코로빈콘스탄틴 알렉세비치

코로빈 콘스탄틴 알렉세비치 1861-1939 러시아 화가 (첫 러시아 인상파 중 한 사람), 연극 예술가, 교사 및 작가. 예술가 Sergei Korovin의 형제.

그는 오래된 신자이자 최초의 길드 상인 Mikhail Emelyanovich Korovin의 손자였으며 그의 집에서 유명한 Wanderer Illarion Pryanishnikov가 자주 방문했습니다. 콘스탄틴의 아버지는 좋은 대학 교육을 받았지만 가족의 재산을 구하지 못하고 파산했습니다. Korovin 가족은 Mytishchi (모스크바 근처) 마을로 이사해야했습니다.

Korovin 형제(Konstantin과 Sergey)는 그들의 예술적 능력과 훌륭한 교육 덕분에 귀족 출신의 어머니인 Apollinaria Ivanovna(née Volkova)에게 많은 빚을 지고 있습니다. 남편의 파멸, 시골로 이사, 빈곤에 처한 생활 -이 모든 것이 교육받은 여성이 아들을 키우려는 욕망을 막지 못했습니다.

거의 완전한 빈곤에도 불구하고 Konstantin은 그의 형을 위해 노력하고 유명한 러시아 화가의 환경에 뛰어 들어 모스크바 회화 학교에 입학합니다.

프랑스를 방문한 후 Konstantin Korovin은 작품의 새로운 단계를 시작하고 인상파의 작품, 색상 전달 기술, 색조 감각에 만족합니다. 러시아 북부를 여행하는 동안 Konstantin은 아름다움에 매료되어 열심히 일합니다. 북부의 자연, 색상, 공기, 빠른 날씨 변화는 Korovin의 인상주의 비전과 완전히 결합됩니다. 그의 북부 연구 각각은 경험입니다. 이 기간의 그의 작품은 Pavel Tretyakov가 개인적으로 보았습니다. 그는 "라플란드의 겨울"이라는 그림을 얻습니다.

수년 동안 Konstantin Korovin은 다양한 서클, 전시회 및 협회에 참여하여 러시아 예술 생활에 적극적으로 참여했습니다. 그는 모스크바 회화 학교에서 가르치고 있습니다. 1차 세계 대전 동안 Korovin은 위장에 대한 군대의 컨설턴트로 일했습니다.

1917년 10월 혁명은 예술가에게 영향을 미치지 않았고, 그는 러시아에 남았습니다(Korovin은 마을 출신이고 가난한 가정 출신이기 때문에). 그는 예술 기념물의 보존 및 회계, 경매 및 전시회 조직에 종사했습니다. 그러나 1922년 그는 해외로 나가 프랑스로 이주하여 파리에 정착했습니다. 그가 여생을 살았던 곳.

코로빈의 그림:

1895년 이미 모스크바에서 Korovin은 "북부" 주제를 계속 작성(마감)합니다. "Hammerfest. Northern Lights"가 탄생했습니다. 1896년 전 러시아 전시회가 니즈니 노브고로드에서 열립니다. Konstantin Korovin은 Mamontov의 의뢰로 전시관을 디자인합니다. 아티스트는 디자인에서 "현대적인"스타일을 시도했습니다. Polenov는 Korovin의 작업에 대해 매우 긍정적으로 말했습니다. " 콘스탄틴의 프레스코화가 있는 북쪽 파빌리온은 전시회에서 거의 가장 활기차고 재능이 있습니다.». 1897년 코로빈은 자신의 설계에 따라 오호티노의 네를 강둑에 다차를 세우고 그곳에서 시골 풍경을 그리기 위해 떠납니다. 예술가는 합창단 소녀 Anna Yakovlevna Fidler와 시민 결혼 생활을합니다. 아들 Alexei가 태어나 시민 결혼을 등록했습니다. 1888년 유아기에 사망한 그의 첫 아들을 묻었다. Korovin은 결혼 생활이 불행하고 Anna Fidler와의 관계는 내부 적대감에 이르기까지합니다. 코로빈은 사실혼 부인과 헤어지고 일에 몰두한다. 1898년 그는 개인 오페라를 위한 풍경에 많은 작업을 했고 그곳에서 그는 표도르 찰리아핀과 가까워집니다. Chaliapin을 위해 그는 Ivan Terrible의 의상을 만들었습니다. 1901 - 극장에서 일하는 것 외에도 그는 모스크바 회화 학교(세로프와 함께)에서 가르치기 시작했고 스트로가노프 학교에서 가르치기 시작했습니다. 1900년대에 작가는 연극 무대에서 활발하게 활동하면서 공연과 의상을 위한 풍경을 창조했다. 유명한 그래픽 디자이너가 됩니다. 볼쇼이 극장, 마린스키 극장, 밀라노의 라 스칼라 극장에서도 공연합니다. 그러나 그 자신을 위해 그는 인상주의 스타일로 계속 작업하고 있으며 그림의 주제에서 파리의 풍경을 끊임없이 언급합니다. 그 시기에 회화의 "파리 시리즈"가 탄생했습니다. 1905 - Konstantin Korovin이 학자로 선출되었습니다. 1908 - Korovin의 형인 예술가 Sergei Korovin이 사망했습니다. 이것은 Konstantin의 건강에 영향을 미치며 결국 병원에 입원하게 됩니다. 1910 - 나중에 Korovin의 두 번째 사실혼 부인이 될 극적인 여배우 Nadezhda Ivanovna Komarovskaya를 만났습니다. 1916 - Korovin은 병에 걸려 세바스토폴에서 치료를 받았습니다. 1917 - 혁명적인 사건이 예술가의 정신적 균형을 방해했습니다. 2월 혁명 이후(1917년 4월) 그는 예술가 위원회에 초대되었습니다. 1918 - 그는 노동자 및 농민 대표 위원회 산하 예술 및 고대 기념물 보호 위원회인 조형 예술부의 위원이 되었습니다. 1919 - Korovin은 건강과 심장 문제를 이유로 가르치는 것을 거부합니다. Korovin은 모스크바를 떠났지만 (Okhotino를 위해) 차분한 작업과 창의성이 작동하지 않았습니다. 지방에서 위험해지고 있었습니다. 하지만 이 시간에도 그는 계속해서 열심히 일하고 있다. 1921 - Korovin의 전시회가 Tretyakov 갤러리에서 열립니다. 1922 - 소비에트 러시아의 재능 있고 유명한 사람들의 삶은 불가능 해졌습니다. 떠나지 않고 돌아오지 않는 Korovin의 첫 친구는 F. Chaliapin이었습니다. Korovin 자신은 모스크바의 아파트에서 살아야하지만 그곳에서도 더 이상 평화가 없습니다. 그들은 아파트와 "컴팩트"를 요청하기 위해 끊임없이 그에게 왔습니다. 나이 든 예술가는 친구들에게 도움을 청하고 자신의 피난처를 보호하기 위해 다양한 인증서와 "안전 인증서"를 수집하는 데 에너지를 보냅니다. 1922년 - 그럼에도 불구하고 그는 해외로 나가 파리에 정착했습니다. 코로빈은 여생을 열심히 일하지만 그의 작품은 널리 인정받지 못하고 가난하게 살아가고 있다. Korovin의 삶의 마지막 몇 년 동안 새로운 불행이 그에게 닥쳤습니다. 급격한 시력 상실입니다. 그녀는 그가 순수 예술을 완전히 포기하도록 강요했습니다. 그러나 작가는 계속해서 이야기를 써서 생계를 꾸려나갔다. Konstantin Korovin은 1939년 9월 11일 파리에서 사망했습니다.

예술가 Korovin의 작품은 명랑함, 색채의 폭동, 광대함이 두드러집니다. 창작자는 그림, 연극 의상과 풍경, 문학 창작에 재능을 보였습니다.

짧은 전기

러시아와 프랑스에서 그들의 유산으로 간주되는 작품의 예술가. 1861년 모스크바에서 태어났다. 그는 고귀한 뿌리를 가진 Old Believer 가족 출신입니다. 할아버지가 돌아가신 후 가족은 파산하고 모스크바 근처의 Bolshiye Mytishchi 마을로 이사합니다. Little Kostya는 창의적인 분위기에서 자랐습니다. 그의 어머니는 하프를 연주하고 수채화를 좋아했으며 문학에 정통했습니다. 코로빈은 이 모든 것을 흡수했습니다. 작가는 1875년 형의 뒤를 이어 모스크바 회화, 조각, 건축 학교에 입학하여 경력을 시작했습니다. 그는 2년 연속 학생 작품으로 은메달을 받았지만 상황을 살릴 수는 없었다. 예술가 Korovin의 작품은 독창성, 색상의 밝기 및 "형태의 과도한 가소성"으로 조롱을 받았습니다.

1884년 Konstantin은 Savva Ivanovich Mamontov를 만나 그의 서클에 합류했습니다. Korovin은 교육을 마치려고 하지만 곧 교육 기관을 떠납니다. 그곳에서도 학문적인 마음을 가진 교사들이 그의 그림 혁신을 받아들이지 않기 때문입니다.

80년대 후반과 90년대 초반에 작가는 세 번이나 파리를 방문하며 인상파의 정신에 흠뻑 젖었습니다. 20세기의 시작은 극장에서의 활발한 활동과 그의 모국 학교에서 가르치는 것으로 특징지어집니다.

혁명 이후 시대에 Korovin은 예술 기념물 보존에 종사하고 경매를 개최하고 극장과 계속 협력합니다. 그리고 1922년에 그는 프랑스로 이주하여 그곳에서 17년을 살았고 지상 여행을 마칠 것이었습니다.

교사

독특한 스타일의 형성에 중대한 영향을 미친 교사는 - 그리고 - 운명은 Konstantin을 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에서 데려왔습니다. 자연은 그에게 서정적 인 hypostasis를 드러냈고 삶은 감정적 인 그림으로 분명히 나타났습니다. 그의 교사 Savrasov가 가장 좋아하는 주제는 Korovin 학생이 능숙하게 연주합니다. 작가는 기술 면에서 멘토를 능가하는 그림 "이른 봄"과 "마지막 눈"을 만듭니다.

폴레노프는 콘스탄틴이 인상주의에 대해 처음 들은 사람입니다. 교사의 영향으로 Korovin은 인상주의 정신으로 쓰여진 러시아 최초의 그림 중 하나인 "합창 소녀의 초상화"를 만듭니다. 작품은 마스터 레핀에 대한 분노와 완전한 오해를 불러일으킨다. 많은 동시대 사람들은 부주의하고 거칠고 대담한 스트로크, 밝은 색상 및 러시아 미녀의 잊혀진 주제와 같은 예술가의 기술에 분노했습니다.

극장에서 일하다

Korovin은 그림을 그리는 것뿐만 아니라 뛰어난 재능을 가진 예술가입니다. 80년대에는 데코레이터로 극장과의 협업을 시작했다. 그의 작품은 경쾌함, 색채의 조화, 색채와 물감으로 교묘하게 전달되는 인상으로 구별된다. 조건부 풍경은 비정상적으로 활기차고 밝고 비범하고 감정적 인 색조를 가지고 있습니다.

Konstantin Korovin은 Faust, The Little Humpbacked Horse, Sadko, The Golden Cockerel 공연을 위해 Aida, Lakme, Carmen과 같은 오페라의 풍경과 의상 디자인을 만듭니다. 작가는 어떤 작업을 하든 스케치를 만들 때마다 민족 정신을 명확하게 전달했습니다. 이를 위해 그는 그 나라의 역사적 색채인 민족예술을 깊이 파고들었다.

작가는 볼쇼이 극장과 마린스키 극장, 러시아 개인 오페라, 이탈리아 라 스칼라의 멋진 장면을 디자인합니다. 그는 또한 전 러시아 전시회의 북부관과 파리 세계 전시회의 장식 패널을 만드는 데 장식가로서의 재능을 드러냈습니다.

유명한 그림

Korovin은 사진과 그림의 복제품이 한 세기 동안 매우 인기를 얻은 예술가입니다. 남다른 매력의 비결은 작품 고유의 스타일과 풍부한 감성에 있다. 초기 작품에서도 작가는 빛과 음영의 뉘앙스를 능숙하게 사용합니다. 예를 들어, "Northern Idyll"은 녹색, 빨간색 및 흰색의 오버플로로 가득 차 있습니다. 저녁 자연의 아름다움은 서정적이며 동시에 분명합니다. 시골 생활의 한 장면은 거의 환상적이고 장엄해 보입니다.

Korovin은 그의 작품 "Winter"에서 러시아 마을의 주제를 계속합니다. 그림은 단순하고 서정적이며 진지해 보입니다. 색상의 부드러움은 항상 영혼의 끈에 닿아 당신의 기원을 기억하게 만듭니다.

북한은 항상 예술가를 존경했습니다. 이것은 Korovin의 "Murmansk Shore", "Harbor of Norway", "Pecheneg의 St. Tikhon's Stream" 및 북부 Dvina에 대한 일련의 그림에서 강조됩니다. 위협적인 구름, 예기치 않은 북부 녹지, 넓은 물을 리드. 차갑고 난공불락의 북쪽, 너무나 가깝고도 먼...

모스크바 다리

아티스트 Konstantin Alekseevich Korovin은 훌륭한 러시아 화가, 작가 및 연극 예술가이자 재능있는 교사입니다.

오늘은 정말 위대한 러시아 예술가 Konstantin Korovin에 대해 말씀드리고자 합니다.

작업은 솔직히 말해서 쉽지 않습니다. 문제는 제가 그림에 관한 사이트를 1년 이상 운영해 왔으며 이 사이트를 방문하는 수많은 방문자(그리고 연간 100만 명 이상) 중에서 다음과 같이 주장할 충분한 이유가 있다는 것입니다. 작은 것들”을 작가의 전기로 대다수를 위한 지루하고 중요하지 않습니다.

따라서 질문을 게시하기 전에 항상 질문을 작성하는 방법은 무엇입니까? 두세 문장으로 자세하게 그리고 별자리나 일반적인 획으로. 여기에 Konstantin Korovin의 전기와 같은 이야기가 있습니다 ... 나는 예술가의 삶에서 일어난 가장 흥미롭고 중요한 사건만을 언급하려고 노력할 것이며 (내 의견으로는) 관심이있을 세부 사항은 생략합니다 이미 미술 애호가가 아닌 작가의 전기와 작품을 공부하고자 하는 이들에게.

예술가 Konstantin Alekseevich Korovin의 전기

예술가 Konstantin Korovin은 1861년 상인 가정에서 태어났습니다. 그의 부모님에 대해 더 말씀드리자면, 먼저 한 분을 더 기억하고 싶습니다. 미래 예술가의 운명에 있어 그 역할을 온전히 평가하기는 어렵습니다. 할아버지 Mikhail Emelyanovich입니다. 남자는 전혀 단순하지 않습니다. 한편, 첫 길드의 상인인 얌스크 카트의 주인인 올드 빌리버가 있다. 소리를 느껴보세요. 그러나 또 다른면이 있습니다. 한 번에 Mikhail Emelyanovich는 미래의 유명한 러시아 풍경 화가 Lev Kamenev를 크게 도왔습니다. 할아버지의 집에는 Illarion Priyanishnikov가 자주 손님이었습니다.

그러나 우선 그는 상인이자 가족의 머리였습니다. 그는 아들 (아버지 Konstantin)을 상업에 연결된 대학에 배정했습니다. 그러나 아들은 아버지의 사업 통찰력이 없었고 Mikhail Emelyanovich가 사망 한 후 Konstantin의 아버지는 매우 빨리 사업을 파산으로 이끌었고 가족은 모스크바 근처의 Bolshie Mytishchi 마을로 이사해야했습니다.

초상화 V.A. 세로프

그 순간부터 아이들의 양육 (Kostya와 나중에 예술가가 된 그의 형 Sergei)은 그의 어머니 Apollinaria Ivanovna가 처리했으며, 그는 충분히 그림을 그리고 많은 음악을 연주했습니다.

1875년 콘스탄틴은 형의 뒤를 이어 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에 입학했습니다. 그러나 그는 건축 학부에 입학합니다. 그가 갑자기 건축을 공부하기로 결심한 이유는 무엇입니까? 이 기간 동안 가족은 모스크바로 돌아갑니다. 그들은 함께 살고 있지만 거의 완전한 빈곤 상태입니다. 아마도 이러한 상황은 미래의 예술가가 물질적 측면에서 더 유망한 직업을 선택하도록 촉발했을 것입니다.

1년 동안 Konstantin은 운명과 씨름했고 1876년 그는 오로지 회화만을 다루고 싶다고 단호하게 결정하고 회화과로 옮겼습니다.

그의 교사는 Alexei Savrasov와 나중에 Vasily Polenov였습니다. 미래 예술가의 형성에 가장 큰 영향을 미친 것은 이 두 그림의 거장들이었다.

같은 기간에 Pavel과 Evgraf Sorokin, Vasily Petrov, Illarion Pryanishnikov와 같은 덜 진지한 회화 마스터가 학교에서 일했다고 말해야합니다. 이 교사들에 대한 회고록에서 Korovin은 친절한 말을 아끼지 않았지만 ... 그가 쓴 내용은 다음과 같습니다.

그들은 예술가였고 우리가 그들의 후계자가 된 것과 같은 방식으로 그들의 모든 것을 이어갈 것이라고 생각했습니다. 그러나 그들은 우리에게 우리 자신의 사랑이 있고, 우리 자신의 눈이 있고, 마음은 그 자신에게서 진실, 그의 아름다움, 그의 기쁨을 찾고 있었습니다. 여기서 Savrasov의 워크샵은 또 다른 문제입니다. Savrasov, 이것은 별개였습니다.

1882년 Savrasov는 심각한 질병으로 학교를 떠났습니다. Konstantin이 St. Petersburg Academy of Arts에 입학하게 된 것은 이 사건 때문이라고 가정할 수 있습니다. 그러나 그는 학원에서 공부한지 몇 달밖에 되지 않았습니다. 예술가 자신이 자신의 삶의이 기간을 회상하는 방법은 다음과 같습니다.

이 멋진 아카데미에서 예술의 정신은 나에게 너무나 생소했습니다. 즉, 일부 연극 소품의 작업인 하찮은 것에 대한 관례와 진지함이었습니다.

Korovin은 모스크바 학교로 돌아가서 떠난 Savrasov를 대체 한 Polenov의 수업에 빠지게됩니다.

Polenov는 학교에 너무 관심을 갖게되어 봄에 답답한 방의 창문을 여는 것처럼 신선한 개울을 학교에 가져 왔습니다. 그는 순수한 그림에 대해 처음으로 이야기했습니다. 쓰여진대로 그는 다양한 색상에 대해 말했습니다. 이것이 Korovin이 자신의 가르침을 기억한 방법입니다.

그리고 학생들에게 인상주의에 대해 말한 사람은 폴레노프였습니다. 인상파의 정신으로 Korovin을 "감염"시킨 사람은 바로 그 사람이었습니다.

그리고 1883년에 콘스탄틴은 "합창 소녀의 초상"이라는 그림을 그렸는데, 이 그림은 나중에 "러시아 인상주의의 첫 징후"라고 불렸습니다.

학교 행정부는 Konstantin의 작품에 주어진 주제에 대해 상을, 두 번은 작가의 작품에 은메달을 수여하지만 ... 그는 다르게 글을 쓰려고하는 것을 용서하지 않았습니다. 1884년에 코로빈은 "비계급 예술가"라는 칭호를 받았습니다. 학교의 벽 안에서 2년 동안 더 열심히 일했지만 최고 등급인 "반 예술가"를 달성하는 데 도움이 되지 않았습니다. 교사들은 완강했고 신참을 거칠게 처벌했습니다. 공평하게, 나는 그러한 신생이 Korovin뿐만 아니라 "비 계급 예술가"라는 칭호와 함께 Levitan도 학교의 벽을 떠났다고 말할 것입니다.

그리고 Polenov는 부당하게 처벌받은 예술가들을 구출했습니다. 그는 졸업생을 Savva Mamontov에게 소개했습니다. Savva Ivanovich는 젊음을 좋아했고 그들을 그의 날개 아래에 두었습니다. 그때부터 코로빈은 극장 데코레이터로 많이 일했다. 아아, 보존된 풍경의 스케치는 거의 없지만 동시대 사람들은 작가 작품의 특별한 경쾌함에 주목했습니다. 다음은 그의 작업의 이 단계에 대해 Korovin이 말한 것입니다.

색상, 색채 인상, 페인트 및 색상의 조화에 대한 검색 - 그 자체로 극장 관객에게 큰 즐거움을줍니다 ...

그의 풍경을 가진 예술가는 그의 소리로 작가의 구절에 영감을 주는 가수와 같은 일을 한다. ... 수행자와 관련하여 그의 의무는 색채의 배경에 대해 후자의 척도를 강조하는 것이다.

1887년 코로빈은 파리로 떠났다. 위대한 도시는 놀랍고 영감을 줍니다.

스물여섯 살에 이곳에 처음 왔을 때 나는 파리에 놀랐다.

Puvis de Chavannes - 얼마나 아름다운지! 그리고 인상파 ... - 나는 모스크바에서 집에서 나를 많이 꾸짖는 모든 것을 찾았습니다.

이제 나는 작가의 영적 충동에 관한 것이 아니라 "빛과 공기로 가득 찬 그룹 구성", "색상과 은색 반사의 순수성", "광도"에 대한 그의 작업에 대한 새로운 비전의 획득에 대해 써야 할 것입니다. 동시에 경쾌함”. 당신은 생각하지 않습니다 - 나는 비웃지 않습니다. 이것은 매우 중요하지만 예술가의 창조적 발전에 대한 깊은 이해를 위해서는 내 이력서가 아닌 그의 회고록을 보는 것이 좋습니다. 이 모든 것을 두세 문장으로 설명할 수는 없지만, 우리는 전기가 가능한 한 짧을 것이라는 데 동의했습니다.

1892년, 작가는 다시 프랑스를 방문하여 1년 동안 거주하며 작업합니다. 이번 여행은 코로빈 작품의 또 다른 무대다. 그는 가장 세심한 방법으로 현대 프랑스 회화를 연구합니다.

물감, 빛의 아름다움을 느끼십시오. 그것이 예술이 표현되는 것입니다. 조금, 그러나 진정으로 진실하고, 자유롭게, 음조의 관계를 즐기십시오. 어조, 어조는 더 진실하고 냉정하며 만족합니다. 톤의 플롯을 찾아야 합니다. 느끼지 못하기 때문에 기분이 나쁩니다.

다음은 그가 Apollinary Vasnetsov에게 쓴 내용입니다.

그는 거의, 거의 아무것도 쓰지 않았으며, 하나님에 의해, 연구했습니다. 프랑스인은 글을 잘 쓴다. 잘했어, 젠장! 모든 것이 새롭지만 지금까지는 진리의 논리 방향에 있습니다. 예술은 영구적이고 지루하지 않습니다. 무결성은 거래되지 않으며 일부 무모한 사람입니다. 고통스럽게도 이 기술은 유독합니다. 이후에는 아무 것도 쓸 수 없습니다.

코로빈은 러시아로 돌아와 러시아 북부 여행을 준비한다. 이 여행은 북부 철도를 건설하기로 결정한 Savva Mamontov가 조직했습니다. 그리고 러시아 북부를 대중화하기 위해 그는 Korovin과 Serov를 창조적 인 탐험에 보내기로 결정했습니다. 예술가들은 러시아 대중에게 자신의 작품으로 관심을 가져야했으며 이는 북부 땅의보다 적극적인 개발을위한 일종의 자극이 될 수 있습니다.

당신은 Savva Mamontov가 괜찮은 흡혈귀라고 생각할 수도 있습니다. 파리에서 예술가를 데려다가 북쪽으로 보내십시오. 아니요, Savva Ivanovich는 사람들에 대해 잘 알고 있었습니다. 다음은 Korovin 자신이 자신의 여행에 대해 쓴 것입니다(Serov의 회고록에서).

얼마나 멋진 땅, Wild North! 그리고 여기에는 사람들의 악의가 한 방울도 없습니다. 그리고 여기에 인생이 무엇인지, 그것에 대해 생각하고, 얼마나 아름다움을! .. 토샤, 나는 여기에 영원히 머물고 싶습니다.

북쪽의 예술가가 쓴 작품은 대중을 놀라게 했고 비평가들은 "코로빈의 글의 경박함"에 대해 이야기하는 것을 영원히 낙담시켰습니다. 게다가 이 작품들이 너무 좋아서 코로빈의 옆에서 일하던 세로프는 '은비늘'의 영향을 받았다.

그 후 Igor Grabar는 다음과 같이 썼습니다.

이것은 의심 할 여지없이 파리에서 트릭을 가져 와서 모든 모스크바 친구들을 감염시킨 Korovin에서 온 것입니다.

19세기의 마지막 10년 동안 Konstantin Korovin은 전시관을 디자인하고 개인 오페라를 위한 풍경을 준비했으며 같은 기간 동안 그가 Ivan Terrible의 의상을 만든 Fyodor Chaliapin과 가까워졌습니다. 썼다.

나는 모든 스케치, 그림, 풍경, 전시관, 연극 의상 스케치를 나열하지 않을 것입니다. 이 기간 동안 만들어진 모든 것을 간단히 나열하는 것만으로도 많은 시간이 걸리며 장점, 비평가의 리뷰에 대해서도 이야기해야 합니다. , 등 등 .P. 따라서 귀하의 허락하에 귀하와 이전에 체결한 계약에 따라 이 목록을 게시하지 않을 것입니다. 많은 작업이 완료되었습니다. 네, 1901년부터 Korovin은 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교에서 가르치기 시작했습니다.

마지막으로 예술가에게 공식 인정이 옵니다. 1905년 그는 학자로 선출되었습니다. 그는 열심히 일하지만 그의 개인 생활은 무너집니다. 결혼은 실패했다. 1913년 코로빈의 첫째 아이는 죽고, 화가가 순수하게 사심 없이 사랑했던 막내아들은 1913년 전차에 깔려 다리를 잃었다. 같은 기간에 형 Sergei Korovin이 사망합니다.

대중은 이 사실을 전혀 모릅니다. 예술가 자신은 고통을 공유하고 싶지 않으며 창의성에 대한 자신의 특별한 견해를 가지고 있습니다.

아름다움과 삶의 기쁨. 이 기쁨의 전달은 그림의 본질, 내 캔버스의 조각, 내 자아 ... 나에게는 방향도 패션도 없습니다. 인상파도 큐비즘도, 이즘도 없습니다. 이것은 나입니다. 이것은 삶을 위한, 기쁨을 위한 나의 노래입니다. 이것은 이교입니다. 그래서 나는 ... 예술, 우정, 태양, 강, 꽃, 웃음, 잔디, 자연, 도로, 색상, 페인트, 모양을 좋아합니다.

그는 열심히 효율적으로 일합니다. 창 밖에서 혁명이 일어나고 있으며 그는 계속해서 글을 쓰고 있습니다. 나는 Konstantin Korovin의 혁명에서 1922년 이민까지의 기간을 설명하고 싶지 않습니다. 이것은 광기와 가증한 것입니다.

그러나 파리에서의 삶은 혁명 이후 러시아에서의 삶보다 약간 더 나은 것으로 판명되었습니다. 그림은 적은 돈으로 샀고 로열티는 빈약했습니다. 프랑스 인은 그림의 유행을 바꿨고 러시아 이민은 단순히 예술가의 그림과 문학 작품에 돈이 없었습니다.

1939년 러시아 예술가 Konstantin Korovin이 갑작스러운 심장마비로 길에서 사망했습니다.

Konstantin Alekseevich Korovin의 그림

"어업". 니즈니 노브고로드 박람회의 극북관을 위한 패널 스케치
장미와 제비꽃
장미
북부 목가
테라스에서
꽃과 과일
장미와 사과
표도르 찰리아핀
젬머페스트. 북극광 발코니에서. 스페인 레오노라와 암파라
크림. 구르주프 제등 여름
개울
생선, 와인 및 과일
가을. 다리 위에
사라토프 지방의 아욱 가을 장미와 과일
바다로
가장 무도회 파란 꽃병이 있는 정물 라일락 꽃
티 테이블에서
구르주프 파란 꽃병이 있는 정물 의자에 앉은 여자
구르주프
세바스토폴의 저녁 장미와 과일이 있는 정물 열린 창에서
구르주프의 부두 장미 겨울 태양
기타와 소녀 파란 항아리에 장미
한련
다리

코로빈 콘스탄틴 알렉세비치-, 러시아 화가.

콘스탄틴 코로빈의 초상
저자 - 발렌틴 세로프

그는 A.K. Savrasov와 V.D. Polenov 아래에서 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교(1875-86)와 상트페테르부르크 예술 아카데미(1882)에서 공부했습니다. 그는 1923년부터 모스크바에서 해외에서 일했습니다. 1885-91년과 1896-98년에 모스크바 사립 러시아 오페라 S. I. Mamontov의 장식가, 1903-10년에 볼쇼이 극장의 예술가, 1910년부터 모스크바 제국 극장의 수석 장식가이자 예술가 컨설턴트. 그는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교(1901-18)와 국가 자유 미술 워크샵(1918-1919)에서 가르쳤습니다. 학생들 사이 - A. M. Gerasimov, S. V. Gerasimov, B. V. Ioganson, P. V. Kuznetsov, I. I. Mashkov, L. V. Turzhansky, K. F. Yuon. 그는 "예술의 세계"와 러시아 예술가 연합의 협회 회원이었습니다. 이미 초기에 그는 가장 큰 사실주의 예술가 중 한 명으로 떠올랐으며 러시아 회화의 평원의 대가, 풍경화, 풍속화 및 초상화의 작가("Northern Idyll", 1886, "At Balcony", 1888-89 , "겨울에", 1894, - 모두 Tretyakov 갤러리에 있음, T. S. Lubatovich의 초상화, 1886-87, 러시아 박물관, 레닌그라드), 삶에 대한 밝은 사랑, 색상의 미묘함과 풍부함, 즉각성과 감각의 신선함으로 현저함 세계, 자연, 햇빛.
Korovin은 그의 기념비적이고 장식적인 구성에 역동성과 그림 같은 특징을 도입했습니다(1896년 니즈니 노브고로드에서 열린 러시아 북부 전시회와 파리에서 열린 1900년 세계 전시회에서 러시아 북부를 주제로 한 패널). 프랑스 인상주의의 업적을 깊이 인식하고 변화무쌍한 순간적 인상을 전달하고자 하는 20세기 전환기의 코로뱅. 1910년대에 반짝이는 색, 충동적인 스케치 쓰기("Paris Cafe", 1899-1900, Tretyakov Gallery)처럼 빛으로 변했습니다. - 넓은 임파스토, 종종 밝은 장식, 두꺼운 포화 색상의 그림 (F. I. Chaliapin의 초상화, 1911, 러시아 박물관). 연극화의 개혁가인 K.는 뮤지컬 공연의 아이디어와 분위기와 정서적으로 연결된 새로운 유형의 다채롭고 장엄한 풍경을 창조했다(Pugni의 The Little Humpbacked Horse, 1901, Glinka의 Ruslan과 Lyudmila, 1907, Rimsky-Korsakov의 Golden Cockerel, 1911) - 모스크바 볼쇼이 극장에서). 프랑스로 이주한 K.의 후기 작품은 표면적인 장식성이 특징이다.

러시아 예술가 KOROVIN KONSTANTIN ALEKSEEVICH(1861-1939) 2부

러시아 예술가 KOROVIN KONSTANTIN ALEKSEEVICH(1861-1939), 3부

"코로빈에 대해서는 이미 그의 그림이 최신 프랑스 인상파 화가들의 모조품이라는 의견이 여러 차례 표명된 바 있지만, 그의 개인적 특징을 표현한 부분을 자세히 살펴보면 화해가 다소 피상적임을 알 수 있다. 색상, 색조의 조화, 즉 코로빈이 작업의 기초로 삼는 측면은 현대 프랑스 인상주의와 매우 첨예하게 다릅니다.후자는 빛과 다소 밝은 색상 범위가 특징입니다. 그의 예외적인 특징인 어둡고 간신히 착색된 범위로." (엔도스킨, 아티스트)

러시아 예술가. 1861년 11월 23일(12월 5일) 모스크바에서 오래된 신자 상인의 가족에서 태어났습니다. 그는 모스크바 회화, 조각 및 건축 학교(1875-1886)(A.K. Savrasov와 V.D. Polenov의 지도 하에)와 상트페테르부르크 예술 아카데미(1882)에서 예술 교육을 받았습니다. 많이 여행했습니다(코카서스, 크림, 북부 러시아, 중앙 아시아, 서유럽). 그는 "예술의 세계"와 "러시아 예술가 연합"협회의 회원이었습니다.

주인의 초기 그림에서 상징주의와 현대성의 특징이 나타납니다("발코니에서. 스페인 여성 레오노라와 암파라"; "북부 짧은 서사시", 둘 다 1886년 작품). 수년에 걸쳐 그의 예술은 다채로운 즉흥, 역동적이고 유동적이며 관능적인 획의 유희, 풍경(북부, 파리, 중부 러시아, 크림 모티프), 정물(전형적인 코로빈의 "장미") 및 초상화( "F.I. Chaliapin", 1911, 러시아 박물관). 다채로운 공연으로서의 세계의 유기적 감각은 그의 디자인 프로젝트(1896년 니즈니노브고로드의 전러시아 전시회, 1900년 파리 세계박람회의 전시관)와 연극 작품(상트페테르부르크의 마린스키 극장과 알렉산드린스키 극장을 위한 전시관)에서 표현되었습니다. 상트페테르부르크, 모스크바 볼쇼이 극장, 1901-1911). 그는 또한 뛰어난 교사로 자리 매김했습니다(1901-1919년 그는 회화, 조각 및 건축 학교와 자유 미술 워크샵에서 가르쳤습니다).

1923년 해외로 떠나 파리에 정착했다. 화가와 세트 디자이너로 활발히 활동. 망명 중에 작가이자 회고록 작가로서의 그의 재능은 번성했습니다(보통 Vozrozhdeniye 신문에 게재됨).

자화상. 1938년
캔버스, 오일. 60x49.5cm.
,
세인트 피터스 버그.

작가의 마지막 자화상(1938)은 생생한 표현력으로 그려진다. 표현된 감정의 깊이, 자신감 넘치는 머리 조형으로 이 작품은 중환자가 썼다고 할 수 없다. 그러나 결핍과 고통은 일종의 경계심에 반영되는데, 이는 렘브란트식의 무언가가 나오는 얼굴을 주의 깊게 들여다보면 읽을 수 있습니다. 그리고 이듬해인 1939년, 코로빈은 심장마비로 길에서 갑자기 사망했습니다.
코로빈은 1939년 9월 11일 파리에서 사망했다.

콘스탄틴 코로빈 러시아 인상주의

Korovin의 이름은 러시아 회화에서 인상주의의 형성과 관련이 있습니다. 이는 프랑스에서 시작되어 19세기 마지막 분기에 유럽 미술에 널리 퍼진 경향입니다.

1883년 코로빈스키의 "합창 소녀의 초상"은 러시아 인상주의의 첫 작품으로 여겨진다.

"합창소녀의 초상"
1883
캔버스에 유채 53.2 x 41.2
국가 Tretyakov 갤러리
모스크바

미래의 예술가를 형성하기 위해 많은 일을 한 사람은 폴레노프였습니다. 그의 쇠퇴기에 Korovin은 다음과 같이 회상했습니다. "폴레노프는 학교에 관심을 갖게 되었고 봄에 답답한 방의 창문을 여는 것과 같이 신선한 흐름을 학교에 가져왔습니다. 그는 순수한 그림에 대해 이야기한 최초의 사람이었습니다. 그는 다양한 색상에 대해 이야기했습니다." 새로운 교사와 1881-1882년에 그가 동양에서 가져온 일련의 스케치의 영향은 의심할 여지 없이 그 당시 모스크바 학교와 러시아 회화에서 예상하지 못했던 합창 소녀의 초상(1883)에서 두드러집니다. 순수한 색상의 명확한 조화. 이 젊은 작가는 변화하는 빛과 공기 환경 속에서 살아 숨 쉬는 인간의 모습을 그리는 문제를 훌륭하게 해결했다. 그의 무작위 모델 - 약간 우스꽝스러운 모자를 쓰고 손에 부채를 들고 있는 못생긴 젊은 여성 - 그는 햇볕이 내리쬐는 공공 정원을 배경으로 테라스에서 포착했습니다.

그림은 실행이 예기치 않게 새롭고 작업 측면에서 이해할 수없는 것처럼 보였으므로 (Serov의 "태양에 의해 조명 된 소녀"는 5 년 후에 나타날 것입니다) 캔버스 뒷면에 작가의 비문으로 판단하는 Polenov는 심지어 다음과 같이 조언했습니다. 그의 애완 동물은 그것을 전시하지 않습니다. 동시에 Levitan의 풍경 "The First Green. May"(1883), "The Bridge. Savvinskaya Sloboda"(1884) 및 "합창 소녀의 초상"이 같은 교사의 스튜디오에 등장한 것이 흥미 롭습니다. , 러시아 회화에서 인상주의의 초기 예입니다. 이상한 방식으로 Korovinskaya 합창 소녀는 Auguste Renoir의 여성 초상화와 유사한 것으로 판명되었습니다.

가을(가을). 1888-1891. H., M. 175x132.
니즈니 노브고로드 주립 미술관
니즈니 노브고로드

배에서 1888년

구성의 인상주의적 구성의 원칙은 Korovin이 자신과 Maria Yakunchikova를 묘사한 In the Boat(1888) 작품에도 나타납니다. 프레임으로 잘린 보트는 대각선으로 설정됩니다. 그 그림은 비대칭으로 심어 져 있습니다. 덕분에 배가 물 위에서 천천히 흔들리는 불안정한 느낌이 전달된다. 이 작품의 플레인 에어 페인팅은 화가가 여름에 대한 일반화 된 이미지를 만드는 데 도움이됩니다.

봄. 1917년

"타티아나 스피리도노브나 류바토비치의 초상"
1880년
캔버스에 유채 160 x 84
국립 러시아 박물관
세인트 피터스 버그

발코니에서. 스페인 레오노라와 암파라. 1888-1889

사진 발코니에서. 스페인인 Leonora와 Ampara는 Korovin의 창의적인 유산 중 최고 중 하나입니다. 신중한 색 구성표가 놀랍도록 조화를 이루고 구성 구성이 자연스러운 그녀는 러시아 및 국제 전시회에 반복적으로 참석했습니다. 그녀와 함께 Korovin은 상트페테르부르크에서 열린 여행 미술 전시회 협회(Association of Traveling Art Exhibitions)의 XVII 전시회에서 출품자로 데뷔했습니다. 1900년 파리 만국 박람회에서 금메달 중 하나가 이 작은 작품으로 바로 수상했습니다. 그리고 Savva Mamontov가 예술가로부터이 그림을 구입 한 것은 아무 것도 아닙니다.
아마도 작업은 1888년 스페인에서 시작되어 1889년 모스크바에서 끝났습니다.

여름. 1895년

사람과 그를 둘러싼 세계의 조화, 존재의 불가분성 - 이것은 Dacha와 임계 값의 소녀, 아마도 여름의 그림에서 특히 밝게 표현되는 것입니다.

하얀 드레스를 입은 여성이 태양에 의해 밝게 빛나는 라일락의 향기를 들이마십니다. 덤불은 매우 육즙이 많고 움직이는 획이 넓어서 보는 사람도 그의 숨결, 꽃 향기를 느끼는 것 같습니다. 그러나 인간의 모습도 널리 쓰입니다. 드레스, 손, 여성의 얼굴을 칠하는 데 사용되는 획은 인물의 윤곽을 깨고 녹색 덤불과 연결됩니다.

종이 등불. 1898년

그림 Paper Lanterns(1895)에서 미묘한 색상 하모니 대신 대조되는 색상 조합을 통해 울려 퍼지는 다채로운 코드를 볼 수 있습니다. 작가는 밝은 빨간색 스웨터(코로빈의 미래 아내 안나 야코블레브나 피들러)를 입은 어린 소녀를 묘사하고 화려한 중국 제등에 불을 붙였습니다. 파란색, 진홍색-분홍색은 재킷의 붉은 반점과 함께 짙은 녹색을 배경으로 매우 강렬한 색상입니다. 이 시기 코로빈 작품의 특징인 음영의 조화는 페이퍼 랜턴에서 의도적으로 서로 다른 색상의 대조적인 대조로 대체됩니다. 한 소녀가 들고 있는 등불의 인공 조명과 여름 황혼의 조명의 조합도 대조적이다. 일반적으로 이미지는 눈에 띄는 장식 효과, 긴장을 얻었습니다.

가을. 1917년

Moskvoretsky Bridge의 캔버스에는 다리 위의 사람들과 트램, 그리고 하얗게 눈에 띄는 종탑과 성 바실리 성당이 있는 건축물 등 모든 것이 채색된 반점으로 쓰여져 있습니다. 그림에서 위에서 묘사된 것과 다소 희게 된 색 구성표를 유지하면서 마스터는 왼쪽에 크렘린 앙상블의 조각을 소개하여 모스크바 강으로 내려가는 탑의 규모를 명확하게 설명합니다. 다리 위를 지나가는 트램은 그림에 따라 아주 명확하게 해석되어 있지만, 난간을 따라 걷는 사람들은 일반화된 방식으로 스팟에 주어진다. 다색 간판으로 서로 달라붙어 있는 전형적인 옛 모스크바 가옥, 작품의 색인 뜨거운 여름 태양을 전달하기 위해 다소 희게 전체에 다성 색을 도입하는 등 모든 건축 구조의 디자인 특징이 잘 읽힙니다.
아마도 Korovin의 다른 작품에 이어 Moskvoretsky Bridge는 회화적으로는 더 건조해 보이지만, 빈 전경과 멀리 해안에 연속 건물이 있는 엄격하게 검증된 구성 솔루션 덕분에 모스크바 건물에 대한 넓은 시야가 우리에게 열립니다. , 그 위로 리드미컬하게 조직된 고대 건축 기념물이 있습니다.

겨울 황혼

"티 테이블에서"
1888
판지에 캔버스에 유채 60.5 x 48.5
V. D. 폴레노프 하우스 박물관

겨울 태양입니다. 1919년

의자에 앉은 아줌마. 1917년

ZN Pertseva의 초상화입니다. 1921년

KONSTANTIN KOROVIN, 러시아 남부 - Gurzuf, Krasnokamenka, Alupka, Sevastopol, Crimea.

Korovin의 그림은 항상 휴일이며 항상 발견입니다. 일상적이고 익숙한 모티프들 - 해변, 구시가지의 거리, 통나무집 근처의 말 또는 물고기와 과일의 정물, 밤의 거리 또는 정원의 소녀 -는 작가의 밝고 강렬함으로 변형된다. 경험.

Korovin은 삶을 묘사하지 않지만, 삶의 모든 생생한 떨림 속에서 색과 빛으로 보고 생겨난 삶의 완전한 이미지를 만듭니다.
광적으로 자연에 충실한 그는 한두 시간 만에 삶과 기질로 가득 찬 스케치를 능숙하게 그릴 수 있었고, 아니면 몇 주 동안 고통을 겪으며 삶이 떠나는 것처럼 보이는 등불에서 어떤 종류의 그림자의 올바른 톤을 찾을 수 있었습니다. 스케치. "아름다움 그 자체는 그림의 진실에 달려 있다" - 그는 끝까지 이 신념에 충실했다.

구르주프(Gurzuf) 근처 크라스노카멘카(Krasnokamenka)

"구르주프"
1914
캔버스, 오일. 89x121cm
국립 러시아 박물관

구르주프. 과일 바구니. 1916년

크림의 해변에서. 1909년 연구

알룹카. 1912년

"구르주프의 부두"
1914년
캔버스에 유채 89 x 121
국립 러시아 박물관
세인트 피터스 버그

"검은 바다에서"
캔버스, 오일
세바스토폴 미술관. P.M.크로시츠키

남쪽에. 1906년

겨울의 세바스토폴. 1916년

세바스토폴 시장. 1915년

밤의 얄타. 1905년

해변에서. 1910년

얄타의 카페. 1905년

구르주프2. 1915년

남부 도시의 도로. 1908년

크림 반도의 발코니. 1910년

콘스탄틴 코로빈. 정물

정물은 1910년대에 Korovin에게 새로운 관심 영역이 되었습니다.
마스터는 밤에 파리의 불빛이 보이는 창문에서 꽃다발을 묘사합니다. 그들의 반사는 꽃 옆의 금박 접시에 있는 은색 쟁반에 반짝입니다. 이러한 반사 작용을 통해 화가는 정물 오브제를 큰 세계와 결합하고, 마치 그것이 그 일부인 것처럼 우리 주변의 삶에서 가장 아름답고 시적인 모든 것을 집중적으로 수집합니다. 모든 실재의 아름다움의 진수로서 짙은 붉은 장미가 인지되며, 은색과 금박을 입힌 물체의 금속성 빛과 대조되어 그 색의 깊이가 강조됩니다.

금속의 냉기는 보는 사람을 코로빈 최고의 캔버스로 사로잡는 관능적 충만함으로 채색된 생생한 색채의 숨결을 더욱 깊이 느끼게 합니다.