоп, рок, поп и т.д.

Основатели приложения работали над алгоритмом создания композиции совместно с музыкальным продюсером Dub Killer. Разработчики планируют добавить в приложение функцию распознавания лиц, чтобы саундтрек совпадал с настроением человека на портрете.

Приложение все еще находится в стадии разработки, и официальный веб-сайт предлагает регистрацию заинтересованных бета-тестеров.

Скоро мы сможем «услышать» любую фотографию. Это достижения 21 века!

4. Услышанная живопись 4.1.Вариант шифрования по узлам картины

Говоря о «музыкальности» картин, считают, что это понятие условное – полотна сами по себе, конечно, не издают звуков, даже если на них изображены люди, играющие на каких-либо инструментах.

А я своей работой хочу показать, что картины могут «петь». Вернемся к репродукции Ботичелли «Весна».

В качестве инструмента для создания музыки может служить любой музыкальный инструмент. Самый распространённый – это пианино. В интернете можно найти множество онлайн эмуляторов. На сайте http://pcblogg.com/ представлены интересные варианты. С их помощью мы создаём фрагмент мелодии. Для этого мы анализируем картину. Выбираем основную линию изображения, вдоль которой располагаем нотный стан. Нотами служат лица изображенных. В качестве альтернативы могут использоваться другие узловые моменты картины: кисти рук, стопы, апельсины на ветвях деревьев. Мы получим мелодию. [Приложение 1, приложение 2] Для аранжировки используется стандартное сочетание аккордов.

Используя данный алгоритм, можно заставить звучать любую картину.

4.2.Вариант с цветовым шифрованием

Есть разные направления живописи. Где-то легко определить узловые моменты картины. А если взять абстракционизм М. Ларионова, П. Филонова, кубизм Пабло Пикассо, супрематизм Малевича и других, то мы столкнёмся с трудностями. Для таких картин возможен вариант цветового шифрования.

Возьмём цветовой спектр. Каждый цвет определяет свою ноту, 7 цветов – 7 нот. [Приложение 3] Разбив картину на смысловые области, мы создаём мелодию. Для примера рассмотрим картину К. Малевича «Атлеты». Полученная мелодия представлена в приложении 4

Заключение. Триумф музыки

Таким образом, мы получили продукт – мелодию картины. Музыкальное воспроизведение картин предложенными способами можно использовать на уроках МХК, ИЗО, музыки и информатики. В качестве задания: озвучить картину первым или вторым способом. На информатике: зашифровать какую – либо информацию и заставить звучать и т.д.

Список литературы

Басин Н.Э., Суслова О.А. «Цвет. Звук. Материал: учебно-методическое пособие: Приложение к курсу «Введение в язык искусства». Екатеринбург, 2001.

Тарасов Л. – «Музыка в семье муз»

Казанцева С. А. – «Культурология»

Уильям Ф. Пауэлл – «Живопись»

Варламова Т.Н. Проект «Учимся слушать и понимать музыку» http://rtwiki.iteach.ru

Сергеева Г.П., Кашекова И. Э., Критская Е.Д. «Искусство 8-9 классы» М. «Просвещение» 2013г.

Статья с сайта Гармония «Увиденная Музыка, услышанная Живопись» http://harmonia.tomsk.ru/pages/secret/?19

Статья с сайта Музыкальная фантазия. «Музыка в школе»http://muzk-ira.ucoz.ru/publ/razrabotki_urokov/muzykalnaja_zhivopis_i_zhivopisnaja_muzyka_chjurljonis/8-1-0-51

автор Danka «Синтез музыки и живописи»/"Музыкальность" живописи в творчестве живописцев-романтиков. "Последний день Помпеи" как созвучность оперы Д. Пачини и картины К. Брюллова. Музыкальная и художественная деятельность М.К. Чюрлёниса. Отображение музыки в живописи и картин в симфониях

http://knowledge.allbest.ru/culture/3c0b65635a2ac68b4d43b88421216c37.html

Репродукции картин взяты из интернет-энциклопедии Википедия

http://www.engadget.com/2013/09/09/moto-composes-music-from-pictures/

Вивальди А. Времена года. 1 часть. Весна / К. Херонз - Фонохрестоматия. Искусство 8 класс. М. «Просвещение» 2013г

Вивальди А. Времена года. 2 часть.Сон крестьянина. / К. Херонз - Фонохрестоматия. Искусство 8 класс. М. «Просвещение» 2013г

Чайковский П.И. Осенняя песнь. Октябрь. /Н. Штокман - Фонохрестоматия. Искусство 8 класс. М. «Просвещение» 2013г

Ференц Лист Фортепьянный цикл «Годы странствий» Год второй. Италия. Пьеса «Обручение».

Римский – Корсаков Н.А. Симфоническая сюита ч.9. «Сладость мести»

Рахманинов С.В. Симфоническая поэма «Остров мертвых» Филадельфийский оркестр.

Алябьев А. «Вечерний звон» Хор Сретенского монастыря.

Долгов Д. «Ковыли» слова и музыка Д. Долгова. Альбом «Чуть – чуть надежды»

Приложения.

Картина Ботичелли «Весна»

Цветовая ассоциация аккордов

Мелодия картины: Ботичелли «Весна»

Аккорды: D D S D H F S G

Мелодия картины: К. Малевич «Атлеты»

Аккорды: D A F G D A H S

Муниципальное автономное образовательное учреждение

Средняя общеобразовательная школа № 34

ПРОЕКТ

Тема проекта: «Лубок – живое народное искусство»

Красникова Виктория

Ученица 7 А класса

Руководитель проекта:

Учитель изобразительного искусства

Вакуленко Дина Сергеевна

Томск – 2015 год.

Введение

Сюжеты лубочных картин

Типы лубков

Современность и лубок.

Как мы работали над книгой

Заключение

Список литературы

Приложение: фотоальбом лубочных картинок, пословицы о чтении книг

Цель проекта :

1.Выяснить что такое лубок?

2.Создать и проиллюстрировать книжку о в лубочных картинках.

Задачи:

1. Исследовать как и откуда в Россию пришла традиция иллюстраций в печатных изданиях

2.Исследовать роль лубка в русской культуре.

3.Подобрать материал для создания книжки.

Гипотеза :

Русский лубок – это одна из граней проявления живого народного искусства. Здесь воедино сплетены яркая картинка и живое народное слово, внутреннее представление народного художника о мире и понятный человеку любой социальной группы речевой образ.

Введение

Как прекрасна наша Россия – своими полями, лесами, реками! Как богата наша Россия – драгоценными камнями, золотом и серебром. Но самым бесценным и дорогим, чем владеет наша Россия – это наш народ. Славится русская земля своими мастерами. В каком бы уголке нашей родины ты не оказался, везде встретишь чудо-мастера, прославляющего красоту нашей земли!

Одним из древнейших народных ремёсел на Руси является лубок.

История возникновения и развития лубочной картинки

С середины XVII в. на Руси впервые появились печатные картинки, эти картинки называли «потешными листами», именно юмористические народные картинки, продавались на ярмарках и считались самым массовым видом изобразительного искусства Руси. Во второй половине XIX в. их стали называть лубками.

Кто и почему назвал их «лубочными картинками, лубками» – неизвестно. Может, потому, что картинки вырезали на липовых досках (а липу тогда называли лубом), может, потому, что продавали их в лубяных коробах коробейники, или, если верить московскому преданию, все пошло с Лубянки – улицы, на которой жили мастера по изготовлению лубков.

В XVII столетии Московское царство налаживает всё более и более объёмные торговые связи с Европой. Среди прочих товаров, на Русь попадают европейские печатные книги, чьё оформление отличалось высоким качеством и технической новизной, в Европе уже давно использовалась гравюра на меди, позволяющая изготавливать иллюстрации, карты, богато украшать титульные листы. В России же использовали ксилографию, либо рисованные изображения, для иллюстрирования книг. Состоятельные россияне покупают западные книги с иллюстрациями, гравированные портреты, карты неведомых земель.

В 1692 году в Москве издаётся "Букварь словенороссийского племени". Все страницы в нём нарисованы и выгравированы на меди, каждая посвящена отдельной букве кириллицы, украшена её стилизированным изображением, многочисленными рисунками предметов на эту букву и стихотворным её описанием. "Букварь" первоначально предназначался для царевича Алексея Петровича.

В петровскую эпоху Россию ждали многочисленные реформы, на стыке веков страна преображалась. Вместе со страной преображались и её книги. Лубочная картинка переживала расцвет в петровское время, и самые известные картинки, которые затем переиздавались на протяжении нескольких столетий, были связаны с эпохой Петра.

Петр I приглашает в Россию мастеров гравёров из Голландии.

В середине XVIII века светская литература начинает появляться уже в виде лубочных книжек.

В XIX появляется множество мелких типографий. Один из владельцев типографии был Иван Дмитриевич Сытин, русский предприниматель в области издательского дела и книготорговли, начавший свою карьеру помощником торговца в лубочной лавке, в 1876 в кредит открыл небольшую литографию для издания лубочных картин, в 1883 - книжную лавку и тогда же учредил книгоиздательское товарищество “И.Д. Сытин и К°”. К концу жизни стал крупнейшим негосударственным издателем, направленным, в первую очередь на народное просвещение. Типография Сытина выпускала огромными тиражами дешёвые книги для народа, учебники, календари, энциклопедии, научная литература, газеты, журналы, собрания сочинений русских классиков. Сытин делал попытки «облагородить» лубок, приглашая профессиональных художников, выпуская своеобразные «лубки–плакаты» с портретами писателей и иллюстрациями к их произведениям. Просветительская деятельность Сытина, связанная с пропагандой отечественной литературы, стала ярким явлением в развитии лубка, который существовал в русском обществе вплоть до 1920–х гг В это время в дешёвых вариантах выходят многочисленные переделки Гоголя, Лермонтова, отдельные произведения Пушкина, Тургенева, Салтыкова-Щедрина.

Во время Великой Отечественной воины лубок как вид народной графики был вновь использован Кукрыниксами. Злые карикатуры на фашистских главарей (Гитлера, Геббельса) сопровождались текстами острых фронтовых частушек, высмеивавшими «косого Гитлера» и его приспешников.

Сюжеты картин

Изначально сюжетами для лубочных картин были рукописные сказания, житейники, «отеческие сочинения», устные сказания, статьи из переводных газет. Постепенно помимо религиозных сюжетов, появляются иллюстрации к русским сказкам, былинам, переводным рыцарским романам, историческим сказаниям (об основании Москвы, о Куликовской битве).

Лубки были про все на свете: про разные страны и великие сражения, про крестьянское житье и знаменитых людей, про большие города и причуды природы, про диковинных зверей и важные события. Необыкновенно нарядными картинками люди украшали свое жилье.

Типы лубков

Духовно-религиозные -. Изображения иконного типа. Жития святых, притчи, нравоучения, песни и т. д.

Философские.

Юридические - изображения судебных процессов и судебных действий. Часто встречались сюжеты: «Шемякин суд» и «Ёрш Ершович Щетинников».

Исторические -Изображение исторических событий, битв, городов. Топографические карты.

Сказочные - сказки волшебные, богатырские, «Повести об удалых людях», житейские сказки.

Праздники - изображения святых.

Конница - лубки с изображением всадников.

Балагурник - потешные лубки, сатиры, карикатуры, побаски.

Технология производства лубка

А делалось это так: сначала на доску наносили рисунок. потом специальными резцами вырезали его, на контуры рисунков наносили черную краску. Поверх доски накладывали лист бумаги, прокатывали между валов печатного стана, и рисунок отпечатывался на бумаге.

Рисовали и вырезали лубочные доски мастера из народа. Обучались этому чаще у своих же родителей, родственников и соседей. а вот раскрашивали лубки матери, жены и дочери. Красок употребляли четыре - пять,не больше, но зато самые полыхающие: малиновую, зеленую, красную, желтую. И клали эти краски обязательно контрастно: малиновую с зеленой, желтую с черной, отчего они казались еще ярче, а картинка нарядней. художницы работали только широкими кистями и не соблюдали никаких контуров.

Современные мастера лубочных картинок

Прошли века, и художники, сочетая в своем творчестве традиции древнерусской живописи и народного промысла, создают произведения, отвечающие требованиям сегодняшнего дня.

Современный художник живописец - Марина Русланова создаёт очень яркие позитивные работы в виде лубочных картинок. Её р аботы находятся в галерее "Славянский Дом", в Московском Музее Народной графики, в музее "Царицыно", в интерьере кафе Московского филиала Всемирного банка, а также в частных коллекциях в

России и за рубежом.

2015 год назван годом литературы. В рамках Года литературы,26 января 2015 года, в Санкт-Петербурге состоялась выставка «Русская литература в зеркале лубка»

На экспозиции представлены уникальные образцы лубочной картинки середины XIX - начала XX веков по произведениям русских писателей. Выставка рассказывает об истории лубка, популярных сюжетах, авторах, техниках исполнения.

Среди экспонатов - самое популярное произведение в русском лубке за всю историю его существования - стихотворение «Романс», написанное пятнадцатилетним Александром Пушкиным.

Посетители смогут увидеть лубки, созданные анонимными авторами, многочисленными московскими мастерскими. Среди сюжетов лубочных картинок, представленных на выставке, наиболее востребованные среди простого народа произведения литературы - стихотворение Пушкина «Смерть князя Олега», поэма Лермонтова «Песня про купца Калашникова», басни Крылова, песни на стихи Батюшкова, Некрасова, Кольцова...

Один из разделов выставки посвящён работам издательства Ивана Сытина, в чьих руках сосредоточилось к концу XIX века лубочное производство…

Как мы работали над книгой

Книга обогащает наши знания о жизни, развивает в человеке чувство прекрасного, учит его видеть и понимать красоту самой жизни и красоту художественного слова, литературных образов, картин жизни, которые создает писатель.

Я тоже решила попробовать себя в роли иллюстратора и создать иллюстрированную книгу с пословицами и поговорками о книгах и чтении в лубочных картинках.

Этапы работы над книжкой:

Нашла и исследовала материал о лубке.

Подобрала пословицы и поговорки о книге.

Проиллюстрировала странички.

Оформила книжку так, чтобы можно было добавлять страницы.

Книга готова.

Заключение

Лубок - вид изобразительного искусства, которому свойственна доходчивость и ёмкость образа. Для лубка характерны простота техники, лаконизм изобразительных средств.

В целом можно сделать вывод о том, что рисованные лубочные картинки уникальное историческое и художественное явление, объединившее в себе искусство городской и крестьянской культуры, светского и религиозного начала. Именно этим можно объяснить способность рисованного лубка к творческой переработке художественных приемов книжной миниатюры, иконописи, народного декоративно-прикладного искусства.

Приложение